Categoria: cinema blockbuster

Continuando nossa saga de analisar os filmes indicados ao Oscar, falemos hoje de “Lady Bird, É Hora de Voar”, que concorre a cinco estatuetas (Melhor Filme, Melhor Atriz para Saoirse Ronan, Melhor Atriz Coadjuvante para Laurie Metcalf, Melhor Direção para Greta Gerwig e Melhor Roteiro Original, também para Greta Gerwig). Além disso, o filme também levou o Globo de Ouro de Melhor Filme de Comédia ou Musical e Melhor Atriz de Musical e Comédia para Saoirse Ronan. Ou seja, mais um medalhão e páreo duro para a noite de premiação. Antes de mais nada, vejo esse filme como um grande enigma em termos de premiação, pois ele parece não ser grande coisa e está sendo muito celebrado. O que acontece aqui então?

Bom, a película conta a história de uma menina de Sacramento, Califórnia, de nome Christine McPherson (interpretada por Ronan), que adota o pseudônimo, considerado por muitos estranho, de Lady Bird. Podemos dizer que a moça é uma pós-adolescente que ainda não amadureceu de todo e é muito encucada com várias coisas, sendo a típica garota enxaqueca de tão chata que é. Ela vive às turras com sua mãe (interpretada por Laurie Metcalf). Tudo levava a crer que se tratava de um típico drama adolescente, onde devemos ver a garotinha perdida com uma certa complacência, pois os hormônios funcionando a mil não deixavam ela ter muito a consciência do que fazia. Ou seja, uma típica história para lá de sacal e barata.

Só que o filme não é somente isso (apesar de, inicialmente, ter-se a impressão de que ele será apenas isso mesmo). A menina chata, que pensa grande, pois ela quer ir para uma grande Universidade Americana, algo que praticamente ninguém põe fé (até os seus familiares), vai aos poucos revelando seus sonhos e fragilidades no meio em que ela vive, paulatinamente conquistando o espectador de forma arrebatadora já que, em algum momento de sua trajetória, a gente se identifica com a moça e começa a compreendê-la debaixo de todo aquele véu de chatice adolescente.  Para começar, ela vive numa família que a própria moça intitula que está no “lado ruim da linha do trem”, ou seja no lado onde vivem pessoas de um estrato social mais baixo, ao contrário das mais ricas que moram do outro lado. Isso já a torna de cara uma outsider, o que muito incomoda a moça.

Ela tem uma amiga bem gordinha, também outsider e fragilizada por sua condição. Todos os jovens dessa comunidade (seja do lado de lá ou do lado de cá da linha do trem) frequentam uma Escola Católica e Lady Bird participa de várias experiências como o grupo de teatro, o primeiro namorado, a primeira vez e a tentativa de inclusão no grupo dos riquinhos descolados do colégio. Isso leva a menina a muitas esperanças e decepções que a amadurecem. Ou seja, vemos uma trajetória que é uma sucessão de lições de vida que nos fazem reavaliar nosso próprio passado à medida que o filme vai sendo exibido. A diretora e roteirista Greta Gerwig faz isso de uma forma muito afetuosa, levando o espectador a comprar a ideia, mesmo que Ronan parecesse com mais idade para o papel. Sei lá, a impressão que ela tinha dado em “Brooklyn” foi a de uma moça um pouco mais madura. Talvez essa diferença de idade seja até benéfica para a atriz, pois a gente realmente vê uma pós-adolescente imatura em sua atuação e acredita nela.

Assim, pelo número de estatuetas indicadas e pelos prêmios do Globo de Ouro, de repente um filme com cara de azarão tem mais tarimba para fazer bonito na noite de premiação. Esse é, sobretudo, um filme de atores, cujo elenco também não deixou a desejar. Vale a pena dar uma conferida.

 

Dando sequência às análises dos filmes indicados ao Oscar, vamos falar hoje de “Mudbound. Lágrimas Sobre o Mississippi”, que concorre a quatro estatuetas (Melhor Atriz Coadjuvante para Mary J. Blige, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Fotografia e Melhor Música Para filme, competindo com a música “Mighty River”). Essa é mais uma boa história que aborda a questão do racismo nos Estados Unidos durante uma época que podemos considerar um tanto especial: a da Segunda Guerra Mundial.

