Autor: Carlos Lohse

No ano do centenário do lendário cineasta sueco Ingmar Bergman, o Espaço Itaú de Cinema realizou, ao mês de setembro último, uma pequena mostra para homenagear esse importante nome do Cinema Mundial. E aí, pintou uma oportunidade para assistir a “Sonata de Outono”, um filme que sempre tive curiosidade de assistir. Confesso que vi poucos filmes do cineasta (ele tem cerca de setenta filmes, fora os trabalhos para teatro e para a TV sueca) e preciso preencher essa lacuna. Mas, por que o meu interesse especial por “Sonata de Outono”? Eu li, há alguns anos, o famoso livro de Liv Ullmann, “Mutações”. Ullmann foi um dos muitos casos de Bergman que, apesar de seu talento mundialmente reconhecido, não era lá uma figura muito fácil em termos de relacionamento humano, como o próprio cineasta reconhecia. E, quando vemos Ullmann se expressar, parece que ela é demasiadamente sensível perto do gélido temperamento nórdico, passando sempre para a gente uma sensação de fragilidade e de sentimentalismo muito grande. Pois bem, ao ler “Mutações”, a gente vê que Ullmann se lembra de forma muito especial de sua relação com Ingrid Bergman em “Sonata de Outono”, onde atores e personagens meio que se fundiram ali.

Ou seja, as duas atrizes ficaram realmente marcadas por todo o sofrimento de suas personagens e ainda tinha o agravante de que Ingrid Bergman já padecia de um câncer no seio na ocasião. Ullmann falava de um sentimento maternal que nutria por Ingrid Bergman e de como vestiu a camisa da opressão maternal que sua personagem Eva sentia. Outro detalhe muito marcante de “Sonata de Outono” é que temos a oportunidade de ver Ingmar Bergman dirigir Ingrid Bergman, a mítica atriz de “Casablanca”. Confesso que lá nos idos de minha adolescência cheguei a confundir os dois artistas em um só.

Mas, como é a história de “Sonata de Outono”? A trama é bem simples. Uma filha, Eva (interpretada por Ullmann), recebe em sua casa a mãe, uma renomada pianista, Charlotte (interpretada por Ingrid Bergman). Mas a artista não sabe que Eva também abriga a sua irmã, Helena (interpretada por Lena Nyman), que sofre de problemas motores, algo que angustia Charlotte. Pouco a pouco, Eva e Charlotte vão revolvendo o passado e o que parecia, num primeiro momento, uma relação cordial entre mãe e filha vai revelando camadas de muito ressentimento e até de ódio.

É um filme pesado e assisti-lo torna-se uma experiência arrebatadora. Temos uma oposição inicial filha frágil e insegura X mãe autossuficiente e determinada onde, pouco a pouco, os papéis se invertem. Eva passa a ser implacável e cruel, não perdoando as constantes viagens da mãe nos tempos de infância e a aparente indiferença de seus sentimentos para com a filha. Ao mesmo tempo, Charlotte deixa de ser a mulher forte e determinada para revelar toda uma fragilidade que vinha também de um relacionamento mal resolvido com sua mãe, onde ela também padecia da indiferença. Ou seja, a gente tem repetições de uma mesma situação de loops de indiferenças maternas que assolavam psicologicamente as filhas. Só que no caso de Charlotte e Eva, temos o agravante de Helena, onde fica citado no filme que a doença da moça também é provocada, de uma certa forma, pelo comportamento da mãe. Aliás, é de Helena o mais terrível grito de angústia do filme, próximo ao seu desfecho que, ao contrário do que pode parecer em toda a película, traz um vento de esperança que substitui a letargia de uma melancolia que a gente vê ao longo da exibição, melancolia essa sacudida nos momentos mais tensos entre Eva e Charlotte.

Do ponto de vista técnico, uma coisa chama muito a atenção: o uso dos closes como instrumento dramático. Ver Ullmann e Bergman e suas faces ocupando toda a tela com olhos que se marejavam nas frontes petrificadas (acho muito forte a interpretação onde o ator faz lágrimas brotarem de seus olhos sem qualquer desfiguração da face) era algo de grande impacto.

