Autor: Carlos Lohse

Dentre nossas análises dos filmes que concorrem ao Oscar, vamos falar hoje de “Greyhound, Na Mira Do Inimigo”, que concorre à estatueta de Melhor Som. Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

Vemos aqui a história do Capitão Krause (interpretado por Tom Hanks), que tem uma difícil missão: defender um comboio de embarcações da Marinha Mercante que cruzam o Oceano Atlântico em direção à Europa durante a Segunda Guerra Mundial. O grande problema são os temidos submarinos alemães, que afundam esses barcos da Marinha Mercante, buscando evitar que os Estados Unidos consigam prover seus aliados na Europa com toda uma gama de produtos. O comboio tem apoio de aviões até uma determinada parte da travessia, quando as embarcações entram num setor chamado “buraco negro”, onde a única defesa que o comboio tem são alguns barcos que fazem a escolta. Essa lacuna dura cerca de cinco dias, quando as embarcações estão mais próximas à Europa e o apoio aéreo retorna. A embarcação que lidera a defesa do comboio é o Greyhound, capitaneado por Krause, que está em sua primeira missão de travessia do comboio. Com um péssimo tempo e o mar revolto, as estratégias de defesa tem que ser meticulosamente calculadas pelo capitão para encontrar um inimigo praticamente invisível e atacá-lo sem desperdiçar munição, pois há vários submarinos alemães atacando simultaneamente.

É um filme muito tenso, onde vemos Krause liderando seus homens ao mesmo tempo que ele precisa estar em contato com as outras embarcações de defesa. Apesar da infinidade de termos técnicos de navegação, com o tempo o espectador consegue entender o que está acontecendo, pois ele vai aprendendo o significado desses termos à medida que as situações ocorrem. Vemos toda a dificuldade de comunicação para que tudo o que ocorre chegue ao capitão, onde toda a equipe deve estar muito bem treinada e qualquer hesitação pode decidir questões de vida ou morte (até um espirro pode prejudicar as comunicações e atrasar uma ordem decisiva do capitão). Volta e meia, os submarinos sobem à superfície para pegar oxigênio e estão visíveis, mas as condições do tempo e do mar prejudicam as visualizações. Nesse contexto, os radares precisam funcionar dentro da maior eficiência possível e um defeito neles pode ser algo fatal. Os submarinos alemães também podem lançar iscas para enganar os radares quanto à sua posição. A autoconfiança dos alemães em destruir as embarcações era tão grande que eles entravam em contato com o Greyhound para fazer guerra psicológica, xingando ofensas e ameaçando de morte a todos. Mas a concentração da equipe não podia esmorecer um segundo. O filme mostra tudo isso com grande desenvoltura e a gente deve tirar o chapéu para Tom Hanks, não somente por sua soberba atuação de sempre, mas também pelo fato de que ele assina o roteiro, que é baseado no livro de C. S. Forester, “The Good Shepherd”.

Com relação a única indicação que o filme recebeu, a de Melhor Som, creio que esse filme não ganhará, pois me parece que “O Som do Silêncio” é o grande favorito, o que é uma pena, pois esse filme é muito instigante e cativante. Talvez ele merecesse mais indicações técnicas, como os Efeitos Visuais.

Assim, “Greyhound, Na Mira Do Inimigo” é um filme que concorre ao Oscar que não é tão badalado, mas apresenta uma história de guerra muito interessante onde Tom Hanks interpreta o protagonista principal e ainda assina o roteiro. Mesmo que não ganhe o Oscar, o valor desse filme foi reconhecido pela indicação de Melhor Som que recebeu, embora ele tivesse bala na agulha para mais indicações.  

