Categoria: Cinema Alternatvo

Uma co-produção Japão/Uzbequistão/Qatar dirigida por Kiyoshi Kurosawa. “O Fim da Viagem, O Começo de Tudo” é um filme, no mínimo sufocante. Uma história de dar dó. E uma história que espelha bem a situação de choque cultural. Vamos lançar mão de spoilers aqui.

O plot é muito simples. Uma equipe da tv japonesa está no Uzbequistão e faz uma série de reportagens sobre o país. Quem protagoniza tudo isso é a jornalista Yoko (interpretada por Atsuko Maeda), uma moça pequenininha e tão frágil que parece que vai quebrar na menor brisa. Mas ela é muito profissional e cai no seu trabalho de cabeça. A moça produz, junto com a equipe, vários temas exóticos: tentar pescar um peixe de dois metros, experimentar a exótica culinária local com direito a arroz cru, andar num violento brinquedo de um parque de diversões, se aventurar pelo bazar local e se perder numa estranha cidade, e por aí vai. O choque cultural é muito forte, pois a população local sempre toma atitudes muito duras e inflexíveis com relação a tudo. Se, na frente da câmara, Yoko tem que mostrar muita alegria e energia, por trás ela desaba, pois está longe do namorado, tem um cotidiano muito penoso na viagem e sente que se distancia de seu verdadeiro sonho que é se dedicar à carreira de cantora. E assim, nossa Yoko leva as suas tarefas com muita coragem e profissionalismo, mesmo que isso corresponda a, praticamente, uma espécie de autoimolação.

Se o diretor Kiyoshi Kurosawa queria que a gente se compadecesse e sentisse pena da pequena Yoko, ele conseguiu. A rotina massacrante que a pequena jornalista enfrentava era praticamente uma tortura para ela. E logo a gente se solidariza e estabelece um elo com a personagem. Definitivamente, o momento mais agônico do filme está no violento brinquedo do parque de diversões onde ela é obrigada a ir três vezes consecutivas, mesmo sob os alertas do dono do brinquedo, que achava que a repórter tinha uma estatura de criança e que não poderia sobreviver ao forte impacto no corpo que o brinquedo provocava. Os gritos de Yoko chegavam a dar desespero. Foi uma coisa um tanto bizarra e até meio doentia ver tudo aquilo. Ponto para a atriz Atsuko Maeda, que, podemos dizer com convicção, é a estrela central onde toda a história do filme orbita.

As situações de choque cultural também eram bem marcantes. O povo uzbeque, com sua língua e seus hábitos muito diferentes, chegavam a aterrorizar Yoko, que, volta e meia, saía correndo pela cidade e tinha o incrível talento de se enfiar nos lugares mais ermos e escuros. É sintomática a situação em que ela, tomando imagens da cidade, é cercada por guardas que falam um idioma totalmente estranho e querem lhe tomar a câmara. Nesse momento, seu profissionalismo fala mais alto e ela foge, sendo perseguida e presa pela polícia. Não fosse a ajuda do intérprete, ela não teria como sair sozinha daquela situação, até por estar totalmente amedrontada. Como se tudo isso ainda não bastasse, ela ainda soube de um incêndio numa refinaria em Tóquio onde seu namorado (que é bombeiro) poderia estar e ter morrido, deixando-a sozinha, pois ela não falava com sua família. É muita judiação para uma japonesinha só!!!

Mas o filme tem momentos lúdicos. Um grande momento é quando o intérprete da equipe de TV sugere que eles façam uma reportagem no teatro da capital, que foi erguido por prisioneiros japoneses da Segunda Guerra Mundial. Um teatro em que Yoko esteve e onde se imaginou cantando. Só é pena que o diretor da equipe não tenha aceitado a ideia pois não seria atraente para o público do programa. Mas o mais lúdico foi o desfecho. Vemos Yoko cantando no alto de uma montanha, com uma linda paisagem ao fundo. Apesar de ter sido muito piegas, é até compreensível, uma espécie de prêmio de consolação para a moça, que sofreu tanto no filme. Isso sem falar que Maeda é uma artista pop nipônica.

Assim, “O Fim da Viagem, O Começo de Tudo”, é uma película que, apesar da tortura, vale a pena ser vista, principalmente em função da doce personagem Yoko, martirizada toda a vida, mas com quem a gente rapidamente se simpatiza e se solidariza. Experiência agônica, mas reflexiva.

