Categoria: cinema blockbuster

Toda vez que estreia um filme baseado em livros destinados ao público adolescente e que aborda a questão do bullying e do respeito à diferença, a tendência de muitas pessoas é a de torcer o nariz logo de cara. Filme chato, que cai na mesmice de outros filmes, etc., etc. O livro “Extraordinário”, de R. J. Palacio, já roda por aí nas livrarias há muito tempo. Eu sempre tive a curiosidade de comprar e ler, e oportunidades não faltaram, pois o livro foi até colocado em promoção. Mas eu sempre titubeava ao colocar a mão no bolso para comprá-lo, pois logo vinha à minha cabeça a pergunta: “E se sair um filme dele?”. Bom, o filme saiu e o livro ficou mais caro, obviamente. Pelo menos eu pude ter a oportunidade de ir ao cinema assisti-lo.

A película começa com o tal menininho, Auggie (interpretado por Jacob Tremblay) fazendo uma narração em primeira pessoa de seu parto, onde todas as suas deformações já o colocaram longe dos pais. O menino sofreu várias cirurgias para poder ver, ouvir, falar e ficar com uma aparência, digamos, menos deformada. Ele passou a infância dentro de casa, tendo aulas particulares e ficando totalmente isolado do mundo. Auggie adora ciências, viagens espaciais (tem um capacete de astronauta) e Guerra nas Estrelas. Seus pais (interpretados por Owen Wilson e Julia Roberts) são muito amorosos, assim como sua irmã Via (interpretada por Izabela Vidovic). Mas chegaria o dia em que ele iria para a 5ª série e, consequentemente, teria que frequentar uma escola e conviver com crianças. Foi nesse momento que o bicho pegou e nosso protagonista precisaria encarar a realidade de sair de sua redoma e enfrentar o mundo lá fora, com todos os seus preconceitos e perseguições.

Até aí, parece que a película é um rosário de clichês. Pais amorosos, filho com problemas de relacionamento e dificuldade de se adaptar a um mundo hostil, etc. Mas o filme apresentou algo que parece um diferencial. E o que foi esse tal de diferencial? É que o filme não orbitou apenas na figura de Auggie. Foram apresentadas, também, as vidas da Via, de uma amiga dela e de um amigo de Auggie, onde descaminhos na vida de todos esses personagens acabavam por explicar comportamentos que eles manifestavam ao longo do filme e que pareciam ser pouco éticos, mas que eram motivados por outras situações. Isso deu um enorme grau de humanidade ao filme, acabando com o mito de pessoas boas e más, mas apenas de personagens que são seres humanos, com seus desejos e angústias. Todos, por mais “perfeitos” que fossem, tinham seus problemas, inseguranças e medos. E o grande lance do filme foi como o relacionamento com Auggie ajudou as pessoas a enfrentarem suas carências, numa forma bem elaborada e inteligente de combater o bullying ao meu ver.

Como uma curiosidade, o filme também vai agradar aos fãs de Guerra nas Estrelas, pois sempre que Auggie se encontrava numa situação desagradável, ele usava a imaginação para se sentir mais confortável. E assim, volta e meia Chewbacca aparecia na escola em que estudava. Pode-se até dizer que a participação de Chewbacca em “Extraordinário” foi mais marcante que sua participação no “Episódio VIII, O Último Jedi”.

E os atores? Foi legal ver Julia Roberts de volta, com uma mãe que tinha que se portar de jeito firme, mas que era bem fragilizada por dentro, em virtude da situação que passava com o filho. Owen Wilson fez o carinha legal e infantil de sempre, caindo como uma luva para esse papel (só faltou o Marley, que no filme foi substituído por uma cadelinha de nome Daisy). Jacob Tremblay conseguiu emocionar bastante. Também pudera. Ele era o menininho lá do filme “O Quarto de Jack”, onde teve boa atuação. A curiosidade ficou por conta de uma rápida participação de Sônia Braga, como a avó da família, aparecendo em flash-back. Aliás, o filme tem algumas alusões ao Brasil. A amiga de Via era chamada de Miranda e, num momento do filme, foi dito que a mãe de Auggie faria uma feijoada.