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Dentre as nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar desse ano de 2021, falemos hoje de “Nomadland”, que concorre a seis estatuetas: Melhor Filme, Melhor Atriz para Frances McDormand, Melhor Direção para Chloé Zhao, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Montagem e Melhor Fotografia, além de ter ganhado os Globos de Ouro de Melhor Filme de Drama e Melhor Direção. Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

Vemos aqui a trajetória de Fern (interpretada por Frances McDormand), uma mulher que perdeu emprego, marido e casa depois da crise de 2008, tendo apenas a estrada e trabalhos temporários que surgem ao longo da via para viver, morando em sua pequena van e tendo uma vida totalmente nômade. Fern irá ter uma infinidade de empregos diferentes e conhecerá muitas pessoas ao longo da estrada, passando pelas mais diversas experiências. Uma vida que pode ser muito dura, mas onde também se encontra muita solidariedade entre os nômades, vítimas da recessão mas que, ao mesmo tempo, não conseguem mais se readaptar à vida sedentária.

O filme conta com a ajuda de nômades verdadeiros e, num certo clima de Road Movie, busca mostrar como essas pessoas que parecem invisíveis à sociedade americana conseguem sobreviver nesse panorama de crise econômica. Totalmente descartados pela sociedade, eles recorrem às mais diferentes estratégias, à medida que vão relatando suas experiências de vida. Há aqueles, como Fern, que pegaram a estrada depois de fortes perdas. Há outros que simplesmente optaram por essa vida, pois viram os entes queridos trabalharem a vida inteira e não puderam desfrutar de todas as suas economias pois morreram logo depois que se aposentaram. Alguns simplesmente foram afetados pela crise e não tiveram mais para onde ir. Ou seja, o filme, ao expressar de forma multifacetada a vida dos nômades, responsabiliza sim a crise econômica, mas também mostra que a vida na estrada pode ser uma opção, tudo variando muito de caso a caso. O acampamento nômade no deserto que vemos na película é o indicativo de que temos toda uma sociedade e cultura nômade sendo forjada nos Estados Unidos, algo peculiar e curioso aos nossos olhos sedentários. E, mesmo com certos desconfortos como não ter um banheiro à disposição ou enfrentar o forte frio, os nômades se adaptam à sua realidade e conseguem levar a sua vida, mesmo sendo vistos pelos sedentários com um certo preconceito, encarados como sem-teto ou pessoas em estado de forte miserabilidade.

Falemos, agora, das indicações. Frances McDormand está muito bem em seu papel, mas a concorrência com atrizes mais jovens (o que significa maior chance de novos contratos lucrativos) e o fato dela ter abiscoitado um Oscar nos últimos anos acaba tirando um pouco suas chances. Chloé Zhao pode ter chances de ganhar como diretora ou roteiro adaptado. A fotografia parece ter mais chances que a montagem, pois o filme mostra paisagens muito deslumbrantes do interior dos Estados Unidos, indo da neve inclemente aos desertos e paisagens rochosas, passando por parques florestais, o que dá ao Road Movie um certo gostinho de Western, muito embalado pela música country, que tem um certo destaque no filme. Tais paisagens ganham muito em beleza, mas também conseguem passar um forte sentimento de desolação, dialogando bastante com o filme e o espectador.

Dessa forma, “Nomadland” é mais um filme graúdo que concorre nas categorias principais do Oscar. Com uma grande atriz e uma grande diretora, provavelmente essa película deve sair com premiações, o que não seria nenhuma surpresa.

Dentre as análises de filmes que concorrem ao Oscar nesse ano de 2021, falemos hoje de “Bela Vingança”, que concorre a cinco estatuetas: Melhor Filme, Melhor Atriz para Carey Mulligan, Melhor Diretor para Emerald Fennell, Melhor Roteiro Original e Melhor Montagem. Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

