Categoria: cinema blockbuster

Vamos continuar aqui a falar dos filmes que concorrem ao Oscar. E hoje vamos pegar um peixe bem graúdo, pois “Mank” concorre a dez estatuetas (Melhor Filme, Melhor Ator para Gary Oldman, Melhor Diretor para David Fincher, Melhor Atriz Coadjuvante para Amanda Seyfried, Melhor Som, Melhor Design de Produção, Melhor Fotografia, Melhor Maquiagem e Cabelo, Melhor Figurino, Melhor Trilha Sonora). Para podermos falar desse filme, disponível no Netflix, vamos precisar de spoilers.

A película fala da vida de Herman Mankiewicz (interpretado por Gary Oldman), o roteirista do clássico “Cidadão Kane”, de Orson Welles. Para quem não conhece “Cidadão Kane”, esse é considerado um dos clássicos do cinema, pois trabalhou de forma magistral a técnica cinematográfica, além de trabalhar um tema muito polêmico na época em que foi produzido (1941), que foi, de uma certa forma, satirizar e criticar a trajetória do magnata da comunicação e entretenimento William Randolph Hearst.  Ou seja, era um projeto que, desde o seu início já estava fadado à perseguição e execração por parte do mainstream. Mank, como era conhecido Mankiewicz, era uma pessoa muito irreverente, possuidor de uma inteligente e fina ironia, além de ser acometido pelo alcoolismo. Roteirista da MGM, ele era contemporâneo de vários nomes conhecidos do cinema, como Louis B. Mayer, Irving Thalberg e Marion Davies, esposa de Hearst. E seu convívio com tais figuras seria a inspiração para escrever o roteiro de “Cidadão Kane”, que ganhou o Oscar de Melhor Roteiro.

O filme mostra duas histórias paralelas. A primeira delas mostra o processo turbulento de escrita do roteiro de “Cidadão Kane”, onde Mank padecia de um acidente automobilístico, acamado com uma perna quebrada. Ele teve todo um staff à disposição para escrever sua história, cujo cronograma se atrasava mais por suas bebedeiras, o que rendia pressões de Orson Welles em cima dele. À medida que o roteiro saía e as pessoas mais próximas iam tendo contato com o manuscrito, elas alertavam Mank de que isso acabaria de vez com sua carreira. A resposta era sempre dada com irreverência.

A segunda história é um flashback, passado em 1934, que mostra um Mank mais jovem e já bêbado como roteirista da MGM, convivendo com as pessoas do meio. Podemos ver figurinhas carimbadas do cinema e suas virtudes e defeitos. Um Louis B. Mayer (interpretado por Arliss Howard) muito falso, um Irving Thalberg (interpretado por Ferdinand Kingsley) sem escrúpulos, um William Hearst (interpretado por Charles Dance) aristocrático, uma Marion Davies (interpretada por Amanda Seyfried) muito simpática e doce. O filme mostra muito quem era quem naqueles tempos de crise provocados pela depressão, com toda essa elite cinematográfica apoiando o candidato republicano ao governo e nosso Mank, com sua irreverência e língua ferina remando contra essa maré, o que rendia olhares tortos por parte de uns, mas a simpatia de Hearst, que gostava de ter Mank em seus eventos sociais, muito mais pela sua retórica do que por qualquer outra coisa. Foi também notável o relacionamento de Mank com Davies, vista como uma espécie de bibelô de Hearst por aquela sociedade, mas sendo escutada por Mank em suas ideias e pensamentos. Mal saberia ela que seria retratada em “Cidadão Kane” de uma forma pouco positiva, pois Mank a colocou como uma peça de coleção do sombrio palácio de Hearst, metaforizado em Charles Foster Kane, e condenada a uma vida de ócio onde montava quebra-cabeças diariamente. Entretanto, Davies não ficou revoltada com Mank e isso não abalou a amizade dos dois.

