Categoria: Cinema Alternatvo

Uma película muito curiosa. “Fourteen” é um filme de amigas de infância, que nunca perderam contato uma com a outra, apesar das mudanças que a vida nos traz. Vemos aqui uma relação de dependência em virtude da fragilidade emocional de uma delas. Fragilidade de uma que esgota física e emocionalmente a outra. Mas, ainda assim, uma relação que não deixa de ser terna. Para podermos entender um pouco mais essa película, vamos precisar de spoilers aqui.

Em primeiro lugar, vamos apresentar essas amigas de longa data. Temos Mara (interpretada por Tallie Medel) e Jo (interpretada por Norma Kuhling). Jo é mais instável emocionalmente e sempre precisa da ajuda de Mara, o que a esgota, mas Mara está sempre lá, ajudando pacientemente Jo em suas crises. O problema é que a vida nem sempre toma os rumos que podem deixar essa amizade permanentemente estável e próxima. Assim, volta e meia as amigas se afastam para se reencontrarem anos depois.

Infelizmente, Jo não terá estrutura suficiente para encarar a vida e ela acaba sucumbindo. Mara conseguiu manter a compostura enquanto pôde, mas desabou no funeral quando sua filhinha percebeu que Jo era a personagem da história de dormir que a mãe contava para ela, quando a amiga a defendeu do bullying de outras garotas da escola ao momento em que as duas eram pequenas. Mesmo não podendo cuidar de Jo o tempo todo e até se dedicando demais à amiga, Mara cai em prantos por não ter conseguido salvá-la das agruras da vida. A película termina com Mara e sua filha indo embora do funeral, voltando para o cotidiano.

O filme, que tem um ritmo bem lento em boa parte de sua exibição, nos desperta dois sentimentos. Em primeiro lugar, o fim melancólico de Jo e o choro de arrependimento de Mara nos dá um baita de um aperto no coração. Dá dó mesmo, daqueles de sensação de impotência quando você não consegue ver um ente querido vencer a depressão e sucumbir. Mas, por outro lado, há o cruel choque de realidade. Por mais que você queira ajudar alguém que você gosta, tem uma hora em que não se consegue fazer isso mais, até porque você tem a sua própria vida para conduzir e tocar. Mesmo assim, fica aquele sentimento de culpa do “você poderia ter feito mais alguma coisa para evitar que se chegasse àquela situação extrema de morte”. Ou seja, buscamos um consolo para as supostas falhas que habitam nossa cabeça, mas não conseguimos nos desvencilhar do sentimento de culpa. Assim, se “Fourteen” consegue ser moroso em boa parte de sua exibição, o final consegue ser muito perturbador, mexendo muito com o espectador. Vale a pena passar pela experiência.

Um filme húngaro muito perturbador. “Entardecer”, de László Nemes (o mesmo diretor de “O Filho de Saul”) fala de aristocracia e de redenção. Tudo isso mergulhado num turbilhão extremamente agônico. É um filme muito pesado onde se descobrir em qual lado da sociedade ficar pode ser aprendido da pior forma possível. Vamos lançar mão de spoilers aqui.

Temos a trajetória de Írisz Leiter (interpretada por Juli Jakab), uma moça que chega a Budapeste para ser chapeleira numa grande loja que tem o nome de sua família. Ela é recebida com desconfiança por todos, mas com o tempo, recebe o seu lugar ao Sol. A história da família de Írisz é repleta de mistério. Ela só tinha dois anos quando os pais morreram num incêndio. Com o tempo, Írisz descobre coisas altamente sinistras em seu novo ambiente: que a loja prepara as chapeleiras para serem escravas sexuais da alta aristocracia, que ela tem um irmão que assassinou o marido de uma condessa e que pretende organizar uma violenta revolta contra a cidade em virtude do episódio das chapeleiras. E Írisz fica em meio a todo esse turbilhão sem saber muito de que lado vai estar. Só que, uma hora, ela precisa tomar uma decisão.

É um filme de difícil compreensão em virtude da forma como ele foi concebido. Na maioria das vezes temos planos sequências com a câmara praticamente grudada na personagem protagonista, andando por ruas movimentadas, por revoltas populares, por pessoas mal encaradas e violentas tratando com extrema repulsa a nossa personagem principal. E, para piorar, geralmente esses planos sequência são à noite, o que aumenta o clima de confusão, opressão e agonia. Montado dessa forma, conseguimos perceber como o filme deve ter sido de difícil execução e cinematograficamente ele foi impecável. Entretanto, o clima altamente sufocante que o diretor conseguiu passar com muita maestria complicou demais a compreensão, e isso exigiu demais a atenção do espectador. Algumas pessoas saíram da sala reclamando um pouco da dificuldade que tiveram de acompanhar o filme. Apesar de tudo isso, é interessante perceber a guinada violenta na personagem Írisz.