Assim, “Extraordinário” pode até ter alguns clichês, mas se diferenciou por não usar o protagonista como único objeto principal do filme e deu destaque a outros personagens, humanizando-os e valorizando a interação entre eles, pois o espectador se identificava com todo o contexto e torcia para que os mal-entendidos fossem esclarecidos. É o tipo do filme com um “happy end” bem meloso, para você sair levinho da sala.

https://www.youtube.com/watch?v=GdPrJCn428A

Eu nunca tinha visto “A Primeira Noite de Um Homem”, o filme que colocou Dustin Hoffman nos holofotes, com a trilha sonora imortalizada por Simon e Garfunkel. Volta e meia, a gente fica com essas lacunas vergonhosas na nossa carreira de cinéfilo e precisa tapá-las de um jeito ou de outro. Pois bem, no ano de 2017, comemorou-se os cinquenta anos do filme e foi feita uma nova restauração na película, que entrou em cartaz. Essa foi uma oportunidade de ouro para se ver o filme e eu não a perdi. Afinal, foi um filme que ganhou o Oscar de melhor diretor para Mike Nichols em 1968, e que ganhou cinco Globos de Ouro (melhor filme de comédia ou musical, melhor diretor, melhor atriz de comédia ou musical para Anne Bancroft, melhor promessa feminina para Katharine Ross e melhor promessa masculina para Dustin Hoffman).

E quais são as impressões dessa película? Confesso que ela me impressionou muito, principalmente o inventivo roteiro, discutindo temas que deveriam ser grandes tabus de sua época. Como o filme tem cinquenta anos, creio que não será pecado mortal cobrir esse texto com spoilers.

Temos aqui o personagem Ben Braddock (interpretado por Hoffman), um jovem estudante que terminou sua faculdade com todos os méritos possíveis e imagináveis, sendo celebrado por pais, parentes e amigos numa festa em sua casa após sua formatura. O problema é que Ben não suportava mais tantas bajulações e se escondeu num quarto. Lá, apareceu a senhora Robinson (interpretada por Anne Bancroft), esposa do melhor amigo (e sócio) de seu pai, que lhe pediu uma carona para a sua casa. Ben atendeu ao pedido e levou a respeitável senhora para o seu lar no seu carro conversível. Lá, a senhora o convidou para entrar e tentou seduzi-lo. Ben resistiu de forma muito relutante e, por pouco não foi flagrado pelo marido da senhora Robinson. O sr. Robinson, inclusive, disse ao rapaz que ele deveria mais aproveitar a vida, não suspeitando que a esposa tinha tentado seduzir Ben. O moço acabou acatando a sugestão do sr. Robinson e tornou-se amante da senhora. Os dois ficaram meses se encontrando num quarto de hotel, até que Ben começou a querer conversar com a sra. Robinson, para conhecer mais detalhes de sua vida. Desta vez, foi a senhora Robinson que ficou relutante. A coisa esquentou quando a senhora Robinson proibiu terminantemente Ben de sair com sua filha Elaine (interpretada por Katharine Ross), que também estava de chegada para passar uns dias com os pais. O problema é que os pais de Ben viam a chegada de Elaine como uma chance de ouro de casarem os dois, o que obrigou Ben a sair com a moça, pela qual se apaixonou desesperadamente. Só que Ben teve que enfrentar a ira da sra. Robinson, que ameaçou contar todo o ocorrido à filha, que também se apaixonou por Ben. A partir daí, o filme tomou caminhos tortuosos, que trabalhavam o inusitado, o cômico e o dramático, com um desfecho muito ousado.