O clímax do filme foi um jantar à fantasia de Hearst, onde Mank, totalmente bêbado, fala aos convidados um roteiro sobre um magnata das comunicações e inspirado em Don Quixote de La Mancha, claramente satirizando Hearst, atirando para todos os lados sem dó nem  piedade, será aí que Mayer deixará a sua falsidade de lado e irá dizer que metade do salário de Mank é pago por Hearst o único que sabe a parábola do macaco do realejo, que Mank perguntava a todos durante o filme: o macaco recebe tudo do dono do realejo, mas é manipulado por ele.

O filme tem atores com boas atuações. Charles Dance fez um ótimo Hearst, inabalável em seu comportamento aristocrático. Seyfried faz jus à indicação para Atriz Coadjuvante, pois as conversas de Davies com Mank foram um momento delicioso do filme, não se deixando abalar ao contracenar com o medalhão Oldman. Tom Burke fez um Orson Welles fantástico (parece que o homem ressuscitou nas telas). Mas o filme realmente é de Gary Oldman, que mais uma vez colocou todo mundo em seu bolso, fazendo um Mank com mais defeitos que virtudes, mas ainda assim despertando demais a simpatia por seu forte carisma. Se ganhar a estatueta de Melhor Ator, será merecido.

Dessa forma, “Mank” é mais um daqueles filmes sobre o cinema e sua história que se torna uma referência obrigatória para os cinéfilos. É uma película que necessita de muita atenção do espectador, por estar muito focada em seus diálogos, mas temos uma boa caracterização de época, figurinos e um delicioso preto e branco que a cor no cinema jamais enterrou de vez. E, melhor de tudo, tem no Netflix.

A seção Batata Movies, depois de um breve hiato, está de volta para falar dos indicados ao Oscar deste ano de 2021. Infelizmente, vivemos em tempos complicados e nem sempre vamos poder ter acesso a todos os filmes. Mas a ideia é poder falar do máximo de filmes possíveis aqui. E vamos começar com uma produção disponível na Netflix. “Relatos do Mundo” (“News Of The World”) traz o astro Tom Hanks e concorre a quatro estatuetas (Melhor Design de Produção, Melhor Som, Melhor Fotografia e Melhor Trilha Sonora Original). Para podermos falar sobre o filme aqui, vamos precisar lançar mão dos spoilers.

A história fala do capitão Kidd (interpretado por Hanks), um veterano da Guerra Civil Americana que era um tipógrafo e perdeu tudo com a guerra. Com isso, ele decide ganhar a vida viajando de cidade em cidade para ler as notícias de jornal para as pessoas. Um belo dia, ele encontra um homem negro enforcado e, com ele, uma menina lourinha que falava o idioma indígena Kiowa. Kidd analisa os documentos dela e percebe que a mocinha é de origem alemã, tendo tios a uma grande distância dali. O nome da garotinha é Johanna (interpretada por Helena Zengel) e Kidd decide fazer a longa viagem para levá-la para seus parentes. O grande problema é que ele vai passar por muitos perigos nessa viagem, o que vai fazer que os dois estreitem seus laços, à despeito da barreira linguística.

O filme aborda o estado de penúria dos Estados Unidos logo depois da Guerra Civil, enfocando especialmente o povo texano, que se sentia reprimido pelos yankees (ou azuis, como eram chamados no filme, em virtude do uniforme militar). As marcas da guerra ainda estavam muito recentes, e, se ainda há um ressentimento muito grande com relação a tudo isso hoje em pleno século vinte e um, imagine-se como não seria uns poucos anos depois de findada a guerra. Podemos ver todo esse ressentimento quando Dill lia notícias aos texanos de origem federal, onde a contestação era muito forte, e tudo isso sob os olhos de soldados yankees. Dill precisou ter um grande jogo de cintura, falando ao grande público prestes a explodir que a guerra realmente fez todos sofrerem bastante, sendo a voz que se solidarizava com o sofrimento coletivo.