Ela chega a uma promissora Budapeste pensando em começar por baixo e se afirmar naquela sociedade usando como lastro o nome da família da qual ela fazia parte e que mal conhecia. Família essa que era uma espécie de tabu para os que viviam em Budapeste. Pouco a pouco, o mistério se desvela e a maldição que se abate sobre a família Leiter se materializa na figura do irmão de Írisz. Mesmo com toda a revelação do caráter podre daquelas pessoas que tornavam chapeleiras escravas sexuais, Írisz não tomou uma decisão definitiva do lado em que ia ficar, até que ela mesma foi oferecida como escrava sexual. Aí ela se torna uma espectadora do massacre imposto a cidade pelos partidários de seu irmão e a película termina de forma surpreendente com a moça dentro de uma trincheira da Primeira Guerra Mundial como soldado, sacramentando a sua mudança de lado: de uma herdeira da aristocracia que busca o seu lugar ao Sol e aceitação nesse meio a uma defensora da justiça contra as agruras dessa alta sociedade.  

Dessa forma, “Entardecer” vale muito pela curiosidade, apesar de ser um filme difícil e um desafio para o espectador. Cinematograficamente, é uma película muito bem feita, com uma filmagem elaboradíssima, o que acaba dificultando a compreensão. Mas, mesmo assim, mostra a redenção de uma personagem que abandona o desejo de pertencer a uma aristocracia para buscar ideais de justiça. Vale a pena passar pela experiência.

Mais um filme francês egresso do Festival Varilux. “Meu Bebê” é protagonizado por Sandrine Kiberlain e é mais uma historinha de mãe coruja que não consegue se desapegar dos filhos. Para tornar o panorama um pouco mais árido, há poucos conflitos entre os filhos, algo que poderia ser mais explorado, apesar do clichê monumental. Vamos precisar de spoilers aqui para poder falar do filme.

A tensão principal do filme gira em torno da viagem que a filha caçula de 18 anos fará para o Canadá para estudar, deixando a mamãe coruja completamente só em casa, pois seus outros dois filhos já saíram de casa. Kiberlain está excepcional em seu trabalho de interpretação, uma das poucas coisas que se salvam aqui, já que o filme é clichê demais. Um exemplo da maestria de Kiberlain é que tal papel de mãe que não se desapega dos filhos tende muito para o alívio cômico, como também aconteceu aqui, mas Kiberlain conseguiu ir além, emocionando ao cair em prantos por ter perdido o celular. É que ela filmava a filha o tempo todo para ter uma lembrança da pimpolha depois que a moça fosse para o Canadá e cai em desespero ao perceber que havia perdido todas as lembranças. Os três filhos irão fazer uma verdadeira operação de guerra para rastrear o celular e entregar para a mãe, mas depois que ela percebe que toda a família está junta de novo, a mamãe desiste do aparelho e das lembranças e prefere curtir aquele momento, mesmo que efêmero. Pode-se dizer que esse foi o melhor (e mais fofo) momento do filme.

Outro detalhe que depõe a favor da película é o uso bem furtivo de flashbacks, onde podemos ver a personagem de Kiberlain se lembrando de seus filhos quando eles eram criancinhas ainda, e, num retorno bem rápido aos dias atuais, estão lá os filhos na fase adulta novamente. Esses flashbacks rápidos ajudam a passar a visão da mãe coruja para o público de que seus filhos sempre serão, para ela, aquelas criancinhas pequenas. E enchem de ternura todo o contexto, mesmo sendo uma coisa muito clichê, devemos sempre repetir aqui.

Dessa forma, “Meu Bebê” é um pouco mais do mesmo, um filme que não traz muitas coisas novas mas que, pelo menos, brincou um pouco com a fofura das mães corujas, seja no flashback dos filhos enquanto criancinhas, seja na comovente sequência da mãe que perde as lembranças da filha e une novamente a família em torno disso. Filme com cara de Sessão da Tarde, para distrair a cabeça.