Uma co-produção França/Bélgica. “Quem Você Pensa Que Sou” aborda o universo das redes sociais e suas mentiras, aliada a questões mais ancestrais como o adultério e a forte dependência emocional. Um filme para se assistir no divã. Vamos lançar mão dos spoilers aqui.

O plot é o seguinte. Claire (interpretada por Juliette Binoche) é uma mulher de meia idade que tem um relacionamento com um homem mais novo. Numa certa altura da relação, ela desconfia que o companheiro a trai. Claire, então, vai criar um perfil falso nas redes sociais e começa uma amizade com um amigo de seu companheiro, Alex (interpretado por François Civil), com a intenção de espionar o que seu companheiro faz. Mas o detalhe é que Claire começa a se envolver com Alex, que está, na verdade, apaixonado pelo perfil falso que Claire construiu, que é uma moça muito mais nova do que ela. Logo, logo, a relação se aprofunda de uma forma que eles se encontrarão pessoalmente e o segredo terá que ser revelado. O detalhe é que, ao encobrir a sua idade, Claire mergulhará em outros problemas bem mais sérios.

Por que esse filme chama tanto a atenção? Porque ele se passa meio que no divã, onde sua terapeuta, a Dra. Catherine (interpretada soberbamente por Nicole Garcia) escuta a história de Claire, mantendo o distanciamento necessário para ajudar a sua paciente, que esconde alguns detalhes de sua vida para a terapeuta, revelando somente pouco a pouco. E aqui percebemos como a mentira e a omissão são subterfúgios ancestrais, embora geralmente atribuídos a internet, reificada como o espaço das mentiras. Mas a internet é, nada mais, nada menos do que uma ferramenta, e temos bons ou maus frutos de acordo com o uso que fazemos dela. Aqui, Claire acaba caindo na própria armadilha que construiu, ficando dependente da figura de Alex, com o mesmo acontecendo com ele. A dor da separação dos dois será inevitável, com a impressão de que ela é maior ainda, pois não houve nem a chance dos dois se conhecerem pessoalmente e a relação não sofreu nenhuma espécie de desgaste, acabando abruptamente, sendo mais traumática essa situação.

Não fossem todos esses problemas, o companheiro de Claire ainda descobriu as artimanhas dela e inventou uma história de que Alex havia se suicidado. Isso mergulhou Claire num desespero ainda maior e ela somente pôde sanar isso criando uma história entre ela e Alex onde ela morre atropelada no final. Ainda, Claire revela a Dra. Catherine que a moça que ela criou para seu perfil falso na verdade era uma moça que ela conhecia e que havia fugido com um antigo marido dela. Assim, ela usa a imagem da moça como uma espécie de vingança, uma espécie de rejuvenescimento, nem que seja no meio virtual. Mais divã impossível.

Mesmo que Claire se considere “velha” e tenha criado o perfil falso para se aparentar mais jovem, a coisa soou um tanto falsa, já que a mocinha usada no filme como o perfil falso acabou totalmente ofuscada por Binoche, que esteve muito deslumbrante nesse filme, algo realmente acima da média que estamos acostumados a ver. A dobradinha que ela faz com Nicole Garcia na relação paciente/terapeuta foi um deleite para os olhos e valeu o ingresso. As duas estavam muito belas e elegantes, além do show de interpretação.

Dessa forma, “Quem Você Pensa Que Sou” é um grande filme com uma história cativante e grandes atrizes fazendo um ótimo trabalho. Um filme que aborda uma temática muito atual como a internet, mas que, ao mesmo tempo, desmitifica a rede mundial de computadores como inventora de fakes, mostrando que a criação de mentiras e dissimulações é mais antiga do que a gente imagina. Vale a pena dar uma conferida.

Um bom filme histórico brasileiro. “Legalidade”, de Zeca Brito, evoca os tempos de turbulência da renúncia de Jânio Quadros e a resistência dos militares contra a posse do vice-presidente João Goulart, conhecido como Jango. Seu cunhado, Leonel Brizola, à época governador do Rio Grande do Sul, defende o cumprimento da constituição e encabeça a chamada Campanha da Legalidade, onde busca garantir a posse de Jango. Houve forte resistência por parte dos militares e até ameaças de bombardeio do Palácio Piratini, do Governo do Rio Grande do Sul. Mas Brizola (interpretado soberbamente pelo falecido ator Leonardo Machado) não perdeu a coragem e manteve a campanha de pé, assegurando a posse de Jango. O teor histórico do filme é ratificado por imagens de arquivo estrategicamente ordenadas pela montagem. Mas o filme também nos fala de outros lances interessantes como o encontro de Brizola com Che Guevara no Uruguai, algo cujo registro, se existe, é mais raro de se encontrar por aí.