Vemos aqui a história de Cassandra (interpretada por Carey Mulligan), uma moça que se finge de bêbada em Night Clubs para que os homens a levem para a sua casa e aproveitem a sua suposta condição de vulnerabilidade para abusar sexualmente dela. Mas Cassandra se revela sóbria na hora em que o homem vai cometer o abuso, colocando-o numa tremenda saia justa. Ela faz isso, pois quando estava na Universidade, sua amiga muito próxima Nina sofreu abusos sexuais de estudantes de medicina e a moça se retirou da Universidade, pois ao acusar os colegas de abuso, a visão machista que existe desde sempre acabou culpando-a pelo ocorrido. Para ficar solidária com a amiga, Cassandra também se retirou da Universidade e as duas não terminaram o curso por causa disso. Mais tarde, Nina comete suicídio. Cassandra, então, começa sua saga de colocar os abusadores em seu lugar, mas ela também tem um objetivo maior: ir atrás das pessoas que desgraçaram a vida de Nina e se vingar. No meio disso tudo, aparece na vida de Cassandra Ryan (interpretado por Bo Burnham), que está muito interessado nela e parece ser um cara muito legal. Mas nem sempre as coisas são o que parecem ser.

O filme tem uma mensagem muito clara que é a denunciar o abuso de mulheres em situação de vulnerabilidade pelos homens. Cassandra é uma espécie de “justiceira” que não recai no expediente da violência para castigar os machistas. Num primeiro momento, fica parecendo que vemos uma vingança à meia bomba. Mas, numa segunda análise, essa é a melhor resposta a se dar, onde temos um grande susto que é dado, mas nenhuma maldade ou violência é cometida, algo que é mais atribuído ao universo masculino. A ideia de Cassandra é fazer os algozes passarem pelo mesmo constrangimento que ela e Nina passaram, mas sem a violência que sofreram, não sendo um “olho por olho”.

O filme se torna mais interessante em função de seus plot twists, sobretudo no desfecho da película, onde o algoz maior, o estuprador de Nina, recebe a punição mais severa. Apesar dos plot twists, o filme tem uma constante: a de que nenhum homem realmente presta, com todos tendo alguma espécie de defeito ou dando os mesmos argumentos para justificar os malfeitos do passado.

E as indicações? A indicação para Melhor Atriz está uma briga muito grande e Mulligan aparece com força. Continuo dizendo que minha favorita é Viola Davis, mas ela realmente já ganhou um Oscar e, se valer a regra de se premiar atrizes mais jovens para render mais contratos lucrativos, Mulligan ganha força aqui. Na direção, temos a presença de duas mulheres: Chloé Zhao, por “Nomadland” e Emerald Fennell por “Bela Vingança”. Seria muito interessante que uma das duas ganhasse, embora “Mank” venha forte com dez indicações, podendo também ser possível que seu diretor David Fincher tenha boas chances. A premiação para Roteiro Original, escrito pela mesma Emarald Fennell, também cairia muito bem.

Dessa forma, “Bela Vingança” é mais um medalhão que vem forte na disputa pelas principais categorias. Um filme que denuncia o comportamento machista e abusador dos homens que se aproveitam de mulheres em situação de vulnerabilidade. Chances boas para a premiação de atriz, direção e Roteiro Original.

Dando sequência às nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar desse ano de 2021, vamos falar hoje de “Meu Pai”, que concorre a seis estatuetas: Melhor Filme, Melhor Ator para Anthony Hopkins, Melhor Atriz Coadjuvante para Olivia Colman, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Montagem e Melhor Design de Produção. Ou seja, temos aqui mais um filme graúdo, com várias indicações muito importantes. Para podermos falar sobre esse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

O plot é muito simples. Vemos aqui a história de Anthony (interpretado por Anthony Hopkins) e sua filha, Anne (interpretada por Olivia Colman). Anthony tem o Mal de Alzheimer e Anne precisa cuidar do pai. Mas Anthony não tem muita noção da realidade e acha que não precisa de uma pessoa para cuidar dele. Com o tempo, Anthony vai se tornando cada vez mais confuso, à medida que a doença avança, até que ele termina num asilo, completamente perdido e praticamente voltando aos seus dias de infância, totalmente vulnerável nos braços de uma enfermeira.