Omar Sy está de volta. “Jornada da Vida” é um filme que fala de retorno às origens. Uma película que nos lembra a importância de tradições há muito abandonadas. Um filme que faz a gente olhar para dentro de si próprio e procurar por nosso verdadeiro eu esquecido. Vamos lançar mão dos spoilers aqui.

Vamos aqui a história de dois personagens. Saudou Tall (interpretado por Sy) é um ator de origem senegalesa que vive na França e é um verdadeiro pop star. Ele retorna à sua terra natal para promover um livro e seus trabalhos artísticos, provocando muita atenção em seus conterrâneos locais. Yao (interpretado por Lionel Louis Basse) é um menininho de uma aldeia situada a 387 quilômetros de onde está Tall e faz uma viagem arriscada para encontrar seu ídolo por um autógrafo. Comovido com o esforço do garoto, Tall decide levá-lo para casa, a despeito de sua agenda apertada de celebridade. Será aí que o consagrado ator retomará contato com sua terra natal e seus antigos hábitos há muito esquecidos.

Esse é mais um daqueles filmes onde há o debate entre a tradição e a modernidade, sendo que, desta vez, a primeira é glorificada em detrimento da segunda. Tall é um homem totalmente europeizado, a ponto de ser, inclusive, chamado de “branco” por um affair muito efêmero (interpretado pela bela Fatoumata Diawara). Isso, obviamente, provoca alguns choques culturais como, por exemplo, diferenças na noção do tempo. Enquanto Tall já é um típico escravo do relógio, como todo homem sob o capitalismo contemporâneo o é, as pessoas das aldeias pelas quais passava ainda estavam numa fase anterior ao capitalismo, bem tradicional, onde a passagem do tempo se dá muito mais lentamente, de acordo com a natureza e as práticas culturais locais. Assim, enquanto que Tall estava preocupado em levar Yao logo para a sua aldeia natal, pois tinha um voo na noite do dia seguinte, os locais queriam que a personalidade famosa permanecesse na aldeia, pois tinham feito um baita de um almoço para ele. Como Tall saiu sem comer com a comunidade, isso foi visto como uma grande indelicadeza e o ator foi repreendido inclusive pelo próprio Yao. Entretanto, com o tempo, Tall se adapta à cultura local, pois desenvolve um forte sentimento paternal para com Yao, até porque ele não consegue se aproximar de seu verdadeiro filho na França, já que se encontra em litígio com a esposa.

Yao, ao saber da situação, escreve de próprio punho uma espécie de livro que conta a sua viagem com Tall pelo interior do Senegal e pede ao artista que presenteie o seu filho com o livro. Logo, a viagem acaba sendo uma descoberta para os dois. Yao tem a oportunidade de ver uma versão mais humana de seu ídolo, que tem as suas virtudes e seus defeitos, enquanto que Tall faz uma viagem que é uma verdadeira redescoberta de suas antigas tradições há muito esquecidas, a ponto de nem entender mais algumas línguas locais, algo que Yao fazia com muita desenvoltura, mesmo não sendo sua língua nativa. Ou seja, Tall era um estranho dentro de seu próprio país e a viagem com Yao se torna um resgate de sua identidade cultural ancestral.

E os atores? Sempre é bom ver Omar Sy no cinema. Sua personalidade é altamente magnética. As mulheres se derretem por ele o tempo todo. Também não é para menos. Sy sempre conquista a todos e com certeza está no rol de atores que o cinéfilo vai ao cinema somente para vê-los. “Jornada da Vida” é um “filme do Omar Sy” e vamos ao cinema por esse rótulo. Mas os outros atores estiveram a altura do astro. Lionel  Louis Basse foi de uma enorme espontaneidade e foi um grande par com Sy. Fatoumata Diawara teve menos tempo de tela que merecia, mas se integrou à dupla de jeito tão confortável que a gente sente muito a sua ausência quando ela sai do filme. Ou seja, tivemos excelentes atuações nessa película.

Assim, “Jornada da Vida” é mais um programa obrigatório. Mais um filmaço estrelado por Omar Sy, que também está por trás da produção (um cheiro autobiográfico no ar). Um filme que glorifica e romantiza a tradição, no melhor sentido do termo. Um filme onde o coração fala mais alto. Imperdível.

Mais um filme francês egresso do Festival Varilux. “O Mistério De Henri Pick” é um filme sobre escritores e escritores fantasmas (os populares “ghostwriters”). Temos aqui uma comédia levinha com toques de filme onde a investigação dita o ritmo. Para podermos entender um pouco mais essa película, vamos lançar mão dos spoilers aqui.

