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A Escola Técnica Estadual de Teatro Martins Penna, a mais antiga da América Latina, e que teve Procópio Ferreira, Tereza Rachel, Denise Fraga, Joana Fomm e Aderbal Freire Filho entre seus alunos, apresenta mais uma peça teatral de seus formandos. A turma da noite apresenta a boa peça “Por Que Hécuba?”, escrita por Matei Visniec.

O tema da peça é muito curioso: na Guerra de Troia, Hécuba, a mãe de todos os filhos de Troia, precisa amargar a morte dos mesmos na guerra contra os gregos micênicos, por pura vontade e capricho dos deuses. Quando a mesma esconde um de seus filhos num reino vizinho, ela também o perde, pois o rei temia a fúria dos deuses sobre ele caso mantivesse o filho vivo. E, ainda: quando os deuses decidem que Hécuba sofrera demais e concluem que ela deve receber uma compensação, preparam uma surpresa para ela, surpresa essa que consiste em dar a mão de sua filha em casamento para Aquiles, o carrasco grego dos troianos, que havia morrido em batalha. Isso significa que sua filha terá que ser sacrificada para se encontrar com Aquiles na outra vida. Ou seja, Hécuba, a mulher, a mãe, tem que se submeter ao capricho altamente machista de deuses que se ancoram nas tradições para justificar todo o estado de belicismo, guerra e violência entre os povos da Grécia.

A temática da história, apesar de se passar na Antiguidade, nunca pareceu tão atual, sobretudo quando nos lembramos da violência insuportável a qual somos obrigados a nos submeter e, dentro disso, da frágil posição da mulher numa sociedade cada vez mais preconceituosa e misógina. Assim como Hécuba era obrigada a sofrer todo o tipo de martírio dos deuses em nome de uma tradição, as mulheres de hoje são violentamente atacadas em seus direitos por grupos que também se acham guardiões de tradições que eles acham que todos são obrigados a se sujeitar. Ainda, o choro de Hécuba que perde seus filhos na guerra é o mesmo choro das mães de comunidades que perdem seus filhos para a nossa guerra cotidiana. E a mulher não tem sequer direito a levantar a sua voz contra isso, como a nossa protagonista, que gritava a plenos pulmões contra as injustiças, sendo desvalorizada e ridicularizada de todos os lados com relação a isso.

O mais curioso é que, durante o transcorrer do espetáculo, todas as atrizes da turma interpretaram Hécuba em algum momento, dando uma mensagem de que Hécuba é uma alegoria do que todas as mulheres passam nessa sociedade tão profundamente machista, ainda mais em terras tupiniquins. Ao fim do espetáculo, todas se perfilam diante a plateia e falam de seus desejos com relação ao nosso cotidiano. O direito a um amor livre e a repulsa ao feminicídio foram lembrados.

Foi muito interessante também perceber como a areia foi utilizada no espetáculo. Todo o interior do teatro estava revestido da mesma. E os atores o tempo todo interagiam com ela, como se a própria areia acabasse sendo uma espécie de personagem. Somente para citar, os filhos mortos de Hécuba viraram cinzas, e estavam misturados lá entre toda aquela areia.

Assim, “Por Que Hécuba?” consegue ser mais uma grande realização dos sempre talentosos alunos da Escola Técnica de Teatro Martins Penna; Uma peça que busca na Grécia Antiga, alegorias para criticar o autoritarismo latente da nossa sociedade contemporânea e a frágil posição da mulher. Cabe dizer aqui que, por se tratar de uma Escola de Teatro do Estado, a situação continua grave. Dois processos seletivos de formação de turmas foram cancelados. E a nossa cultura segue sendo estrangulada. Esperamos que se chame a atenção para a resolução de tal problema, pois um povo sem cultura não é absolutamente nada. Se você quer dar uma prestigiada, a peça está em cartaz até o próximo dia 3 de setembro, de quinta a sábado, às oito da noite e domingo, às sete da noite. A Escola de Teatro Martins Penna fica na Rua Vinte de Abril, pertinho do Campo de Santana.

O Cineteatro Maison de France apresenta a peça “Josephine Baker, A Vênus Negra”. Estrelada pela versátil Aline Deluna e com o acompanhamento dos músicos Dany Roland (Bateria e Percussão), Christiano Sauer (Contrabaixo, Violão e Guitarra) e Jonathan Ferr (piano e escoleta), que também se revelaram versáteis atores,  e com direção de Otávio Muller e texto de Walter Daguerre.