É um filme muito desesperador, à despeito de uma história muito simples. O que torna a película muito impactante é o fato de que testemunhamos todos os acontecimentos do ponto de vista de Anthony, onde progressivamente vamos perdendo a noção total da realidade, além das lacunas de memória aumentarem cada vez mais. Toda hora estamos juntos com Anthony numa situação nova, completa ou parcialmente desconexa da situação anterior, onde não nos lembramos quem são as pessoas ou, pior até, a identidade das pessoas vai mudando. Ficamos completamente perdidos e simplesmente não sabemos o que está acontecendo. É como se o espectador adoecesse do Alzheimer e testemunhasse o desenvolvimento da doença, sem ter a menor noção de que está com algum mal. Nos sentimos totalmente vulneráveis, confusos e inseguros. Uma hora estamos num apartamento. Momentos depois, estamos em outro. Uma hora, uma cuidadora tem determinadas características físicas; noutra hora, a mesma cuidadora já é outra pessoa. Num momento, estamos acordando e tomando o café; no instante seguinte, é a hora da janta e estamos comendo frango pela enésima vez. Ou seja, estamos numa espécie de turbilhão, um labirinto cognitivo onde não conseguimos estabelecer uma continuidade de nossas experiências cotidianas. Tudo isso dá uma sensação extremamente desagradável e, principalmente, um certo estado de pânico só de pensar que existe uma possibilidade de encarar uma doença tão horrível como essa no futuro.

E as indicações? Mais um medalhão para Melhor Filme que se torna uma incógnita se vai ganhar ou não. Hopkins parece ser um forte candidato, embora já tenha ganhado um Oscar de Melhor Ator no passado (há a forte concorrência de Chadwick Boseman e Riz Ahmed). O mesmo ocorre com Olivia Colman, que ganhou uma estatueta há menos tempo (aqui parece que Amanda Seyfried é a favorita). As indicações de Montagem e Design de Produção parecem ter mais chances, já que elas dão base de uma forma bem eficiente para a narrativa altamente fragmentada de um protagonista que sofre de um mal que embaralha toda uma narrativa linear. Roteiro adaptado parece ter boas chances também.

Dessa forma, “Meu Pai” é mais um candidato de peso que concorre ao Oscar. Atuações primorosas de Anthony Hopkins e Olivia Colman, mas como os dois já ganharam suas estatuetas, talvez a premiação vá para as gerações mais novas. Um  filme que tira completamente o espectador de sua zona de conforto, o colocando na realidade para lá de sombria do Mal de Alzheimer.

Dentre as nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar 2021, falemos hoje de “Judas e o Messias Negro”, que concorre a seis estatuetas: Melhor Filme, Melhor Ator Coadjuvante para Daniel Kaluuya, Melhor Canção, Melhor Roteiro Original, Melhor Ator Coadjuvante (de novo!) para Lakeith Stanfield e Melhor Fotografia, além de ter ganhado o Globo de Ouro de Melhor Ator Coadjuvante para Daniel Kaluuya. Ou seja, temos mais um concorrente de peso aqui. Para podermos analisar esse filme, vamos usar os spoilers de sempre.

O filme fala da trajetória de Fred Hampton (interpretado por Daniel Kaluuya), o presidente do Partido dos Panteras Negras de Illinois. Dono de um discurso muito eloquente e cativante, Hampton tinha como principal ambição reunir vários grupos na luta revolucionária para instituir o socialismo nos Estados Unidos. Ele consegue o apoio de outras facções de afroamericanos, grupos de origem latina e até brancos sulistas. Sua capacidade de aglutinação de todas essas facções provocou a preocupação no FBI, que começa a investigar mais de perto as ações de Hampton. Para isso, será infiltrado no grupo de Hampton como informante do FBI Bill O’Neal (interpretado por Lakeith Stanfield), um puxador de carros que enganava as pessoas dando uma carteirada de policial e que foi pego pela polícia, recebendo a oferta de ser informante ao invés de ir para a cadeia. A vida de O’Neal não será fácil, pois ele fica muito temeroso com toda a forma de ser dos Panteras Negras e a ideia de ser pego como informante por eles o aterrorizava. Mas, com o tempo, O’Neal percebeu como Hampton tinha um lado também mais afável, além de começar a acreditar em sua causa. Entretanto, as pressões do FBI em cima dele eram simplesmente impossíveis de se aguentar, já que a ameaça de prisão sempre era algo bem real. A coisa irá culminar com uma tocaia organizada pelo FBI para matar Hampton, onde O’Neal teve que participar.