O enredo da história é um tanto simples. Uma família branca, outra negra. Ambos moram numa fazenda de propriedade da família branca. Estamos em meados da década de quarenta no Mississippi. A família negra aluga a terra em que vive, mas paga o aluguel com sua produção agrícola. Apesar de serem inquilinos, a família negra é tratada de uma forma, digamos, escravocrata pela família branca. Esse equilíbrio delicado vai sendo levado no dia-a-dia, até que chegamos à situação em que um membro de cada família vai para a guerra lutar contra o nazismo. Os dois membros de cada família sobrevivem e voltam para casa, encontrando um Mississippi provinciano, opressor e extremamente racista, bem ao sabor dos seus inimigos nazistas que combatiam na Europa. Com o mesmo inimigo no seio de seu lar, esses dois homens se conhecem, se identificam por seus traumas de guerra e irão se unir para conviver com toda a paranoia contra a qual lutavam no Velho Continente.

Essa coisa de lutar contra uma raposa com outra mais felpuda ainda dentro de seu galinheiro é uma coisa a se pensar. Se considerarmos “Mudbound” como um filme de guerra, ele sai daquela dicotomia e maniqueísmo mocinho/bandido da grande maioria dos filmes de guerra. É difícil ver uma película desse gênero que não demonize o inimigo, embora, por ser muito vasta a filmografia sobre esse tema, a gente encontre alguns exemplos (como “O Pianista”, de Polanski), sempre muito bons. Mas em “Mudbound”, a coisa é muito mais gritante, pois o inimigo nazista não tem rosto, enquanto que a face do racismo do Mississippi é pintado em cores bem vívidas, sobretudo no patriarca da família (interpretado por Jonathan Banks), que não esconde de ninguém o ódio pelos negros. Por isso mesmo, há passagens de “Mudbound” que são extremamente repulsivas, algumas delas pelo constrangimento que a família negra é obrigada a passar, onde a individualidade e a liberdade de seus membros sempre é posta em xeque, mas há outros momentos repugnantes de violência extrema que arrebatam o filme, até então muito tenso, mas ainda não visceral. É, sem dúvida nenhuma, mais um filme de ódio do que de guerra.

E os atores? Além da boa interpretação de Banks, que faz a gente odiar seu personagem com todas as nossas forças e do fundo da alma, tivemos Carey Mulligan, que se destacou como protagonista em “As Sufragistas”, fazendo a esposa da família branca, trazendo um pouco (somente um pouco) de tolerância para com a família negra. Já a mãe da família negra, Mary J. Blige, recebeu a indicação para atriz coadjuvante e foi muito bem, embora o pouco tempo de tela, se analisarmos todo o contexto do filme possa prejudicar a avaliação de seu talento. Esse é um filme de muitos atores, rostos e personagens, onde parece que cada um deles pega um pedacinho da película para si e logo abandona em favor de outro ator. Isso incomodou um pouco e meio que fragmentou um pouco a narrativa, apesar do fio condutor dos dois combatentes, que foram bem mas são um tanto desconhecidos (Garrett Hedlind e Jason Mitchell).

Assim, “Mudbound. Lágrimas Sobre o Mississippi” é mais um bom candidato ao Oscar, embora essa película pareça correr por fora em relação a filmes como “A Forma da Água” ou “Três Anúncios Para Um Crime”. De qualquer forma, mesmo que ela não faça bonito no Oscar, já o fez por tocar numa ferida da sociedade estadunidense que jamais deve ser esquecida: o racismo crônico, declarado e latente de um povo que se diz o maior defensor da democracia e da liberdade. E comparar esse defeito imperdoável com o nazismo é uma jogada de mestre. A repugnância da película em alguns momentos choca o espectador, como se ele tomasse mesmo um tapa na cara. Você sai incomodado da sala, pois passa por emoções muito fortes num intervalo de tempo muito pequeno mais ao fim da exibição. Por isso mesmo, essa película merece muito respeito como obra artística que é, independentemente de qualquer prêmio.