Vemos aqui a história de Jean Michel Rouche (interpretado por Fabrice Luchini), um especialista em literatura que tem um programa televisivo de debates sobre obras literárias. Um belo dia, chega a seu programa uma viúva cujo marido falecido se tornou uma personalidade nacional depois que um manuscrito cuja autoria atribuída a ele se tornou um best-seller. Mas Rouche não engole a história e insinua que o autor do livro, um antigo pizzaiolo, pode ter cometido alguma fraude ou há algum golpe editorial no ar, o que deixa a viúva indignada, abandonando o programa. A indelicadeza de Rouche provoca a sua demissão e a separação com a sua esposa. Rouche, então, vai começar uma investigação para desmascarar o suposto autor do livro, o finado pizzaiolo Henri Pick.

Esse é um filme que necessita da atenção do espectador, pois toda a investigação empreendida por Rouche é cheia de meandros onde não se pode perder o fio da meada. Pelo menos, parece que os roteiristas perceberam a complexidade da coisa e deram um desfecho para o mistério relativamente destacado de toda a trama da investigação, onde esse plot twist acaba ajudando um pouco o espectador que se perdeu com algum detalhe da investigação ao longo da exibição.

O filme também pode ser considerado uma comédia, onde se faz brincadeiras com algumas referências literárias mas também há piadas de mais fácil compreensão. A diversão da parte de humor funciona bem e ajuda o espectador a ficar mais ligado no filme e na trama complexa da investigação.

No elenco, além da boa presença de Fabrice Luchini, que rouba completamente a cena, temos uma rápida e muito especial participação de Hanna Schygulla, que ainda atrai demais por sua forte personalidade magnética.

Dessa forma, “O Mistério De Henri Pick” é um interessante entretenimento, pois fala do universo dos ghostwriters de uma certa forma, onde a história tem uma balada de filmes de investigação, com uma comédia levinha para dar um gostinho especial à trama. Não é um dos melhores filmes que foram exibidos pelo Festival Varilux, mas vale pela distração e diversão.

https://www.youtube.com/watch?v=rY1GYD_gKns

Um filme curioso. “Em Trânsito” é uma película que mais uma vez aborda o tema da Segunda Guerra Mundial e do autoritarismo nazista. Entretanto, tal temática é mais usada como uma espécie de pano de fundo para um drama pessoal onde um jogo de gato e rato dita as regras. Para que possamos compreender isso, vamos lançar mão dos spoilers.

O filme fala da trajetória de Georg (interpretado por Franz Rogowski), um rapaz que vive na França ocupada pelos nazistas e que recebe uma missão de um amigo: entregar duas cartas a um escritor procurado pelos alemães. Quando ele tenta achar o escritor, ele descobre que este está morto e decide assumir a sua identidade, pois descobre que o falecido tinha acesso a documentos que poderiam tirá-lo da França. Isso vai fazer com que o rapaz se envolva com várias pessoas do círculo do escritor, inclusive sua apaixonada esposa. Ao se envolver com elas, ele precisa pisar em ovos para esconder a sua identidade verdadeira e, ao mesmo tempo, empreender sua fuga para fora da França.

A primeira coisa que chama a atenção na película é que não há qualquer preocupação com reconstituições de época. A gente chega a se perguntar se está mesmo vendo um filme histórico. Todo o contexto do roteiro fala da França ocupada mas o que vemos são ruas de hoje em dia, com carros contemporâneos passando pela rua e com os nazistas sendo retratados por policiais franceses de hoje em dia, com direito a vans policiais e tudo. Ao não se ter qualquer preocupação com a reconstituição de época fica a pergunta: será que houve uma intenção velada do roteirista e do diretor de fazer alguma correspondência do autoritarismo nazista com o autoritarismo reinante nos dias de hoje? O medo dos atentados terroristas, sobretudo na França, pode estar provocando um recrudescimento de atitudes mais totalitárias hoje em dia. E ver a polícia francesa atual fazendo o papel de nazistas acaba sendo um tanto perturbador, como se a opressão de estado fosse uma só, independente de ideologias. Entretanto, a reflexão de temas de ordem mais política e social param por aí, pois a história acaba se voltando mais para um drama pessoal do protagonista e a forma humana (ou não) com a qual ele se relaciona com os demais personagens. É verdade que o contexto da guerra dita essas relações, pois todos os personagens pensam em si próprios, uns mais e outros menos na hora de arrumar uma possibilidade para fugir do autoritarismo nazista. De qualquer forma, esse jogo de gato e rato na busca pela fuga não se faz sem um conflito de consciência nos personagens.