Mas nem tudo é somente a dor do sofrimento. Por outro lado, vemos também todo um ódio contido nos mesmos texanos contra índios e negros e o surgimento de um comportamento muito autoritário, sobretudo num pequeno vilarejo controlado por uma espécie de ditador doméstico, que exigiu que Dill exaltasse seus grandes feitos perante a cidade. Mas nosso protagonista, acometido de um arroubo democrático com pouco espaço fértil para isso, decidiu colocar em votação as notícias que o público queria escutar, quase sendo morto por essa “provocação”. Aliás, esse é um filme que tem lá seus momentos de ação, mas somente como uma moldura para o relacionamento entre Dill e Johanna, a grande atração da película.  

Dill, apesar de ser um contador de histórias, fazia questão que a menina esquecesse seu passado traumático (ela teve sua família alemã massacrada pelos índios e depois sua família índia massacrada pelos brancos) e olhasse para a frente, sem olhar para trás. Entretanto, a menina diz que, para seguir adiante, precisa-se primeiro olhar para trás. São realmente duas formas de se lidar com um passado violento, onde talvez a segunda seja a mais coerente, pois é muito difícil a gente encarar a nossa vida sem as experiências pregressas.

Dill era solitário, pois perdeu tudo na guerra, até a esposa, morta pela cólera. Mas ele sente que foi mais a praga da guerra que se abateu sobre ele, ratificando a ideia já citada de como o conflito deixa marcas em todos, inclusive em nosso protagonista. Por fim, ele descobre que pode criar um verdadeiro núcleo familiar com a menina, e que deixá-la com os tios foi um erro. Ele volta a tempo para corrigir isso e garantir o happy end nesse western de fim de século que na verdade se passa no sul dos Estados Unidos.

Hanks está fenomenal como sempre, mas a surpresa é a menina Helena Zengel, que falava e cantava em idioma indígena. A química entre os dois personagens foi perfeita, pois eles se uniram nas adversidades que a viagem trouxe.

Dessa forma, só lamento que “Relatos do Mundo” não tenha tido mais indicações. Uma indicação de Melhor Ator e Atriz Coadjuvante não seria nenhum exagero. As indicações para os Oscars técnicos correspondem, mas ficou um gostinho de quero mais pela beleza e teor cativante do filme.

Quando falamos de Rian Johnson, a primeira palavra que vem às nossas mentes é polemica, sobretudo em virtude do Episódio 8 de “Guerra nas Estrelas”. Uns gostaram, outros não (me incluo no segundo grupo). O que acabou acontecendo é que Johnson foi retirado da franquia, mesmo ele tendo sido designado previamente para cuidar da nova trilogia nos anos vindouros. Após toda essa decepção, Rian Johnson veio com uma excelente película, daquelas bem arrebatadoras, que é “Entre Facas e Segredos”, uma história policial à moda antiga onde um assassinato precisa ser esclarecido, havendo uma lista enorme de suspeitos além de outros personagens interpretados por um baita de um elenco: Ana de Armas (de “Blade Runner, 2049”), Daniel Craig, Christopher Plummer, Frank Oz, Jamie Lee Curtis, Michael Shannon, Don Johnson, Toni Collette, Chris Evans, M. Emmet Walsh. Esse filme concorreu ao Oscar de Melhor Rpteiro Original. Para podermos falar da película, vamos precisar lançar mão de spoilers.

A trama gira em torno da morte de Harlam Thrombey (interpretado por Plummer), um escritor que conseguiu montar uma fortuna com a venda de seus Best Sellers e uma editora. A policia investiga a morte e o investigador Benoit Blanc (interpretado por Craig) é chamado como consultor. Nos interrogatórios, vemos que filhos, genro, netos, bisnetos, todos têm alguma motivação contra Thrombey mas não a ponto de matar o patriarca na visão da polícia, embora, por meio de flashbacks, percebamos que a coisa podia ser um pouco mais complicada. Uma peça chave na história é Marta Cabrera (interpretada por De Armas), a cuidadora de Thrombey que, acidentalmente, injetou uma alta dose de um medicamento que mataria o idoso em questão de minutos. Este então usou seus últimos minutos de vida para pensar num álibi, bem ao estilo de seus romances policiais, para livrar Cabrera de qualquer culpa sobre sua morte. Mas a história não seria tão simples assim e muitas reviravoltas aconteceriam, envolvendo inclusive, o mal intencionado Ranson (interpretado por Evans), que finge se aproximar de Cabrera. O detalhe cômico aqui é que Cabrera não consegue mentir, tendo um acesso de vômito toda vez que tenta encobrir alguma coisa.