https://www.youtube.com/watch?v=BGzKpEgMaiQ

 

Mais um bom filme que concorre ao Oscar em nossas telonas. “Três Anúncios Para Um Crime” concorre a sete estatuetas (Melhor Filme, Melhor Atriz para Frances McDormand, Melhor Ator Coadjuvante para Sam Rockwell, Melhor Ator Coadjuvante para Woody Harrelson (!), Melhor Música para Filme, Melhor Roteiro Original, e Melhor Montagem). Ainda, o filme ganhou quatro Globos de Ouro (Melhor Filme de Drama, Melhor Atriz de Drama para Frances McDormand, Melhor Ator Coadjuvante para Sam RockWell e Melhor Roteiro de Filme). Pelas indicações e premiações, dá para perceber que é um filme que vem bem forte para a competição do Oscar. E, realmente depois de assisti-lo, vemos que todas as indicações e premiações foram bem justas.

Mas, do que consiste a história? Vemos aqui a saga de Mildred (interpretada magistralmente por McDornand), uma senhora separada que carrega uma grande mágoa em seu coração: sua filha foi violentamente estuprada e assassinada há sete meses e o crime não foi elucidado, com o culpado andando por aí. Mildred, então, decide tomar uma atitude drástica: ela junta suas economias e aluga, pelo espaço de tempo de um ano, três outdoors, onde ela cobra explicações da polícia e de seu chefe, Willoughby (interpretado por Harrelson). Isso provoca uma polvorosa na pequena cidade de interior onde a senhora vive, com a maioria das pessoas ao lado do chefe de polícia. Mas o clima de intolerância generalizado vai produzir as mais inusitadas situações. Porém, paremos aqui com os spoilers.

A principal mensagem desse filme é a de que o ódio apenas gera mais ódio e todos que se deixam cair nessa torrente sofrem terríveis consequências. Isso acontece com Mildred, a nossa protagonista, mas também com outros personagens, como o policial Dixon (muito bem interpretado por Rockwell, a indicação ao Oscar faz jus). Ainda, apesar de estarmos num ambiente altamente provinciano, onde alguns preconceitos afloram com toda a força como o racismo, o filme opta por personagens que não sejam planos, quer dizer, não há o cara totalmente bom ou o cara totalmente ruim.

Vemos um desfile de seres humanos, cheios de virtudes ou de preconceitos, por mais rotulados que eles sejam. Mildred, por exemplo, banca a durona e não dá o braço a torcer, o que pode parecer uma virtude, mas isso acaba também fazendo com que ela magoe pessoas próximas a ela que a amam, como o anão James do filme, magistralmente interpretado por Peter Dinklage. Ele merecia até uma indicação, pois soube usar muito bem o pouquíssimo tempo de tela que teve. E ele já se mostrou um ator competente no filme “X-Men, Dias de um Futuro Esquecido”. Mas as interpretações de Rockwell e de Harrelson renderam duas indicações para ator coadjuvante num mesmo filme, algo difícil de acontecer. E, falando nos dois, fica bem claro aqui que McDormand não é a única estrela desse filme que teve uma atuação simplesmente impecável, sendo dura e emotiva nas horas certas. Harrelson ganhou um personagem sensacional que, apesar sofrer uma antipatia inicial por parte do público, já que é denunciado como negligente pela protagonista, consegue virar o jogo maravilhosamente bem, ficando cada vez mais humanizado. A gente realmente passa a gostar do cara (o filme tem esse poder de fazer o espectador reavaliar a conduta e caráter dos personagens) A própria relação entre Mildred e Willoughby passa por momentos onde a senhora se preocupa com o homem que acusa, por esse passar por uma grave doença. Fica bem claro aqui a separação entre público e privado no filme. Mildred tem uma atitude ríspida para com Willoughby como representante de uma instituição pública que não cumpriu com seu dever.