O filme também tem um relacionamento amoroso, eivado de romantismo revolucionário, entre o antropólogo Luís Carlos (interpretado por Fernando Alves Pinto) e Cecília (interpretada por Cleo Pires, que agora só aparece nos créditos como Cleo), uma jornalista do The Washington Post. Há, ainda, um arremedo de triângulo amoroso onde entra o irmão de Luís, o repórter Tonho (interpretado por José Henrique Ligabue), mas o conflito é pouquíssimo trabalhado. O que é mais visto nesse filme é mesmo a relação entre Luís e Cecília, onde o antropólogo esquerdista que trabalha com índios se envolve com a correspondente que trabalha a serviço dos americanos. Cecília acaba mudando de lado e vai heroicamente com Luís para a guerrilha, desaparecendo da História junto com ele. Quem segue os passos de Cecília é, no ano de 2004, sua filha, Blanca (interpretada por Letícia Sabatella) que, ao final do filme (alerta de spoiler) se encontra com Brizola em sua fazenda no Uruguai para conversar sobre a mãe. Confesso que achei essa parte do filme um pouco entediante, sendo ficcional.

O que realmente é hipnotizante é toda a história em torno de Brizola e da resistência montada por este, a ponto de montar uma pequena estação de rádio nos porões do Palácio para transmitir a campanha e armar quem trabalhava na sede do governo. Nisso, o filme vale o ingresso, e muito. Me lembrei dos tempos em que o caudilho era governador do Rio de Janeiro e da forma corajosa (e, principalmente, muito engraçada) com a qual ele era implacável com seus adversários políticos. É uma figura que faz muita falta hoje, nesses tempos tão sombrios. Pelo menos esse filme, pouquíssimo divulgado por sinal, traz de volta a memória e a combatividade dessa figura pública que, se tinha seus defeitos (gostava de concentrar muito poder em torno de si), era também eivado de muitas virtudes (pensava com sinceridade nos menos favorecidos, até por sua origem humilde, e foi uma das pessoas mais corajosas que vi), combatividade essa extremamente necessária nos dias de hoje e que, com o exemplo de Brizola, mostra ser perfeitamente possível.

Dessa forma, “Legalidade” é um programa imperdível e obrigatório, não somente por sua importância como documento histórico inspirador, mas também por sua cinematografia muito bem cuidada, com bons atores (como eu lamentei saber do falecimento de Leonardo Machado!) e suas imagens de arquivo, muito bem montadas na narrativa. Assistir a esse filme chega a ser uma missão cívica.

Um impressionante documentário brasileiro. “Tsé”, dirigido por Fábio Kow, narra a trajetória da sua avó, a judia polonesa Tsecha Szpigel, que teve a sua família assassinada por nazistas em campos de concentração, e só não morreu, pois sua mãe a atirou do vagão do trem justamente quando as duas iam para um campo. Ainda bem pequena, a menina teve que vagar por uma Europa em guerra e escondida dos nazistas. Com a guerra terminada, ela não quer mais saber da Europa e migra para o Brasil em 1949 com o seu namorado, estabelecendo raízes e toda uma família por aqui. Vamos lançar mão de alguns spoilers para compreender melhor o documentário.

E é justamente essa família, juntamente com Tsé (o carinhoso apelido de Tsecha) a grande protagonista do filme. Vemos aqui toda uma série de depoimentos de muitos e muitos parentes, indo dos filhos, passando pelos netos e chegando até os bisnetos, tudo muito bem amarrado por Fábio Kow, que tem uma extensa memória visual de câmara VHS que ele começou a coletar quando ainda era criança, trazendo à vida muitos parentes e personagens (por que não históricos?) para os olhos do espectador em sala, num ritual que mais pareceu uma espécie de materialização de pessoas já falecidas e outras não.