O filme escolheu por não realizar um happy end, o que foi muito bom, pois soaria por demais falso em tal contexto. O mais irônico veio ao final. A música dos créditos finais foi “Road to Nowhere”, do Talking Heads, cuja tradução seria algo como “Estrada Para Lugar Nenhum”, o que se encaixa como uma luva na história do filme, pois todas as tentativas de fuga da França ocupada pelos nazistas se mostraram fracassadas.

Assim, “Em Trânsito” é mais um curioso filme sobre a Segunda Guerra que mais trabalha o drama pessoal dos personagens assolados pela ocupação nazista e que tomam atitudes, digamos, questionáveis. A falta de êxito de todos talvez soe como um castigo por seus comportamentos inadequados. Ou talvez soe como uma tremenda falta de sorte. Isso depende muito da interpretação do espectador. Vale a pena dar uma conferida, apesar do ritmo lento.

Uma interessante co-produção Paraguai/Alemanha/Uruguai/Brasil/Noruega/França (ufa!). “As Herdeiras” de Marcelo Martinessi, é um filme de descoberta pessoal. Uma película que mostra de forma contundente que nunca é tarde para se recomeçar e se redefinir. Um filme até certo ponto surpreendente, pois o novo sai de onde justamente vemos o mais carcomido e desesperançoso. Falemos um pouco aqui dessa película, sempre lembrando que precisaremos lançar mão dos spoilers para se fazer uma análise.

Estamos no Paraguai e vemos a trajetória de duas irmãs, Chela (interpretada por Ana Brun) e Chiquita (interpretada por Margarita Irun). As duas vivem juntas há muitos anos e eram de uma família muito rica. Entretanto, na velhice, as coisas pioraram e elas precisam vender os bens da família para poderem sobreviver, o que já as coloca numa posição até certo ponto humilhante de ver pessoas estranhas adentrarem sua casa e revirarem seus objetos pessoais, fazendo pechinchas. Quanto às duas irmãs, Chiquita é mais “descolada” e ainda voltada para a vida, sempre querendo dar suas saidinhas e noitadas, onde canta num karaokê com outras senhoras, antigas amigas. Já Chela é extremamente reservada e precisa tomar todos os seus medicamentos controlados religiosamente, ou seja, envelheceu muito mais rápido que a irmã. O problema é que Chiquita tem algumas dívidas com instituições financeiras que a levaram a passar uma temporada na cadeia, o que desestabilizou a zona de conforto de Chela. A senhora totalmente dependente da irmã que agora está na cadeia vai ter que sair de seu casulo e colocar em marcha uma estratégia para se manter. Ela opta, então, por virar uma espécie de taxista para suas amigas da terceira idade e, além de ganhar uma grana, faz novas amizades, algumas um tanto inusitadas, de até insinuações homossexuais, o que apimenta um pouco a vida da assustada anciã. Mas, acima de tudo, Chela experimenta a liberdade e renasce para a vida, dando novos horizontes e perspectivas a uma pessoa que praticamente só esperava a morte dentro de casa. O grande problema será quando Chiquita sair da prisão. Será que Chela vai aceitar a voltar a sua vidinha de antes ou ela buscará uma ruptura total? Paremos com os spoilers por aqui.

É um filme de ritmo muito lento. Também pudera. A grande maioria das personagens do filme é de senhoras que se encontram em seus eventos sociais. Confesso que dá até uma certa sonolência. Mas, se o leitor tiver paciência, é muito legal conferir essa trajetória de Chela, onde ela se redescobre. É uma trajetória que não deixa de ter seus percalços, mais ainda sim uma trajetória que vale a pena ser vivida, pois ela passa a ter uma série de surpresas em sua vida, indo desde as histórias de vida de algumas presidiárias, passando pela experiência única de conviver com Pituca (interpretada de forma magnífica por Maria Martins), uma senhora de hábitos burgueses que tem um faro muito aguçado para analisar a vida dos outros de uma forma, digamos, muito elegante, chegando até a descoberta de uma nova amizade que poderia ter sido algo muito mais interessante, não fosse a travada que Chela deu nesse quesito.