Mas do ponto de vista privado, ele ainda é um conhecido de longa data que deve ser tratado com solidariedade quando passa por um momento difícil. Já Dixon é um caso ainda mais emblemático de reviravolta do gosto do público pelo personagem, pois ele é taxado como odioso, pois tortura negros e é um bocó agarrado à saia da mãe. Só que o filme cria um lento processo de redenção do personagem que enche nossos olhos. Poucas vezes a gente vê um personagem tão bem construído nas películas por aí. Somente isso já mostra quão primoroso é o roteiro. Portanto, se alguém me perguntar se a estatueta de coadjuvante deve ir para Harrelson ou para Rockwell, eu devo confessar que vou torcer para Rockwell, mas com uma pequena dor no coração, pois o trabalho de Harrelson também foi ótimo.

Assim, “Três Anúncios Para Um Crime” chega como um grande concorrente ao Oscar, sendo um filme capaz de fazer frente à “A Forma da Água”. Esse é um filme humano que nos dá a principal lição de que não devemos guardar rancor das pessoas, pois todos nós somos humanos que temos virtudes, defeitos, podemos fazer rir ou chorar, nos alegramos, mas também sofremos. E, no fim das contas, temos apenas a nós mesmos para nos ajudarmos. Um filmaço. Um programa imperdível que tem um desfecho perfeito, por botar uma pulga atrás da orelha do espectador. Quer saber? Dê uma chegadinha ao cinema! Você não vai se arrepender…

 

Em mais um dos filmes que estão indicados ao Oscar, falemos hoje de “Eu, Tonya”, que concorre a três estatuetas (Melhor Atriz para Margot Robbie, Melhor Atriz Coadjuvante para Allison Janney e Melhor Montagem). Esse filme fala da vida da patinadora no gelo Tonya Harding, que ficou marcada por ter sido acusada de mandar agredir sua adversária, Nancy Kerrigan, com um golpe de barra de ferro no joelho, com o objetivo de tirá-la do caminho numa competição olímpica. O caso ganhou muita repercussão na época (o ano era 1994) e todo o mundo ficou com os olhos grudados na TV durante a competição de patinação dos jogos olímpicos de inverno daquele ano. Ao fim das contas, nenhuma das duas ganhou a medalha de ouro.

Mas, e o filme? Bom, ao contar a vida de Tonya Harding, se escolheu a forma de mostrar isso em entrevistas. É dito no início do filme que ele se baseou em entrevistas e a gente via todo o desenrolar da história alternado com trechos em que os atores, travestidos de seus personagens, davam depoimentos diante das câmaras como se estivessem sendo entrevistados. Assim, tivemos aqui uma coisa muito curiosa: pudemos ver as versões de cada um sobre fatos ocorridos, onde isso foi mais explorado com Tonya Harding (magistralmente interpretada por Margot Robbie, nossa amada Arlequina do Esquadrão Suicida) e seu ex-marido, Jeff Gillooly (interpretado por Sebastian Stan, nosso Soldado Invernal; Marvel e DC em harmonia por aqui?). Cada um dava a sua versão sobre as muitas agressões físicas mútuas que aconteciam entre os dois, deixando o espectador um pouco confuso sobre o que acontecia (é, pelo visto a Marvel e a DC não estavam tão em harmonia, afinal). Parece que o filme quer que o espectador tire suas próprias conclusões sobre a vida extremamente turbulenta dos dois. Falando nisso, temos aqui uma história de vida cheia de percalços, com pessoas padecendo de violentos problemas emocionais e de relacionamento, com o filme querendo dar um tom de comédia em vidas, digamos, tão trágicas. Confesso que a comédia funciona em alguns momentos, mas em outros a gente tem uma situação completamente sem graça. O relacionamento entre Tonya e sua mãe, LaVona (interpretada de forma simplesmente sensacional por Allison Janney) era algo triste de se ver e não foi à toa que a moça ficou com aquele comportamento, digamos, um tanto agressivo. Eu devo dizer que não consigo ver muita graça nisso. De qualquer forma, alguns momentos de comédia vêm na chamada quebra da quarta parede, quando o personagem se dirige ao público da sala, às vezes de forma agressiva até. Isso acontece muito nas entrevistas, mas também no desenrolar da história em si. Esse é um filme que tem o claro objetivo de provocar o espectador.