O filme acaba sendo um curioso documento, não somente da história de Tsé, que é muito sofrida, mas também muito rica, assim como um documento da própria família e de como os seus entes se relacionam. Um exemplo disso é que, pouco antes de falecer, alguns parentes estavam em litígio e isso parece ter afetado muito a Tsé, que morreria logo em seguida, o que levou a uma reconciliação. A anciã e matriarca da família teria dito antes de morrer algo do tipo: “todos brigam, todos são idiotas”, numa alusão a sua própria família, mas talvez também a toda a humanidade, já que ela havia sofrido demais desolada e sozinha durante a guerra, em plena infância. Assim, apesar dos depoimentos dos familiares passarem a impressão de que tudo ia bem naquela família, as entrelinhas espelhavam conflitos, que são normais em toda e qualquer família, mas que, obviamente, não foram destrinchados, já que o documentário tinha o objetivo de traçar a trajetória de Tsé e homenageá-la.

Dessa forma, “Tsé” vale a pena ser visto, pois podemos testemunhar a trajetória de uma sobrevivente do holocausto ainda viva, uma história contada pela própria, e, ainda por cima, podemos ver também um documentário sobre a família que essa sobrevivente construiu por aqui. Vale pela curiosidade e pelo testemunho extremamente rico de Tsé.

Uma co-produção França/Bélgica um tanto engraçada, um tanto lúdica. “Branca Como Neve” brinca com o conto de fadas tradicional, dando-lhe uma roupagem moderna e substituindo os sete anões por sete “príncipes”. Além disso, conta com a presença da diva Isabelle Huppert, no papel de madrasta. Para podermos falar do filme, vamos lançar mão de spoilers aqui.

Nesse conto de fadas moderno, Claire (interpretada pela belíssima Lou de Laâge) faz as vezes de Branca de Neve. Ela trabalha no hotel do falecido pai sob os cuidados da madrasta Maud (interpretada por Huppert). Tudo vai bem com as duas até o momento em que Maud descobre que seu namorado está perdidamente apaixonado por Claire. Assim, Maud ordena o sequestro e assassinato de Claire. A moça é enfiada no porta malas de um carro e enviada a um local muito ermo, mas a sequestradora bate com o carro e Claire foge, sendo rendida pela sequestradora novamente. Quando Claire vai ser assassinada, ela é salva por um homem, que mata a algoz, e Claire é levada para a casa dele. Esse será o primeiro dos sete “príncipes” que irão entrar na vida de Claire, que vai manter relações com todos eles, algumas sexuais, outras não, mas todas muito intensas. Ou seja, a moça, que somente sonhava e não vivia, vai passar por uma espécie de liberação e começará a viver, em suas próprias palavras, não sendo de ninguém. O detalhe é que esses sete príncipes têm personalidades e características muito diferentes, e Claire vai ter muito jogo de cintura para interagir com tamanha diversidade masculina. Entretanto, Maud descobre que a enteada está ainda viva, morando no interior, e vai até lá para acabar com a moça, com direito até a maçã envenenada.

O filme desperta sentimentos variados. A ampla fauna masculina que vemos na película tem uma variedade psicológica intrigante e, até certo ponto, muito perturbadora. Temos um gago, um hipocondríaco, um masoquista, um psicopata leve, um padre, um angustiado e um garotão. Dá para perceber como Claire teve uma ampla gama de experiências na sua iniciação a vida. O filme também tem uma forte dose de humor, podendo ser negro ou não, seja nos esquilos que observam as aventuras sexuais de Claire dentro de um carro, seja no esquilo que morre envenenado ao comer a famigerada maçã.

As atrizes foram muito bem. Lou de Laâge conseguiu tocar muito bem a sua personagem não só lançando mão de sua beleza angelical, mas também com muito talento, dando um teor de sedução enorme e irresistível à sua personagem, fazendo os homens de gato e sapato a seu belprazer. Já Isabelle Huppert mais uma vez destilou toda a sua elegância e talento, fazendo uma madrasta tomada por ciúmes da enteada,já que seu namorado se apaixona por ela. Ela consegue ser uma grande vilã, mas a sequência em que ela entorpece Claire é altamente sedutora, pois as duas dançam juntas numa espécie de transe eivado de toda uma enorme sensualidade entre dois corpos femininos que se relacionam ao som de uma tórrida música. Foi esteticamente muito bonito.

Assim, “Branca Como Neve” foi uma releitura ousada do conto de fadas com direito a muita sensualidade e humor, tudo isso amparado pela interpretação magistral de duas atrizes e uma fauna de personagens masculinos variados, usados como uma espécie de joguete por uma protagonista que se abre para a curtição da vida. Vale pela experiência.