Esse é o tipo do filme que necessita de uma grande atenção do espectador, pois a trama é muito tortuosa e elaborada, mostrando o bom trabalho de Rian Johnson, que assina o roteiro e a direção. O elenco estelar também ajuda muito, pois a gente vê todo um rosário de artistas muito talentosos fazendo os personagens. Outra atração à parte são os muitos plot twists do filme, que parece esclarecer a trama da morte do patriarca antes mesmo da metade da exibição, mas que trouxe muitas viradas e surpresas à medida que a história ia se desenrolando e onde a maioria dos personagens foi relativamente bem usada e tinha a sua importância no desenvolvimento da história.

Dessa forma “Entre Facas e Segredos” é um trabalho que consegue redimir a carreira de Rian Johnson depois da má impressão que ficou dele em “Guerra nas Estrelas”. Se a fórmula usada não foi tão original (já vimos tramas policiais cheias de personagens interpretadas por um grande elenco em outras ocasiões), ainda assim é uma receita que dá certo e é muito bem vinda quando novamente usada. Vale a pena dar uma conferida.

Um filmaço. “Batalha das Correntes” fala da disputa comercial entre Thomas Edison (interpretado por Benedict Cumberbatch) e George Westinghouse (interpretado por Michael Shannon) pelo controle do uso da energia elétrica, algo que provocaria uma verdadeira revolução tecnológica na virada do século XIX para o século XX. Para que possamos compreender melhor o filme, vamos precisar de spoilers.

O que podemos dizer inicialmente é que, em termos de celebridade, Edison era muito mais famoso do que Westinghouse, pois foi atribuída ao primeiro a invenção da lâmpada elétrica. Entretanto, Westinghouse teve o mérito de lançar mão da corrente alternada para levar a eletricidade aos pontos mais distantes das usinas elétricas, embora ela pudesse ser letal em caso de acidentes. Edison, por sua vez, preferia usar a corrente contínua, bem menos perigosa, mas de alcance muito limitado. Revoltado por ver Westinghouse desenvolver sua invenção, Edison o atacava de todas as formas, acusando o empresário de usar uma forma de energia letal. Westinghouse, por sua vez, adotava uma postura bem menos agressiva e até almejava uma parceria com Edison. A grande verdade é que o empreendimento de transformar a invenção da energia elétrica num uso de escala industrial e irrestrita a todos, ricos ou pobres, era algo extremamente custoso que quase levou os dois à falência. E o filme descortina essa competição, com lances inusitados como, por exemplo, usar a eletricidade como uma forma mais humanitária de execução, onde foi criada a cadeira elétrica, em contraponto aos enforcamentos onde o pescoço do condenado ainda tinha que ser quebrado caso ele não morresse de imediato no cadafalso. Nesta questão, Edison foi contra as próprias convicções (não usar suas invenções para provocar a morte de pessoas) em virtude da sua competição feroz com Westinghouse. Mas o filme deixa a entender que o objetivo de se usar a eletricidade de forma ampla foi conseguido, principalmente da ocasião da Feira Mundial de Chicago, toda iluminada com energia elétrica. O desfecho também aponta para um happy end, onde um possível entendimento de Edison e Westinghouse se vislumbrou no ar. No meio desses dois gigantes empresários, também tivemos a presença de Nicola Tesla (interpretado por Nicolas Hoult), que foi o primeiro a pensar o uso das Cataratas do Niágara como força motriz para um motor elétrico, sendo o precursor das conhecidas usinas hidrelétricas de hoje. O desfecho do filme também mostra, com imagens reais, o que aconteceu com os protagonistas. Westinghouse ficou com os méritos do uso de energia elétrica em larga escala com a ajuda de Tesla, mas este terminou a vida quebrado, ao passo que Edison ficou com a fama de ser o inventor do cinematógrafo.