Se a história de vida da protagonista é encarada pela película como uma espécie de tragicomédia, podemos dizer também que essa história de vida tem lances para lá de surreais, sobretudo no caso da agressão a Nancy Kerrigan, onde optou-se por ouvir as versões de Tonya e de seu marido, e jogou-se a responsabilidade nos amigos para lá de idiotas do casal. Seria essa a versão verdadeira dos fatos? Bom, o filme teve que optar por uma versão. E aí…

Esse é um filme que justifica em toda a sua plenitude as indicações às quais recebeu. A montagem do filme esteve espetacular, sobretudo nas sequências das competições de patinação de Tonya, onde era explicado, meio que de forma didática para os leigos, a importância de todas aquelas piruetas que ela dava. Mas esse é um filme de atuações. Margot Robbie fez jus à indicação de melhor atriz, pois conseguiu humanizar um personagem real que foi demonizado por todos, além de mostrar o seu lado badass. Agora, será uma injustiça tremenda se Allison Janney não ganhar a estatueta de atriz coadjuvante (e eu falo isso ainda sem ter visto o trabalho das demais candidatas). Sua atuação engoliu todas as demais do filme, e isso com uma personagem de uma característica só, extremamente odiosa, mas beirando o cômico em algumas ocasiões.  Sebastian Stan também esteve bem, mas a anos-luz de Robbie e Janney.

Outra virtude do filme foi mostrar cenas reais de arquivo dos personagens principais nos créditos finais. Sempre acho isso muito legal em filmes baseados em histórias reais, principalmente nesse, que brinca com essa expressão em alguns momentos.

Assim, “Eu, Tonya” é mais um filmaço que está em circuito e que concorre ao Oscar este ano. Vale muito pelas atuações de suas atrizes e de como o real pode ser muito surreal às vezes. Programa imperdível.

https://www.youtube.com/watch?v=HDsIg9iSKEE

Mais um bom filme passou em nossas telonas. “Victoria e Abdul, O Confidente da Rainha”, que foi nomeado para um Globo de Ouro (melhor atriz de comédia ou musical para Judi Dench), e foi indicado a dois Oscars esse ano (maquiagem e figurino). Ele vai abordar (parcialmente, como é dito no início do filme) uma relação que foi descoberta somente em 2010 entre a Rainha Vitória da Inglaterra e Abdul Karim, um indiano que, pelos caminhos da vida, ficou muito próximo da rainha, o que provocou um tremendo mal-estar entre os que a cortejavam. À medida em que Victoria e Abdul se aproximavam, a rainha ficava cada vez mais interessada pela cultura local indiana, o que provocava a fúria dos ingleses que achavam tudo aquilo um tanto primitivo.

Entretanto, o filme não se reduz à um estranhamento do colonizador sobre o colonizado. O inverso também ocorre, e Abdul questiona a forma de vida inglesa e europeia, sendo que ele tem um amigo, Mohammed, que vê com total repúdio o colonizador inglês e tudo o que ele quer é voltar para a sua terra natal, algo que fica cada vez mais difícil, à medida que Victoria e Abdul se aproximam mais e mais.

Não é preciso dizer como a diva Judi Dench deu um show de interpretação. Ela é uma atriz simplesmente sensacional, sendo forte como uma rainha já muito idosa, sensível como uma senhora desiludida com a sua família, e muito terna com o seu confidente, sempre nos momentos certos. Ali Fazal foi uma gratíssima surpresa. Sua beleza não lhe deu uma pecha de arrogância, muito pelo contrário, pois vimos uma interpretação muito carismática e simpática, digna de contracenar com Dench.

O filme ainda se caracteriza por lançar mão de belas locações e figurinos, sendo a indicação ao Oscar nesse quesito mais do que justa e uma atração à parte na película.