O filme, baseado numa história real, mostra como o conflito entre os Panteras Negras e o governo teve ares de uma pequena guerra dentro dos Estados Unidos, com direito a tiroteios entre a polícia e os ativistas do movimento em alguns momentos do filme. São apresentados, do lado dos Panteras Negras, vários personagens que vão simplesmente morrendo ao longo do filme. É emblemático um tiroteio entre a polícia e os Panteras Negras em sua sede, sob os olhos atônitos da população. Quando os Panteras Negras são rendidos, os policiais, sem qualquer cerimônia, levam gasolina para dentro do prédio, incendiando-o de forma criminosa, sem qualquer preocupação com uma punição. Ou seja, era um verdadeiro clima de guerra que vimos ao longo da exibição, guerra essa completamente desigual em favor das forças do governo.

E quanto às indicações? O leitor pode estranhar duas indicações para melhor ator coadjuvante num mesmo filme. Mas isso volta e meia acontece, até porque provavelmente não haveria uma “vaga” de Melhor Ator para um dos dois atores indicados a Melhor Ator Coadjuvante. E aí, se coloca essas indicações a Melhor Ator Coadjuvante, até porque o Oscar é uma premiação de indústria e a indicação ao Oscar também é um rótulo que dá prestígio ao indicado, valorizando-o e fazendo a roda do dinheiro rodar mais. Como Kaluuya já ganhou o Globo de Ouro, existe uma possibilidade maior de premiação para Stanfield que, diga-se de passagem, merece muito o prêmio, pois não é fácil dar vida a um personagem tão dúbio quanto um informante, que vive constantemente no medo de ser descoberto, além de ter se arrependido de tudo o que fez (o verdadeiro O’Neal acabou se suicidando). Hampton, por sua posição idealista, parece um personagem mais fácil de se fazer do que O’Neal. A premiação para Melhor Filme sempre é uma incógnita, assim como o Roteiro Original. Já a fotografia, confesso que estou torcendo para o preto e branco de “Mank”.

Dessa forma, “Judas E O Messias Negro” é outro concorrente de peso ao Oscar desse ano. As atuações de Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield são dignas de premiação, com uma chance maior para Stanfield, que fez um personagem mais complexo. Vemos aqui mais um filme baseado numa história real, que mostra uma luta crua dos afroamericanos pelos seus direitos e a violenta repressão que sofreram.

Dando sequência às nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar nesse ano de 2021, falemos hoje de “The United States Vs. Billie Holiday”, que concorre a estatueta de Melhor Atriz para Andra Day e que ganhou o Globo de Ouro de Melhor Atriz de Filme de Drama para Andra Day. Para podermos analisar esse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