O que mais impressiona nesta película, em primeiro lugar, é o ousado. Vemos aqui uma relação extraconjugal entre uma mulher mais velha e um pós-adolescente virgem, numa época em que fica bem claro que os pais de uma classe média alta arranjam os casamentos dos filhos. Para piorar a situação, o rapaz ainda se apaixona pela filha de sua amante. É bem provável que esse filme tenha sido visto com reprovação por setores conservadores da época. Mas também o filme pode ter sido muito celebrado, em virtude daqueles também terem sido anos de efervescência cultural. Isso fica claro quando o homem conservador que aluga o quarto para Ben em Berkeley diz que detesta agitadores. Esse personagem, inclusive, é colocado como alívio cômico, assim como os pais de Ben, que entram numa espécie de histeria quando o moço avisa que vai casar com Elaine. Ou seja, o pensamento conservador é meio que tratado de forma ridícula e caricata no filme. Mas a grande ruptura com o pensamento conservador está mais ao final, quando Ben, depois de andar por quilômetros e quilômetros, consegue tirar Elaine do altar e fugir com ela de ônibus. Lá, pudemos ver toda a ira do conservadorismo expressos nas faces do noivo de Elaine e do casal Robinson, totalmente desmantelado pela relação extraconjugal, mas que ainda jogava as fichas da honra da família no casamento tradicional da filha com um moço de bom berço. Elaine, ao fugir do altar com Ben, destrói o último resquício de conservadorismo em nome de uma vida feliz e do amor, numa mostra de como um pensamento vanguardista pode ser piegas às vezes! De qualquer forma, ainda assim esse é o happy end que todo mundo quer ver e que funciona muito bem na película.

Em termos de atuação, esse filme se resume a dois nomes: Hoffman e Bancroft. O primeiro chega de forma avassaladora ao estrelato, dizendo firmemente ao que veio. Um ator que conseguiu ser dramático no momento certo, tímido no momento certo, explosivo no momento certo, tratando com maestria todas as matizes de sua atuação, que não foram poucas. Bancroft teve uma atuação um pouco mais plana, sem as violentas matizes que eram exigidas de Hoffman, mas seu estilo gélido em algumas horas, usando o jovem como um mero brinquedo sexual, e seu estilo agressivo, principalmente quando proibia Ben de se encontrar com Elaine, chegavam a assustar. Seu momento mais forte foi quando Elaine descobre do relacionamento de Ben com sua mãe. Lá, Bancroft deu toda uma fragilidade à sua personagem, onde, destroçada, ela dá um adeus a Ben.

Assim, “A Primeira Noite de Um Homem” é uma grande película do passado, que fez cinquenta anos em 2017 e que merece ser lembrada e celebrada como uma das joias da História do Cinema. Uma película que revela a efervescência cultural de seu tempo, desafiando parâmetros altamente conservadores, e trabalhando com o altamente inusitado. Tudo isso com uma trilha sonora magistral. Uma obra-prima.

Sabe quando você vê o trailer de um filme e acha que ele será apenas uma diversão média, um passatempo? E quando você vê a película, ela havia escondido o jogo e foi muito mais do que você pensou? Pois é. Essa é a impressão de “Pequena Grande Vida”, um filme que a gente pode classificar como comédia, mas também como drama, mas também como tendo uma pitada de ficção científica e de filme reflexivo. Ou seja, ele não se enquadra propriamente em nenhum gênero e, ao mesmo tempo, se enquadra em vários. Dá para perceber como tal filme é bem curioso e um tanto peculiar, perto do que se tem visto por aí.