E, cá para nós, o close de Ullmann olhando a mãe tocando piano talvez seja um dos mais icônicos e definitivos da História do Cinema, onde a jovem atriz dá a sua personagem toda uma insegurança e fragilidade perante a figura monumentalizada da mãe, que toca a peça com uma indiferença de frieza muito intensa.

Assim, “Sonata de Outono” é um grande momento da História do Cinema, pois traz um excelente roteiro interpretado de forma magistral por uma jovem atriz e uma diva do Cinema Mundial, tudo isso sob a batuta de um dos maiores diretores de cinema de todos os tempos. É um clássico para ver, ter e guardar.

Mais um curioso filme francês (em co-produção com a Bélgica). “O Amante Duplo”, de François Ozon, é um daqueles filmes onde temos vários plots twists de gêneros. Se a coisa inicialmente parece um dramalhão psicológico, com o tempo a película toma contornos de um thriller pesado, voltando a algo mais psicológico num final um tanto óbvio.

Vemos aqui a história de Chloé (interpretada por Marine Vacth), uma moça atormentada que tem problemas de saúde por se alimentar mal. A ginecologista que a atende indica um psicólogo e Chloé vai se consultar nele. Seu nome é Paul (interpretado por Jérémie Renier) e, depois de algumas sessões, os dois se apaixonam e vão morar juntos. O que parecia ser a realização de um sonho de um relacionamento estável acaba se tornando uma rotina tediosa para Chloé, que vê o seu amado na rua com outra. Depois de interpelar Paul, Chloé, tomada pelo ciúme, escuta dele que ela somente viu alguém parecido. A moça vai ao local e descobre que há outro psicólogo trabalhando lá, com o mesmo sobrenome de Paul. Ela marca uma consulta e descobre que esse psicólogo é irmão gêmeo de Paul, Louis, e se comporta de forma completamente diferente. Enquanto Paul é pacato e doce, Louis é agressivo e arrogante, tendo um maior apetite sexual e satisfazendo Chloé nesse quesito, o que provoca o envolvimento da moça com Louis. Vai começar aqui um jogo de gato e rato, onde a vida pregressa desses dois irmãos tem várias surpresas, a imensa maioria delas totalmente desagradável.

O grande lance desse filme é o quebra-cabeça que Chloé busca desvendar, gerado pelo relacionamento dela com esses dois irmãos. Além do fato que a moça está fortemente abalada psicologicamente, a forma agressiva e pouco cortês de Louis assusta Chloé que, entretanto, não age como uma vítima frágil e entra de cabeça em toda essa turbulência. À medida que essa história vai se tornando mais e mais complexa, fica mais claro como o filme terminará e algumas sequências dão o tom disso quando analisamos as imagens. Mas não vou entrar em maiores detalhes sobre isso, pois seria não um spoiler do filme, mas o spoiler do filme.

É uma película um pouco difícil de assimilar em virtude da agressividade e crueza de algumas cenas dentre elas, cenas de sexo não consentido (leia-se estupro) tapas, socos, um feto saindo da barriga de Chloé como um alien (argh!) ou a história (sinistra, por sinal) do corpo de uma pessoa assimilar o feto do que poderia ter sido o seu irmão gêmeo, além de uma moça em estado vegetativo em cima de uma cama. Todas essas cenas estão mais na fase de suspense da película, quando a narrativa fica muito pesada.

Os atores foram muito bem. Marine Vacth, a atriz que interpretou Chloé, conseguiu passar fragilidade, mas também uma boa dose de animosidade quando se relacionava com Louis. Tivemos a grata surpresa de ver, em alguns poucos momentos, Jacqueline Bisset de volta, como a mãe de Chloé. Mas o grande nome do filme foi Jérémie Renier, que teve que fazer dois irmãos de comportamentos totalmente diferentes, sendo, com certeza, o ator mais exigido no filme.

Assim, “O Amante Duplo” é uma história que combina um drama psicológico leve com um pesado thriller e que tem um final óbvio. É um filme onde as atuações dos atores têm um papel fundamental e eles corresponderam, sobretudo Jérémie Renier. E um filme que, na sua fase inicial e mais leve, trabalhou bem os closes, para dar um tom mais intimista aos bem construídos personagens. Vale a pena você se encucar com essa película.