Esse notável musical conseguiu traçar de forma muito eficiente a não menos notável trajetória dessa artista nascida nos Estados Unidos, mas que acabou se radicando na França em virtude do racismo latente do primeiro país e de uma maior receptividade do segundo.

Deluna começa a peça vindo do fundo da plateia para o palco, com o pano caído. Ela dá a boa noite, se senta no palco e começa a conversar com a plateia. Inicialmente, fala dela mesma, de como conheceu Josephine Baker e de sua identificação imediata com a artista. Pouco a pouco, ela sai de sua vida e entra na infância de Baker nos Estados Unidos, narrando detalhes de sua vida em terceira pessoa. É de chocar o trecho de sua infância, em que foi tratada com violência e assédio sexual quando era faxineira nas casas dos brancos americanos. E muito mais chocante foi saber que todo o seu bairro foi destruído e assassinado por brancos racistas. Pouco a pouco, foi entrando na carreira musical, embora fosse mais chamada para trabalhar como camareira, até que consegue seu primeiro palco e número musical. Sua forma simultaneamente sensual e cômica, dançando propositalmente de forma desengonçada, chamou a atenção de um empresário que a levou à Paris, onde ela se espantou com o tratamento totalmente diferente de seu país de origem. A partir daí, a peça toma ares de musical onde Deluna destila todo o seu talento, seminua em muitos números, tal como era Baker. Foi muito legal também ver os músicos na peça. Eles, além de tocarem seus instrumentos com maestria, interagiam com a atriz, fazendo papéis de pessoas que passaram pela vida de Baker: empresários e amantes, além de alguns maridos de seus cinco casamentos. Lances da vida de Baker eram contados alternados pelos números musicais, o que ajudou a peça a fluir com naturalidade, não saturando o público de informações. A plateia também participou de forma ativa, quando o elenco descia à ela e trazia pessoas para subirem ao palco, onde até um trenzinho foi feito durante o número musical. Outro trecho marcante da peça foi a ligação de Baker com o Brasil. A artista veio ao Rio de Janeiro várias vezes, se encantou com um menininho muito talentoso que mais tarde contracenaria com ela em alguns shows no Brasil, sendo esse menininho o futuro multimídia Grande Otelo. Conheceu Le Corbusier (teve até um affair com ele), arquiteto francês que teria um papel fundamental na modernização do Rio de Janeiro, e ficou hospedada na casa de Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade. Só para arrematar, ficou maravilhada com o show dos Dzi Croquettes e inclusive pediu ao dono da casa de shows em que atuava que contratasse o grupo brasileiro como atração efetiva depois que ela saísse de lá e abandonasse a vida artística.

Outros detalhes da vida de Baker foram enfocados: sua revolta com os americanos ao, já consagrada na Europa, fazer um show nos Estados Unidos e ser tratada com desrespeito pela crítica em virtude do racismo; sua participação como espiã na Segunda Guerra Mundial, onde a emissão de documentos falsos por ela salvou muitas vidas; o problema no útero que quase a matou e a impediu de ter filhos; e a sua famosa “tribo arco-íris”, onde adotou muitas crianças de várias origens diferentes para provar que a diversidade pode perfeitamente viver em harmonia.

Outro detalhe interessante foi o repertório musical da peça. Além das músicas mais antigas cantadas por Baker, buscou-se músicas mais recentes e ouvimos de Madonna a até funk, passando pelas músicas cantadas por Carmen Miranda, promovendo uma ida e volta entre passado e presente na narrativa. Essa ida e volta também aconteceu de uma forma muito feliz na peça ao se comparar o conservadorismo e radicalismo da época de Baker com o conservadorismo e radicalismo autoritário dos dias de hoje, um ponto da peça que fez refletir muito.

Após o final do espetáculo, o público teve ainda a oportunidade de trocar algumas ideias e tirar fotos com o elenco no saguão do teatro, ou admirar um vídeo com vários momentos da própria Josephine Baker, algo que ajudava a confirmar o grande trabalho de Deluna na peça.

Assim, “Josephine Baker, A Vênus Negra” é uma grande peça de nosso teatro em cartaz no Maison de France até 17 de dezembro. Um excelente musical com atores talentosíssimos, uma ótima reconstituição de uma instigante história de vida, um aguçado senso crítico sobre os dias de hoje e uma simpática interação entre palco e plateia. Espetáculo imperdível!!!