Temos aqui a história de Paul Safranek (interpretado por Matt Damon), que testemunha, junto com a esposa Audrey (interpretada por Kristen Wiig) um revolucionário programa de encolhimento humano. Tal programa era benéfico para o encolhido que, ao ficar com apenas 12,7 cm, ele consumia muito menos que um humano comum e sua vida ficava extremamente barata. Assim, o encolhido tornava-se um milionário com uma vida totalmente idílica, sem precisar trabalhar para o resto da vida (você só trabalha se quiser). Ainda, com um consumo menor de recursos, a pessoa diminuta passa a contribuir para o meio ambiente, pois a explosão populacional esgota os recursos de nosso planeta. O casal faz um pacto e encara o processo. Mas Audrey rói as coradas e deixa Paul sozinho lá, pequenininho. Nosso protagonista vive em depressão até que seu vizinho, o extravagante sérvio Dusan (interpretado pelo sempre eficiente Christoph Waltz), dá mais uma de suas barulhentas festas e Paul, ao invés de reclamar, decide experimentar. Depois de uma noitada daquelas, ele conhece a faxineira vietnamita Ngoc Lan Tran (interpretada por Hong Chau), uma moça que vai transformar completamente sua vida. Paremos por aqui com os spoilers.

Esse filme consegue brincar muito bem com os chamados plot twists. Nosso próprio protagonista Paul, lá para o final da película, fala de como sua vida sofreu uma série de reviravoltas que ele nem acreditava que passaria se isso lhe fosse dito cerca de um ano antes (o filme tem uma série de saltos no tempo, alguns curtos, de alguns meses,  outros um tanto longos, de vários anos). Com tantas mudanças, fica até difícil para a gente classificar o filme. Como foi dito acima, ele tem caras de vários gêneros diferentes, e, por incrível que pareça, isso funciona bem, apesar de parecer inicialmente algo um tanto fragmentado, mas o fio condutor da narrativa convence e consegue amarrar bem a variedade de temas e sub-tramas que o filme oferece ao público.

É claro que o filme tem alguns chamarizes, principalmente no elenco. As presenças de Damon e Waltz já nos trailers atraem o espectador. Há até a aparição de dois atores mais conhecidos que nem foram ventiladas no trailer e são participações para lá de rápidas e especiais. Mas não vou dizer aqui quem são. Uma é muito conhecida de nós, brasileiros, ou seja, tem uma certa proximidade com a gente. Outra é de uma atriz bem conhecida que apareceu recentemente num filme que fala de uns tais jedis.

Agora, não tenha dúvida, caro leitor. Apesar dos trunfos do elenco, o que dá realmente valor ao filme é a qualidade da história contada e as suas variações. Com tanta coisa diferente acontecendo à medida da exibição, o espectador fica com a atenção presa à tela o tempo todo. Assim, “Pequena Grande Vida” consegue ser um filme surpreendente, pois tem cara de uma diversão mais morna, mas se revela algo mais interessante do que aparenta. Vale a pena dar uma conferida.

Mais um filme indicado ao Oscar em nossa série. “Trama Fantasma” concorre a seis estatuetas (Melhor Filme, Melhor Ator para Daniel Day-Lewis, Melhor Diretor para Paul Thomas Anderson, Melhor Atriz Coadjuvante para Lesley Manville, Melhor Música Escrita Para Filme e Melhor Figurino). Esse filme vem com Daniel Day-Lewis como medalhão principal, sempre sendo um nome forte para o prêmio de Melhor Ator. Mas ele não é o único trunfo para “Trama Fantasma”.

Do que consiste a história? Temos aqui a trajetória de um grande estilista, Reynolds Woodcook (interpretado por Day-Lewis), que leva o seu trabalho muito a sério, sendo extremamente metódico e perfeccionista. Ele tem como braço direito Cyril (interpretada por Manville), uma espécie de secretária que assegura que tudo esteja do jeito que Woodcook quer, até a forma como sua comida é feita. Um belo dia, Woodcook conhece uma garçonete de um estrato social mais baixo, Alma (interpretada por Vicky Krieps). A moça, que tem autoestima baixa, se sente muito bem quando veste as roupas projetadas por Woodcook como modelo. Mas a chatice do estilista vai pouco a pouco enervando a moça. Até que, apaixonada por Woodcook, e não aguentando mais as patadas do homem, ela resolve tomar uma atitude drástica, com um risco muito calculado.