Uma co-produção Uruguai/Argentina/Espanha. “Uma Noite de Doze Anos”, de Álvaro Brechner, é mais um filme que aborda o período das ditaduras militares latino-americanas, tendo agora como foco o que aconteceu no Uruguai. A temática é muito simples. Depois de uma tentativa de ataque do movimento Tupamaro, onde figuras importantes do governo uruguaio foram mortas, o exército partiu com tudo para cima dos guerrilheiros, desbaratando o movimento com mortes violentas e prisões.

Alguns desses presos ficaram na condição de reféns do Estado, sendo transferidos para lá e para cá, num período de doze anos (de 1973 a 1985). O filme mostra a trajetória de três desses reféns no cárcere: José Pepe Mujica (interpretado por Antonio de la Torre), que seria no futuro o presidente do Uruguai; Mauricio Rosencof (interpretado por Chino Darín, o filho de Ricardo Darín), jornalista e escritor; e Eleuterio Fernández Huidobro (interpretado por Alfonso Tort), ex-ministro da defesa. Por durante os 122 minutos da película, esses três prisioneiros são continuamente transferidos de um quartel para outro, ficando nas mais diferentes prisões, sempre em condições subumanas e sempre muito maltratados pelos militares.

Era clara a intenção dos militares de colocar os presos na situação mais degradante possível, com o objetivo de levá-los à loucura, o que quase aconteceu justamente com Pepe Mujica, não fosse a intervenção de sua mãe em uma das visitas, que chamou a atenção para o plano dos militares e pediu ao filho que resistisse a qualquer custo. A propósito da situação de quase loucura de Mujica, deve-se abrir aqui um pequeno parênteses: quando vemos um filme que fala dos horrores da ditadura militar, a gente espera uma narrativa um pouco mais precisa, no sentido de que relate de forma objetiva todos os horrores aos quais os presos políticos foram submetidos.

O filme até começa dessa forma, mas quando se chegou ao momento com Mujica, seus devaneios e delírios tornaram a narrativa surreal, o que tirou um pouco da objetividade de se contar a história. Pelo menos, tais delírios nos deram a oportunidade de resgatar algumas passagens anteriores em flash-back. Se bem que o flash-back também foi utilizado quando o personagem Eleuterio estava em foco na história. Já Rosencof teve uma característica interessante: por ser escritor, ele consegue ficar amigo de um sargento que quer escrever uma carta para a mulher pela qual ele está apaixonado e passa a ter (poucas) regalias.

De qualquer forma, o isolamento dos personagens é notório e eles ficam anos sem se ver, se comunicando volta e meia dando pequenos socos nas paredes da prisão quando estavam encarcerados perto uns dos outros. Creio que os socos reproduziam código morse.

Ao se mostrar a rotina dos presos, o espectador experimenta a rotina de também estar enclausurado e incomunicável, alheio às mudanças que ocorreram ao longo dos doze anos de prisão, salvo em situações muito peculiares, onde nossos três personagens tiveram pouquíssimo acesso ao mundo exterior e a o que acontecia. O próprio Mujica reclamava não ver uma mulher ou ler um livro há anos.

Outro detalhe deve ser mencionado aqui: a participação especial de César Troncoso, astro do cinema uruguaio, como o militar que mantém os protagonistas na prisão. Infelizmente, sua participação foi muito pouca, atuando mais como um coadjuvante de luxo, sempre nos lembrando de seu talento nas poucas vezes em que aparecia.

Assim, “Uma Noite Em Doze Anos” é mais um filme importantíssimo para os tempos nebulosos em que vivemos, devendo ser muito divulgado e, principalmente, visto. Ao se analisar a rotina de três presos políticos, o espectador se vê na situação claustrofóbica de ficar isolado do mundo e ser sujeito seguidamente a humilhações e violações de seus direitos humanos. Ou seja, o filme realmente te coloca na situação para você experimentá-la. Daí a sua força e seu poder de denúncia, fazendo o cinema cumprir sua função social. Um programa imperdível que traz um convite à reflexão.