O filme começa com uma foto real de um grupo de brancos queimando o corpo de um afroamericano e falando de uma lei contra os linchamentos que era votada na década de 30 e que não era aprovada. Billie Holiday (interpretada por Andra Day), em grande evidência na época, cantará uma música intitulada “Strange Fruit”, que fala de forma bem crítica dos linchamentos de afroamericanos, se tornando alvo do Departamento Federal de Narcóticos, na figura de Harry Anslinger (interpretado por Garrett Hedlund). Na verdade, eles queriam calar a música de protesto da cantora, mas decidiram atingir seu ponto fraco que era o vicio em drogas, levando-a a prisão. Depois de um tempo encarcerada, Holiday volta à ativa mas sua licença de cantora é caçada, não podendo trabalhar de forma oficial. Por isso, ela precisa se associar com um empresário do ramo de shows que tem contatos com o governo para poder continuar a se apresentar e a levar a sua carreira, em troca de sexo com ele. Por outro lado, Holiday mantém uma relação com o policial Jimmy Fletcher (interpretado por Trevante Rhodes), um informante do Departamento Federal de Narcóticos que justamente armou para levar Holiday à prisão. Apesar disso, ele acaba se envolvendo com a cantora e sua carreira é destruída por causa disso. Holiday seria perseguida pelos oficiais da narcóticos por toda a sua breve vida de quarenta e quatro anos, sempre sendo pressionada a entregar quem fornecia drogas para ela, o que significaria a vitória dos brancos que a perseguiam sobre ela. E a moça resistiu bravamente até a sua morte, onde foi alegado que encontraram drogas em seu organismo, com ela sendo “presa” depois de morta.

O filme tem dois eixos principais. O primeiro foca bastante na curta biografia de Holiday, sua carreira conturbada, seu vício com as drogas e as difíceis relações que ela teve que estabelecer para levar sua carreira de sucesso adiante. Fica aqui um ponto muito forte para Andra Day, que abraçou a personagem de uma forma profunda, dando toda uma ideia da personalidade forte da cantora, que não podia esmorecer num meio totalmente adverso a ela, o que dá uma indicação para lá de merecida a Day. O segundo eixo é o tema da questão racial nos Estados Unidos, onde vemos toda a perseguição à cantora quando ela cantava “Strange Fruit” e as tentativas de órgãos do governo de silenciar a sua carreira. Há também outros elementos que assinalam em cores vivas o racismo nos Estados Unidos. Além da forte foto do linchamento ao início do filme, há uma sequência um tanto onírica, um tanto real, onde Holiday se depara com uma mulher enforcada e sua família aos prantos em volta do corpo pendurado numa árvore, num momento muito pesado que tem a intenção de chocar o espectador e alertar para o problema do racismo. Mas a grande surpresa vem ao final do filme, quando é dito que a lei do linchamento foi finalmente aprovada pela câmara em… 2020, mas que o senado americano ainda não fez a votação de sua aprovação. Ou seja, vendo o exemplo de vida de Billie Holiday no passado e a demora da aprovação de uma lei que parece ser tão óbvia em ser aprovada, é que entendemos a importância de movimentos como o Black Lives Matter.

Dessa forma, “The United States Vs. Billie Holiday” é um filme que merece a indicação para Melhor Atriz no Oscar e mereceu o prêmio no Globo de Ouro, coroando a boa atuação de Andra Day. Difícil dizer se ela ganhará o Oscar, até porque já ganhou o Globo de Ouro e pelo fato de ter concorrentes de peso como Viola Davis e Frances McDormand.

Dentre as nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar nesse ano de 2021, vamos falar de um concorrente de peso hoje. “Minari” concorre a seis estatuetas (Melhor Filme, Melhor Ator para Steven Yeun, Melhor Diretor para Lee Isaac Chung, Melhor Atriz Coadjuvante para Yuh-Jung Youn, Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora), além de ter ganhado o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro. Para que possamos falar desse filme, vamos precisar de spoilers.