Dá para dizer que a história tem um quê meio surreal. Levada por uma belíssima trilha sonora e um figurino de tirar o fôlego (também pudera, o protagonista é um renomado estilista), o filme, paradoxalmente, mostra momentos muito tensos e, com todas as letras, odiamos Day-Lewis, sinal de que ele arrebentou em seu papel. Sua forma de ser toda metódica e cheia de manias espezinha mortalmente Alma, que é simples, pura e doce em seu amor. Só que há um limite para tudo e a solução inusitada de Alma para o conflito exibe uma forma, digamos, peculiar de empoderamento feminino no filme. É claro que essa característica mais irritante de Woodcook terá um motivo pregresso que o obriga a ficar do jeito que é. Mas a saída encontrada por Alma meio que o liberta desse trauma. É como se ele tivesse consciência dos motivos de seu trauma e de sua forma de ser por causa disso, mas não encontrasse uma saída para não permanecer em tal condição. Ele é cheio de frescura, um chato de galocha e sabe disso, mas não sabe como sair disso. E Alma lhe dará a saída, por mais estranha que possa parecer e, por que não, um tanto engraçada, apesar de tudo ser feito num clima de drama e não de comédia. Pela peculiaridade do roteiro, talvez esse filme tenha recebido as indicações de Melhor Diretor e de Melhor Filme, Mas creio que tinha uma vaguinha aqui para roteiro também.

Além da soberba atuação de Day-Lewis, a indicação para Lesley Manville é merecida, embora a concorrência com Allison Janney em “Eu, Tonya” seja muito complicada. De qualquer forma, Manville deu muita dignidade ao seu papel, comportando-se como uma verdadeira Lady que sabia ser dura nos momentos certos tanto com Woodcook quanto com Alma. Era legal de se ver que ela não perdia a elegância e a serenidade, por mais que a barra pesasse. Já Vicky Krieps carregou a responsabilidade de ser a vítima da história, algo que pode atrapalhar um pouco, motivo esse que provavelmente deve ter ajudado a fazer sua atuação parecer um pouco plana, embora ela tivesse momentos melhores. Dá para simpatizar com a moça.

Assim, “Trama Fantasma” é mais um filme que concorre ao Oscar e, talvez, um dos que tenha a história mais curiosa e inusitada (“A Forma da Água” também está nesse páreo). Não fosse por essa característica, esse filme somente serviria para a gente ver o Daniel Day-Lewis. Que bom que não é somente isso.

A Marvel ataca novamente, lançando seu novo filme, “Pantera Negra”. E podemos dizer que o filme solo desse novo super-herói, apresentado ao mundo dos quadrinhos ainda na década de 60, mostra a incrível capacidade da Marvel de se reinventar, fazendo-o sempre com extrema competência. Devo confessar que a película me arrebatou em cheio. Sempre fui um fã declarado dos filmes do Capitão América (tenho todos os três DVDs desse herói), mas “Pantera Negra” é uma película que estoura a escala, pois ela tem um gosto muito especial de algo diferente de tudo o que foi visto até aqui, por se passar num reino fictício africano, a famosa Wakanda, riquíssima por ter o seu vibranium e com uma tecnologia avançadíssima, escondida aos olhos do mundo para não ser explorada economicamente pelo imperialismo como nos demais rincões africanos.

Mas, por que o filme impressiona tanto? Em primeiro lugar, devo dizer aqui que, para se fazer uma análise mais detalhada do filme, os spoilers serão inevitáveis. Ainda, eu, na qualidade de professor de História, devo dizer que Wakanda surpreende, inicialmente, por conciliar de forma extremamente harmoniosa a tradição e a modernidade. Estes dois elementos, vistos como antagônicos muitas vezes, coexistem aqui sem qualquer conflito. Todos os rituais tribais que tiveram influência das transformações que o vibranium provocou na natureza, assim como aqueles rituais que dizem respeito à sucessão do trono, não impedem ou atrapalham em nada o desenvolvimento da tecnologia do país. O próprio uniforme do Pantera Negra corrobora essa tese, pois ele é, ao mesmo tempo, feito por um material extremamente moderno, mas preserva um desenho tribal. O laboratório desenvolvido pela irmã do rei T’Challa (interpretado por Chadwick Boseman), onde você pode comandar virtualmente e a muitos quilômetros de distância um carro ou veículo aéreo, é de tirar o chapéu, também decorado com motivos tribais. Aliás, a inteligente irmã me pareceu uma grande homenagem ao Q de James Bond.