Um filme francês provocador. “Minha Lua de Mel Polonesa”, de Elise Otzenberger, se apresenta como uma comédia mas, no fim das contas, aborda uma temática para lá de séria: a questão do esquecimento e do apagamento da memória, feito de forma muito proposital. Um filme que acaba tendo como objetivo nos colocar em estado de alerta quanto a algumas injustiças que pensamos estar enterradas há muito, mas que ainda pululam alegremente por aí. Para podermos entender melhor o filme, vamos lançar mão de spoilers.

Vamos ao plot. Anna (interpretada por Judith Chemla) e Adam (interpretado por Arthur Igual) são um casal parisiense de origem polonesa que organiza uma viagem a terra natal de seus antepassados para participar de uma celebração em nome das vítimas do holocausto. Anna tem grandes expectativas de encontrar suas raízes por lá, já que sua mãe nunca quis muito revolver o passado e isso é motivo de fortes discórdias entre as duas, com Anna tomando atitudes que beiram a histeria. Já Arthur também não dá muita ideia para o passado (o evento em que vão até tem mais ligação com sua família), mas acompanha a esposa.

Ao chegarem por lá, a decepção vai tomando conta de Anna, pois ela não consegue se satisfazer com as poucas pistas que vai encontrando sobre o passado dos judeus, além de não ter nenhuma referência sobre o próprio passado, o que entristece demais a moça. Para piorar a situação, o apelo turístico local é todo em torno da cultura judaica fazendo dobradinha com o holocausto, onde temos a inusitada situação de camelôs que vendem, ao mesmo tempo, elementos da cultura judaica juntamente com souvenirs de suásticas, algo que beira o bizarro. A situação vai ter um ponto de virada com a chegada repentina da mãe de Anna, que ajuda a filha a se encontrar com o passado da família. Entretanto, infelizmente a surpresa não será das melhores.

O filme tem violentos plot twists. No início, vemos um casal numa espécie de segunda lua de mel, onde a esposa é muito metódica e agitada, sendo engraçada e chata ao mesmo tempo. Ou seja, a personagem de Anna flerta perigosamente com a caricatura. Mas, com a chegada à Polônia e as consequentes decepções de Anna, a coisa vai mudando de figura. Para ela, não conseguir ter contato com o passado da família vai assumindo um peso doloroso e aprofunda o abismo entre ela e a mãe, que não quer desenterrar o passado. A Anna chata e caricata do início do filme dá lugar a uma Anna com a qual nos solidarizamos e compadecemos. Começamos a nos mortificar com sua tristeza que beira o paroxismo.

A chegada da mãe e a reconciliação das duas é uma grata surpresa, mas o filme nos dá outra rasteira quando as duas procuram a casa da avó de Anna e somente se deparam com um terreno baldio cheio de mato, onde será a vez da mãe de Anna se debulhar em lágrimas e ser confortada pela filha. Foi de doer testemunhar a tristeza das duas abraçadas. Agora, esses pontos de virada no filme são fundamentais para cimentar a mensagem principal: por mais que a Polônia viva do turismo do holocausto, ainda assim há um apagamento da memória da cultura judaica e de toda a tragédia ocorrida, relegando-as a um mero souvenir. Os últimos sobreviventes do holocausto estão morrendo, o cemitério judeu tem as lápides saqueadas, a Estrela de David é usada como pichação em tom ofensivo em brigas de torcida de futebol. Ou seja, não se mudou muita coisa no tratamento dos judeus do holocausto da Segunda Guerra Mundial para cá.

E Anna e sua mãe recebem a polarização de toda essa violência que a cultura judaica ainda sofre. Ao usar o recurso dos plot twists para mostrar de forma veemente esse preconceito ainda reinante, a diretora Elise Otzenberger marcou um pontaço, dando ao filme o valor do ingresso e até muito mais. Para a coisa não terminar extremamente melancólica, optou-se por um último plot twist em forma de happy end, com o casal chegando a sua casa em Paris e praticando uma tradição judaica, que foi enterrar o prepúcio do filho pequeno num vaso de flores. Se Anna queria fazer isso na Polônia, as decepções da viagem acabaram levando-a a realizar isso em Paris, cidade que a mãe e a avó escolheram para se esquecer do duro passado na terra natal.