Assim, “Victoria e Abdul” é mais um daqueles filmes que se amparam totalmente na interpretação de seus atores, aqui principalmente no casal protagonista. Suas virtudes estão na revelação de uma história até pouco tempo desconhecida, na química entre Dench e Fazal e nas belas locações e figurinos. Vale a pena dar uma conferida em DVD.

Mais um bom filme esse ano. “Sem Fôlego”, dirigido por Todd Haynes (de “Carol”) é uma daquelas películas que tocam no fundo do coração da gente e que trabalha, de forma muito eficiente, uma boa combinação de ideias. Tudo isso com um roteiro bem elaborado e uma soberba montagem. Confesso que não tinha muitas informações sobre esse filme (não li qualquer sinopse ou crítica) e o trailer não dava muitas pistas do que ia acontecer. Talvez por isso o filme tenha superado qualquer expectativa da minha parte.

O filme se desenrola em duas histórias paralelas. Uma se passa no ano de 1927 e a outra se passa no ano de 1977. Ambas as histórias são protagonizadas por duas crianças que sofrem de surdez. E, em ambas as histórias, as crianças fogem de sua realidade em busca de algo. Em 1927, temos uma menina, Rose (interpretada pela fofíssima Millicent Simmonds) que é surda, mora numa rica casa protegida por uma redoma em função de seu problema físico, e quer ver a mãe, uma famosa atriz de cinema mudo, Lilian Mayhew (interpretada por Julianne Moore); Mayhew não é o nome do ator que interpreta Chewbacca? Bom, continuando a história, nossa pequenina Rose vai escapar da gaiola de ouro que é a sua casa para descobrir a vida em Nova York. O mesmo vai acontecer cinquenta anos depois com Ben (interpretado por Oakes Fingley), um menino que nunca soube o paradeiro do pai e que perdeu a mãe num acidente. Ele acaba ficando surdo depois que tomou uma descarga elétrica no ouvido ao falar no telefone durante uma tempestade. Ele também foge (nesse caso, do hospital) e vai parar em Nova York, mais especificamente no Queens, onde vai procurar o pai. Essas duas histórias, que têm um intervalo de tempo de cinquenta anos, vão se interligar numa hora, tendo como ponto nodal o Museu de História Natural de Nova York.

A grande sacação do filme aqui foi transformar a película em alguns momentos num filme mudo, até porque os atores mirins protagonistas eram surdos. Assim, a história de Rose em 1927, rodada em preto e branco, era um autêntico filme mudo, com todas as características que esse tipo de película tem: a interpretação fortemente baseada no gestual (a verdadeira linguagem cinematográfica está, acima de tudo, nas imagens), o uso de um efeito sonoro de uma música executada paralelamente à ação, etc. O fato de Moore ser uma atriz de cinema mudo no filme acabou mostrando que essa foi uma boa escolha, pois como ela tem olhos grandes, seu rosto cumpria bem os requisitos da proporção dois para um entre olhos e boca. Talvez Moore seja hoje em dia a pessoa mais adequada para um papel de atriz de cinema mudo. Mas a história de Ben também teve seus lances silenciosos embora tenha sido mais aplicada a linguagem do cinema falado aqui.

Confesso que essa homenagem ao cinema mudo foi o grande ponto positivo do filme, até porque sou suspeito para falar, já que sou um amante inveterado das películas silenciosas. De qualquer forma, outro grande mérito do filme é a genial reconstituição de época, tanto para 1927 quanto para 1977, organizada por Haynes, algo realmente de se tirar o fôlego. Ainda, devemos dar um destaque todo especial à parte musical, com direito a uma versão em coro infantil de “Space Oddity”, de David Bowie, e a versão do músico brasileiro Eumir Deodato para “Assim Falou Zarathustra”, de Richard. Strauss.

Assim, “Sem Fôlego” é um filme todo especial, com um quê todo lúdico, sendo uma bela homenagem ao cinema mudo. Vale muito a pena assistir a essa película e é muito lamentável que ela não tenha recebido qualquer indicação ao Oscar, sendo muito digna de ser prestigiada.