O filme tem muitas outras virtudes. Os críticos da Marvel falam que seus filmes têm muitas piadas. Dessa vez, podemos dizer que as piadas foram bem poucas e precisas, principalmente quando fazem galhofa com o imperialismo, usando termos como “colonizadores” ou fazendo pouco caso dos americanos. Ainda, a morte do vilão Killmonger (interpretado magistralmente por Michael B. Jordan) foi arrebatadora, pois T’Challa o leva para ver o pôr-do-sol em Wakanda e fala que seu ferimento pode ser curado, ao que Killmonger responde, se ele vai viver preso, é melhor que não, e pede que seu corpo seja jogado ao mar, da mesma forma que os africanos pulavam ao mar dos navios negreiros, pois sabiam que iriam viver presos e escravizados, preferindo a morte. Impossível segurar as lágrimas. Confesso que essa foi a primeira vez que chorei com a morte de um vilão da Marvel, esse sim um vilão com conteúdo, como falaremos mais abaixo.

Ainda relacionando o filme com a questão do imperialismo (isso é feito de forma bem vasta), há o seguinte debate: Wakanda, com sua avançada ciência e tecnologia, assim como a posse do vibranium, deve permanecer escondida do mundo para se proteger de invasões, guerras e explorações provocadas pelo mundo “civilizado” branco ocidental, ou deve se revelar ao mundo e ajudar nações africanas mais pobres, assim como pessoas da etnia negra que sofrem com a pobreza e o preconceito no mundo todo, já que Wakanda tem condições econômicas e tecnológicas para isso? A posição de T’Chaka, pai de T’Challa e antigo rei de Wakanda era o isolamento total para proteger o seu povo. Mas isso acabou fazendo com que o rei matasse o seu próprio irmão, que pensava justamente numa abertura de Wakanda para o mundo. Tal situação deixou Killmonger, que era o sobrinho do rei, órfão, e o rapaz iniciou uma cruzada cheia de ódio para tomar o trono de Wakanda, abrir o país e declarar guerra contra os antigos imperialistas, dando o troco em relação ao que os europeus fizeram com a África. Ele até parafraseou uma expressão da empáfia inglesa quando ela era uma potência imperialista no século XIX: “No Império Inglês, o Sol nunca se põe”, substituindo, na frase, a Inglaterra por Wakanda (os ingleses diziam isso, pois se gabavam de ter colônias no mundo inteiro). Ou seja, é da intenção de Killmonger fazer de Wakanda uma potência imperialista igual às mesmas que tripudiaram do continente africano. Assim, Killmonger é uma espécie de monstro criado pelo pai do mocinho da História, ou seja, o rei T’Chaka. E Killmonger, na ânsia de afirmar seu povo perante o colonizador branco, torna-se vingativo e agressivo. Isso é uma prova de que não temos aqui personagens planos, ou seja, mocinhos totalmente bonzinhos e bandidos totalmente maus. Os mocinhos erraram no passado, ao passo que até entendemos a raiva contida nos bandidos (embora não concordemos com seus procedimentos). Daí a afirmação que fiz acima de que temos um vilão com conteúdo nesse filme, onde sua maldade, embora não justificável, seja compreensível. Mocinhos e bandidos têm a sua visão de mundo, cada uma com suas virtudes e defeitos.