Dessa forma, se “Minha Lua de Mel Polonesa”, num primeiro momento ao assistir o trailer, parecia uma comédia bobinha, acabou posteriormente se revelando um grande filme pelo fato dos plot twists mostrarem a questão do apagamento compulsório da memória de uma cultura que ainda sofre perseguições hoje em dia. E o mais interessante é que a dor desse apagamento se personifica nas personagens de Anna e sua mãe onde a filha, incialmente afastada da mãe por não aceitar que ela quer deixar o passado para trás, depois a entende justamente pelos males que esse passado (e o apagamento do mesmo) provocam. Programa imperdível.

Todos nós sabemos que Rodrigo Santoro se aventurou a fazer uma carreira internacional no cinema. Muitos méritos para ele, pois isso não é para qualquer um, já que é difícil levar a cabo tal tarefa sem cair na armadilha dos estereótipos. E podemos dizer que Santoro conseguiu se sair relativamente bem nesse quesito. Talvez o papel mais lembrado de sua carreira internacional tenha sido o Xerxes de “300”. Pelo menos, até o momento em que Santoro emplacou “O Tradutor”, um verdadeiro filmaço, escolhido para ser o representante de Cuba na luta pelos finalistas ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

O plot é o seguinte. Malin (interpretado por Santoro) é um professor cubano de literatura russa na época da visita de Gorbachov à ilha. Um belo dia, seu curso é suspenso na faculdade em que trabalha e Malin é direcionado para um hospital repleto de crianças russas, vítimas da radiação da usina nuclear de Chernobyl. Ele terá a missão de ser intérprete entre os pacientes e seus pais e os médicos cubanos. A princípio, Malin repudia com veemência tal tarefa, já que tem aversão a hospitais, doenças e sofrimento, mas é repreendido pela enfermeira argentina Gladys (interpretada pela versátil atriz Maricel Álvarez). Malin trabalha durante a noite e só vai para casa pela manhã, para desespero de sua esposa Isona (interpretada por Yoandra Suárez), que está grávida e já tem um filho pequeno para cuidar. A ausência de Malin na família implode a relação, mas o professor mergulha de cabeça em seu trabalho, contando histórias infantis para as crianças e estimulando-as a desenhar e falar de si próprias em textos. O grande problema é que o fim da União Soviética mergulha Cuba numa crise e as coisas ficam ainda mais difíceis para Malin e todos.

Podemos dizer que esse é um filme que foi um verdadeiro presente para Rodrigo Santoro, pois ele foi, disparado, o melhor filme de sua carreira internacional. Essa é uma história real dirigida pelos filhos do próprio professor (Rodrigo e Sebastián Barriuso) e Santoro teve a oportunidade de fazer um personagem relativamente complexo, pois tinha uma vida confortável, com sucesso pessoal e profissional e, de uma hora para outra, sua vida vira de cabeça para baixo, com nosso protagonista tendo que lidar com emoções altamente conflituosas, odiando inicialmente seu trabalho mas depois caindo de cabeça nele, a ponto de perder sua família. Ou seja, é uma película onde podemos ver muito sofrimento, seja na óbvia situação das crianças russas, seja na família de Malin. Mas o filme teve também um quê muito lúdico nas atividades que Malin fazia com as crianças, conquistando-as. Foi muito cativante essa parte e conquistou definitivamente o espectador.

Santoro convenceu bem, com uma interpretação contida, para momentos tão extremos e chamou a atenção do público para toda uma elite intelectual cubana, algo que não estamos muito acostumados a ver nas produções cubanas (temos aqui uma co-produção Cuba-Canadá). No contexto político, houve uma crítica leve ao regime mas a culpa pela crise ficou mais atrelada a uma derrocada do socialismo. Ou seja, fica bem claro na película que, enquanto a União Soviética mantinha relações com Cuba, trocando petróleo por açúcar, os dias de socialismo na ilha eram bem prósperos. E a crise do socialismo e da União Soviética mostrou a dura realidade do embargo econômico da lei Helms-Burton. Ou seja, uma forma ligeiramente diferente de se ver a crise econômica em Cuba tal como a mídia capitalista ocidental veicula.

Dessa forma, “O Tradutor” é um filme obrigatório, pois aborda uma linda história real e consagra a carreira de nosso Rodrigo Santoro no exterior. Um verdadeiro presente para o ator e para nós, espectadores. Vale muito a pena dar uma conferida.