O grande detalhe desse filme é o elenco. É um rosário de atores que fizeram personagens da Marvel. Além de Cumberbatch e Hoult, tivemos também a presença de Tom Holland no filme, interpretando o braço direito de Edison. Mas a grande surpresa aqui foi ver Michael Shannon finalmente não interpretando um vilão. Aliás, se compararmos Edison e Westinghouse no quesito caráter, o segundo era muito mais virtuoso que o primeiro, e é legal ver Shannon escapando do estereótipo do mau.

Dessa forma, “A Batalha das Correntes” é um grande filme que merece a atenção dos cinéfilos, pois ele fala da história real de um passo muito importante da revolução tecnológica da virada do século XIX para o século XX com a ajuda de um bom elenco. Um filme sem mocinhos ou bandidos, mas que ainda assim tem personagens com suas virtudes e defeitos. Vale muito a pena dar uma conferida.

Quando a gente vê o trailer de “O Farol”, já dá para perceber de que se trata de uma coisa diferente. Um filme em preto e branco com Willem Dafoe e Robert Pattinson isolados numa ilha, com o primeiro aos gritos com o segundo, que responde serenamente. A curiosidade logo vem à tona. E, ai, o filme estréia e a gente vai lá conferir. Essa película concorreu ao Oscar de Melhor Fotografia, perdendo para o filme “1917”. Para podermos falar sobre essa película, vamos lançar mão de spoilers.

O plot é muito simples. Thomas Wake (interpretado por Dafoe) e seu subordinado Thomas Howard (interpretado por Pattinson) tomam conta de um farol na costa da Nova Inglaterra no final do século XIX. As condições são extremamente adversas com uma tempestade que impede a vinda de uma embarcação para levá-los de volta ao continente, o que os obriga a viver sob um forte racionamento. É claro que eles vão pirar geral na batatinha a ponto de surtarem violentamente, o que será a ruína dos dois.

Falando dessa forma extremamente simplória, parece que o filme não tem a menor graça. Mas é no processo paulatino de loucura dos protagonistas que a coisa mostra a sua força. Se, em alguns momentos, vemos a coisa com uma certa graça e tons de comédia, na imensa maioria das vezes o desenrolar da insanidade é altamente tenso e destrutivo, agredindo o espectador com maestria pelo inusitado e até pelo escatológico. Mas a grande e grata surpresa desse filme é que ele resgata a boa tradição dos melhores filmes expressionistas alemães da década de 20. Senão vejamos. Do ponto de vista narrativo, temos violentas explosões de paroxismo onde os personagens não poupam o desespero. Se nos filmes expressionistas mudos não se havia a oportunidade de se trabalhar muito os diálogos, aqui a coisa foi muito bem trabalhada, com falas altamente rebuscadas e complexas, beirando o barroco, um estilo artístico que usava com maestria os duplos antagônicos, assim como o romantismo e o expressionismo.

Os dois personagens, o patrão que oprime e o empregado oprimido são também a representação desses duplos que, esteticamente aparecem nos claros e escuros da fotografia preta e branca magistral da película, ambientada sempre em ambientes mais escuros do que claros, o que contribuiu para o clima soturno da coisa. Ainda, no expressionismo era corrente o uso de alucinações dos personagens para expressar estados da alma e externar sentimentos. Aqui isso é usado com muita força, principalmente nas alucinações de Howard com as fantasias sexuais com a sereia, assim como nos pesadelos dos personagens, no fato de um assumir a identidade do outro em alguns momentos e um culpar o outro acusando-o de cometer algo que ele próprio cometeu (por exemplo, Wake destrói o barco que poderia levar à fuga da ilha mas culpa Howard por isso). Todos esses momentos delirantes abordam os estados da alma e o subjetivo, ao bom estilo expressionista.