 

Quando a gente fala de nomes como Dwayne Johnson e Jack Black, qual é a primeira coisa que vem às nossas cabeças? Atores de filmes blockbusters menores, coisinhas bobas, etc.? Pode até ser. Mas, cá para nós, que mal faz a gente de vez em quando ver algo mais para entretenimento e descontração? E, ainda, será que atores que somente fazem filmes para entretenimento são pouco talentosos? Essa visão não recai num rótulo ou estereótipo? É o que podemos questionar quando vemos “Jumanji, Bem Vindo à Selva”. Um filme que tem uma tremenda carinha de videogame sendo, por isso mesmo, muito hilário em alguns momentos.

O filme fala de dois garotos e duas garotas que são, justamente, figuras vistas de forma muito estereotipada: o nerd, o atleta, a patricinha e a outsider que não se enquadra em lugar nenhum. Por todas as dificuldades de adaptação pelas quais eles passam, os quatro acabaram juntos de castigo na escola onde estudam e foram obrigados a arrumar uma sala cheia de tralhas. No meio de todas as coisas perdidas por lá, eles encontraram um antigo videogame com um joguinho chamado Jumanji, com personagens avatares que podiam ser escolhidos. Só que esse videogame tinha a propriedade mágica de sugar os jogadores do mundo real e inseri-los em seu mundo virtual na forma dos avatares que eles escolheram. Assim, o nerd magricelo virou o Dwayne Johnson, a patricinha virou o Jack Black, o atleta virou um cientista com metade de seu tamanho e a outsider virou uma gatinha altamente violenta e descolada. Cada avatar tinha poderes e fraquezas e apenas três vidas, morrendo definitivamente se gastasse todas elas. A missão era colocar uma joia num monte em forma de jaguar, exatamente no lugar do olho. Mas eles teriam que enfrentar o maligno vilão Van Pelt, que queria a joia para controlar toda Jumanji.

Pois é. Um enredo bem simples, bobinho até. Mas o que tornou o filme interessante foi, além das corriqueiras cenas de ação regadas a muitos CGIs, a situação hilária dos personagens que se viram em corpos muito diferentes dos seus, onde eles experimentavam todas as suas habilidades e fraquezas. O mais interessante é a mensagem que o filme passa. Para que o objetivo de se colocar a pedra no olho do jaguar seja alcançado, todos os quatro avatares terão que trabalhar em equipe, pois a habilidade de cada um é requerida em cada fase do jogo. Fica aqui a mensagem de que, se cada um deles era visto com preconceito no mundo real, no mundo virtual eles unidos têm muita importância, o que significa que eles podem se ver com mais valor quando retornarem ao mundo real e que essa história de ver os outros de forma estereotipada e com preconceito não tá com nada.

Um destaque todo especial deve ser dado aos dois atores mais conhecidos do filme. Jack Black, que já tem um bom histórico de humor, foi muito bem interpretando a patricinha no corpo de um homem obeso de meia idade. Mesmo que ele tenha tido uma atuação demasiado afetada em alguns momentos, ele foi muito engraçado ao dar uns toques de feminilidade para a colega outsider, que também ficou muito engraçada ao tentar seguir as dicas sem muito jeito (a atriz era a bela Karen Gillan). Agora, o que mais surpreendeu mesmo foi Dwayne Johnson. Ele foi muito bem interpretando o nerd magricelo que ganhou toda uma montanha de músculos. Sua atuação fazia a gente acreditar que ele se via como um molecote magricelo, fora o grande carisma de Johnson (o cara tem tino para ator, ao contrário de outros fortões que a gente vê por aí que só estão mesmo no cinema pela sua forma física).

Assim, “Jumanji” é um filme apenas para entretenimento, mas não é algo tão bobinho em virtude da construção dos personagens e das boas atuações de Johnson, Black e Gillan. Vale a pena se divertir com essa película.

https://www.youtube.com/watch?v=XhU_9m87rXM