Com relação às atrizes, podemos dizer que temos senhoras paraguaias muito carismáticas aqui. Margarita Irun, por fazer Chiquita, a personagem que passa um tempo na cadeia, teve a sua atuação um pouco prejudicada por ter menos tempo de tela, mas ela tinha grande presença quando aparecia, sendo a mulher forte, que enfrenta uma prisão, leva a detenção numa boa e ainda conforta a frágil irmã. Já Ana Brun, que interpreta a nossa protagonista Chela, teve todos os holofotes para fazer sua transição de uma personagem mais resguardada para a mulher que se abre para o mundo, mesmo que relutantemente em alguns momentos. É uma personagem que abraçamos e pela qual torcemos em vista de sua fragilidade sedutora. Agora, a grande surpresa é Maria Martins, a Pituca. Mesmo com o apelido carinhoso que deve ter ganho ainda na infância, a personagem prima por ser uma senhora extremamente fofoqueira, mas ela o faz de uma forma tão elegante e classuda que ganha o espectador num piscar de olhos. Seu pouquíssimo tempo de tela, em comparação com as duas irmãs protagonistas principais vale enormemente cada segundo em virtude do grande talento dessa atriz. Ela consegue realmente ser muito engraçada em toda a sua soberba e tom solene.

Dessa forma, “As Herdeiras” pode até ter um ritmo muito lento, até por ser ambientada em círculos de terceira idade, mas ainda assim é um filme que chama muito a atenção não somente pela eficácia de suas atrizes, mas por essa jornada de redescoberta pessoal de Chela, ratificando aquela máxima de que “nunca é tarde para recomeçar” e que nos enche de esperança. Vale a pena passar um tempo com essas senhoras para a gente pensar na vida.

Imagine um filme onde você tem o privilégio de ver Daniel Auteuil, Gérard Depardieu, Sandrine Kiberlain e Adriana Ugarte contracenando juntos. Pois é. Esse filme existe e se chama “A Outra Mulher”, realizado pelo próprio Daniel Auteuil. É uma comédia levinha e engraçadinha, mas que nos dá a oportunidade de ver grandes nome do cinema francês contracenando juntos, sendo essa a maior atração.

A história é bem simples. Dois amigos, Daniel (interpretado por Auteuil) e Patrick (interpretado por Depardieu) se encontram na rua. Como eles não se veem há semanas, decidem jantar na casa de Daniel. O problema é que Patrick se separou e a ex-esposa dele é a melhor amiga da esposa de Daniel, Isabelle (interpretada por Kiberlain), que ainda não engoliu bem a história. Para piorar, Patrick levará sua nova namorada, a deslumbrante Emma (interpretada por Ugarte), que faz Daniel pirar na batatinha e ter vários devaneios, um atrás do outro. E aí, o terreno está formado para uma situação de saias justas (além da saia que Emma usa) e situações constrangedoras.

O grande barato da história está justamente nos devaneios de Daniel, onde o real faz um joguete com o onírico. Inicialmente, conseguimos perceber onde está a situação real e onde está a imaginação fértil de Daniel no filme, pois a troca do real com devaneio se faz em tiros bem curtos de sequências. Mas, com o tempo, esses devaneios se tornam maiores e a gente começa a se perder. Até que chega o ponto em que não sabemos mais o que é realidade e o que é devaneio, com a narrativa puxando repentinamente o tapete sobre nossos pés e nos derrubando com surpresas. Tal recurso não é muito inédito (já vimos isso em “A Bela da Tarde”, de Buñuel, por exemplo), mas faz tempo que tal coisa não aparece para nós, pelo menos de forma tão elaborada e orquestrada, o que é algo sempre bem vindo, sem falar que os devaneios de Daniel eram muito imaginativos e férteis.

Quanto aos atores, nem se precisa falar muito. Auteuil bem como sempre, Depardieu já estava deixando saudades, Kiberlain foi muito eficiente em alternar a esposa histérica da mente do marido e a mulher racional e compreensiva da vida real. Já Adriana Ugarte, chamava atenção muito por sua beleza arrebatadora, mas também foi muito bem nos momentos mais dramáticos com Auteuil.

Assim, “A Outra Mulher” é um filme que merece atenção dos cinéfilos, pois nos dá a oportunidade de ver grandes nomes do cinema francês contracenando juntos e traz uma história onde o que mais chama a atenção é o joguete entre o real e o onírico, mesmo que o tema principal seja uma comédia romântica um tanto simplezinha. Vale a pena dar uma conferida.