O filme conta a história de uma família coreana, cujo casal é formado por Jacob (interpretado por Steven Yeun) e Monica (interpretada por Yeri Han). Os dois trabalhavam na Califórnia num aviário, identificando o sexo dos pintinhos. Mas Monica não se adapta ao emprego, sendo demitida. Jacob decide começar vida nova no interior do Arkansas, comprando um pedaço de terra para iniciar a produção de vegetais coreanos, tornando-se um fazendeiro, ao mesmo tempo que trabalha no mesmo emprego onde agora sua esposa é aceita. Desde o início, Monica não gosta da mudança de vida, pois eles moram numa espécie de trailer gigante no meio do mato, longe de tudo. Mas Jacob acredita que lá ele vai conseguir seu “sonho americano”. Os problemas surgem rápido: a necessidade de se procurar um local onde tem água para se cavar um poço, ameaça de tornados, o estranhamento com uma sociedade cristã e conservadora. A mãe de Monica, Soonja (interpretada por Yuh-Jung Youn) chega para ficar com a família, trazendo hábitos coreanos, o que provoca estranhamento nos netos que cresceram nos Estados Unidos, principalmente David (interpretado por Alan Kim), o caçula da família. A insistência de Jacob na fazenda deteriora seu casamento, com Monica pensando em abandoná-lo e voltar para a cidade com os filhos.

O filme é muito tocante e doloroso, pois vemos como uma família estrangeira muito fragilizada busca seu lugar ao Sol, tendo que enfrentar uma série de dificuldades. Ao contrário do que se pode imaginar, não vemos situações de preconceito ou xenofobia, mas de muito estranhamento entre os coreanos e os americanos. Jacob terá a amizade de um americano veterano da Guerra da Coreia, um cristão fervoroso zureta das ideias que carrega uma enorme cruz em direção à igreja local na estrada todos os domingos. Monica é religiosa e busca frequentar essa igreja, para desgosto de Jacob que não é muito religioso. A comunidade cristã local até recebe bem os coreanos, mas a sensação de deslocamento da família coreana nessa nova realidade tradicional rural cristã e conservadora é evidente.

Entretanto, um estranhamento maior é a grande atração do filme, que está no relacionamento entre o menino David e a sua avó Soonja. Um menino de família coreana que foi criado nos Estados Unidos vê a avó como uma espécie de corpo estranho e até um tanto hostil em sua casa, pois ela traz várias tradições coreanas que ele não conhece e não se “comportaria” como avó. A relação dos dois inicialmente é muito difícil, mas, com o tempo, eles vão se aproximando. O menino, que tem problemas no coração e é tratado com muito zelo pelos pais, é tratado de forma normal pela avó que bota o menino até para carregar peso, algo inimaginável para o pai e a mãe. A melhor forma que a avó consegue usar para se aproximar do menino e levá-lo a cultura do país de sua família é o cultivo de uma plantinha chamada minari à beira do riachinho da fazenda, que é comestível. Infelizmente, Soonja tem um derrame e fica incapacitada para fazer várias coisas, botando fogo sem querer no galpão da fazenda com toda a produção, justamente no momento em que Jacob consegue um comprador. Essa pequena tragédia acaba fazendo com que Monica e Jacob se reaproximem e a família não se fragmente, algo que foi até bom, mas sempre a duras dores e com uma dificuldade que massacra nossos pobres protagonistas que dá um dó desgraçado.

E as indicações? Esse é um concorrente graúdo e definitivamente merece ganhar algum dos prêmios. Mais um filme com coreanos e com legendas em alguns momentos, ele teria tudo para fazer o mesmo sucesso de “Parasita” no ano passado. Mas se pergunta aqui se um filme tão “estrangeiro” (que tem Brad Pitt como um dos produtores, é verdade) e da Coreia teria novamente o apreço da Academia na premiação logo no ano seguinte. E temos grandes concorrentes nas categorias graúdas nas quais “Minari” concorre. Logo, é muito difícil dizer se o filme vai ganhar algum Oscar. De qualquer forma, será merecida qualquer premiação que venha a ganhar, até porque “Minari” já venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro.

Dessa forma, “Minari” é um concorrente de peso ao Oscar desse ano, indicado nas principais categorias. É um filme cativante onde o espectador rapidamente acolhe todos os personagens em seus sonhos, esperanças e decepções, com a gente se compadecendo muito de suas dificuldades.