A Escola Estadual de Teatro Martins Penna apresenta a sua nova turma de formandos. Ainda vítima da violenta crise econômica e moral que assola o Estado, a Escola enfrenta com muita coragem as dificuldades do cotidiano e consegue se manter em funcionamento.E agora apresenta a peça “A Fábrica dos Cem Mil”, livremente inspirada na peça “A Fábrica de Robôs”, de Karél Tchapék. Uma história que é um convite à reflexão sobre o que a raça humana faz consigo própria e quais os rumos que ela dá para si mesma para tempos futuros.

Mas, no que consiste essa ficção científica de tons sociais? Temos aqui uma fábrica de robôs cujo objetivo é produzir a maior quantidade possível de seres artificiais. Isso é feito com a meta de livrar o ser humano da escravidão do trabalho. Entretanto, a visão otimista de futuro não se concretizará e o que vamos ter são tempos vindouros altamente distópicos onde, além do óbvio caso do desemprego, também teremos uma raça humana que se inutilizou totalmente, pois passou a depender da força de trabalho dos robôs para tudo. Tal situação adversa levou a contextos de guerra entre os humanos e os robôs. E os cientistas da fábrica, ao invés de pararem com a produção para estancarem toda a violência e caos, pensavam somente em produzir ainda mais robôs em outras circunstâncias que poderiam (ou não) amenizar toda a crise.

A peça levanta questões muito interessantes. Em primeiro lugar, a monstruosidade do ser humano quando ele brinca de ser Deus e cria novas vidas (podemos ver isso quando ele cria geneticamente novas raças de animais por aí), sem dar importância a todas as implicações morais e éticas disso. Tal situação se manifesta no início da peça, onde robôs totalmente angustiados e descontrolados agem como loucos por vários e vários minutos, já ditando toda a agonicidade envolvida na história. O conflito na mente dos robôs de encontrarem a si mesmos num choque contra a sua individualidade dá o tom desse desespero com explosões de paroxismo. Tudo isso provoca um forte sensação de desconforto no espectador. Outra questão a ser levantada é a da crítica à tecnologia e ciência. Num ambiente distópicoo onde o ser humano é antiético e imoral, o mito do cientista louco vem com força total. Mas se a visão caricata do homem de ciências desiquilibrado poderia, num primeiro momento, provocar risos, num segundo momento ela corrobora o desespero mostrado no início da peça, principalmente na figura da mulher que é aprisionada por dez anos na fábrica, inclusive em laços matrimoniais com um dos cientistas, e que sofre com o cotidiano insano da produção dos seres artificiais. Ou seja, apesar do alívio cômico de alguns personagens, o tom de toda a narrativa é altamente sombrio e dramático. Toda essa falta de moral e de ética não fica impune e os humanos e robôs acabam entrando em guerra, com os primeiros ficando realmente ameaçados de extinção. Mesmo assim, o homem não aprende e mantém sua linha insana de produção de mais e mais robôs, somente piorando o problema À despeito de todo um pessimismo envolvido na peça, o final feliz não foi abolido, já que um último (e único) gesto de sensatez salvou o dia. Mas sem mais spoilers por aqui.

A montagem da peça foi extremamente criativa, algo que muito se manifesta quando se tem poucos recursos. O palco foi ornamentado com espelhos e molduras de quadros, num ambiente perfeito para expressar as crises de identidade dos robôs. Foi usada uma trilha sonora futurista, onde o grupo alemão Kraftwerk deu o tom, com batidas um tanto tensas em alguns momentos. O mais curioso é que algumas dessas músicas de tom futurista já têm cerca de quarenta anos.

Um detalhe muito interessante foi a troca, durante a peça, de personagens pelos atores. A tal mulher aprisionada na fábrica foi inicialmente interpretada por uma atriz, mas depois foi interpretada por um dos atores, que passou batom em pleno palco e usou uma espécie de crachá improvisado com o nome da personagem. Isso exigiu a atenção do espectador.

Assim, “A Fábrica dos Cem Mil” é mais outra peça de qualidade que a Escola Estadual de Teatro Martins Penna exibiu para o público, como parte do trabalho de conclusão de curso de sua turma mais recente. Uma peça distópica, crítica da tecnologia e altamente reflexiva. Um drama psicológico com fortes tons de paroxismo. E a certeza de que essa Escola merece ter todas as condições de funcionamento por parte do poder público, pois é uma grande fábrica não de robôs, mas sim de talentos.