Ao fim, Wakanda se revela para o mundo e ajuda os mais necessitados, sem se envolver em guerras. Essa é a primeira cena pós-créditos, onde T’Challa discursa nas Nações Unidas, revelando as intenções de seu país e é recebido com sarcasmo pelos petulantes brancos. Um sorrisinho maroto do rei é a resposta igualmente sarcástica e um deboche com o sentimento de superioridade imperialista dos brancos.

E o elenco? Essa é outra grande virtude do filme. Não há a menor sombra de dúvida de que há uma segregação no meio artístico. As reclamações de falta de indicação de atores e diretores negros ao Oscar nos últimos anos corrobora essa segregação. Há menos espaço no meio artístico para negros, o que os obriga a serem extremamente talentosos. E aí, por incrível que pareça, nesse filme temos uma verdadeira constelação de estrelas negras, somente para parafrasear o samba enredo da Beija-Flor de 1983, quando venceu o carnaval daquele ano, assim como venceu o carnaval do ano presente. Comecemos por Chadwick Boseman. Ele já havia mostrado todo o seu talento no filme biográfico de James Brown, e com sua participação como Pantera Negra em “Guerra Civil” muito marcante também. Já Michael Bakari (nobre promessa em Swahili) Jordan dispensa apresentações. Suas atuações em “Fruitvale Station” e em “Creed” foram marcantes e testemunhas de seu grande talento. E Lupita Nyong’o? Mais outra muito conhecida de todos, não pela voz de Maz Kanata em “Guerra nas Estrelas”, mas pelo seu Oscar como coadjuvante em “Doze Anos de Escravidão”. Até hoje, o sofrimento de sua personagem naquele filme é de se levar às lágrimas. E aqui ela fez um excelente par romântico, mais empoderado do que nunca, com T’Challa. Ela estava simplesmente deslumbrante e elegantérrima! A atriz Danai Gurira, que interpretava a General Okoye, era a essência do empoderamento feminino num filme cuja etnia negra era o escopo principal. Okoye era a chefe da Guarda Real, as Dora Milaje, formada somente por mulheres que, no filme, mais lembravam a Grace Jones, mas na minha cabeça lembravam mais a Pinah, a antológica passista da Beija Flor. Sua combatividade e elegância combinavam maravilhosamente bem, saindo da boca da personagem as melhores tiradas contra os brancos, americanos e imperialistas em geral. A irmã de T’Challa, Shuri, interpretada por Letitia Wright, foi uma gratíssima surpresa, pois ela era a jovem cientista que inventava e produzia todas as inovações tecnológicas de Wakanda. Mesmo que alguns achem que ela pode parecer nova demais para o cargo, a moça não deixa de ser uma inspiração para um monte de meninas por aí que têm a sua idade e não têm qualquer perspectiva futura de vida. Daí a importância de tal personagem. Não podemos nos esquecer também de Daniel Kaluuya (de “Corra!”) e das participações, para lá de especiais, de Andy Serkis como um risonho Garra Sônica, do “Hobbit” Martin Freeman, de Angela Bassett, como a elegante Rainha-Mãe, e, para coroar a cereja do bolo, Forest Whitaker! Um filme, só por ter esse elenco, já é um grande presente para o espectador.

Assim, por todos esses motivos, ouso dizer que “Pantera Negra” é o melhor filme da Marvel de todos os tempos, se formos considerar roteiro e elenco. Esse é um filme diferente de todos os demais, estourando a escala em termos de qualidade, e será difícil de superá-lo, pois ele carrega um conteúdo e uma mensagem muito diferentes do que vimos até agora em todas as películas da Marvel. Elencar a África como algo positivo e nobre, acima das mesquinharias dos brancos colonizadores, foi uma tremenda jogada de mestre na luta contra o racismo e pelo respeito à diferença e tolerância. O filme deu o seu recado sem ser chato, piegas ou rançoso, transformando o negro em agente de transformação social ao invés de vitimizá-lo. Esse é o caso mais gritante de filme para se ver, ter e guardar. E um programa imperdível para todos, seja os fãs da Marvel, seja os cinéfilos de plantão.