Dessa forma, se “O Farol” provoca todo um estranhamento pelo agressivo inusitado sobre o espectador, por outro lado podemos dizer que essa película foi a melhor experiência expressionista bem à moda antiga que tivemos nos últimos anos. Tudo isso regado à uma atuação magistral de Dafoe e Pattinson, que roubam a cena, juntamente com a belíssima fotografia. Vale muito a pena dar uma conferida.

Mais um filmaço que concorreu ao Oscar. “Jojo Rabbit”de Taika Waititi, disputou seis estatuetas (Melhor Filme, Melhor Atriz Coadjuvante para Scarlett Johansson, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Figurino, Melhor Montagem e Melhor Direção de Arte ou Design de Produção). A película ganhou uma estatueta de Melhor Roteiro Adaptado. Esse filme é baseado no romance de Christine Leunens “Caging Skies” e é mais uma película que faz parte do rol interminável de filmes sobre a Segunda Guerra Mundial. Para podermos falar do filme, vamos lançar mão de spoilers aqui.

O plot se passa na Alemanha, numa pequena cidade e numa época em que os nazistas já estão perdendo a guerra. Um menininho, Jojo (interpretado por Roman Griffin Davis) faz parte da juventude nazista e está muito antenado com a ideologia do partido, ao ponto de ter o próprio Adolf Hitler como amigo imaginário (interpretado de forma magistral pelo próprio Taika Waititi). Só que ele acaba sendo humilhado pelos nazistas quando se nega a matar um inocente coelhinho, o que lhe rendeu o apelido de Jojo Rabbit. Estimulado pelo seu Hitler imaginário, ele tenta recuperar a honra, e vai à toda para uma ação militar do grupo, se explodindo com uma granada. Ao se recuperar em casa, ele passa um tempo com sua mãe Rosie (interpretada por Scarlett Johansson) e descobre, aos poucos, que ela faz parte da resistência contra os nazistas e esconde uma garota judia em casa, Elsa (interpretada por Thomasin McKenzie). Os dois iniciam uma relação um tanto conturbada que, aos poucos, vai se tornando próxima, amigável e amável, à medida que os horrores da guerra vão destruindo a visão idílica de nazismo que o menininho tinha.

Esse é um filme que desperta vários sentimentos na gente. Inicialmente, rimos muito com as troças que a película faz com a ideologia nazista, mostrando como ela é completamente imbecil e sem sentido, tudo isso regado na visão das crianças que não conseguem enxergar toda a malignidade da coisa e levam tudo isso como se fosse participar de um grande clube ou uma colônia de férias. Mas, aos poucos, o filme vai ficando mais sério, onde o nazismo começa a mostrar sua verdadeira cara, Podemos ver isso na própria sequência do coelhinho onde o instrutor nazista, antes de ridicularizar Jojo, mata friamente o coelho quebrando-lhe o pescoço. Ou no momento em que todos passam a tratar Jojo como algo feio devido às suas cicatrizes no rosto em virtude da explosão. O próprio Hitler imaginário de Jojo num primeiro momento é infantilizado, mas com o passar do tempo, se torna o Hitler agressivo que todos conhecemos. Mas o grande trauma de Jojo acaba sendo o fato dele ver sua mãe enforcada na rua com outras pessoas que lutavam na guerra. Justamente sua mãe que era símbolo de tudo o que o nazismo repudiava. Mesmo com toda essa escalada de violência, a visão infantil com pitadas de humor consegue resistir por toda a película, o que ajuda o filme a fluir com uma certa suavidade, apesar de tudo.

Temos um baita elenco aqui. Scarlett Johansson faz jus a mais uma indicação ao Oscar (ela foi também indicada a melhor atriz por “História de um Casamento” além de ter sido indicada para o Globo de Ouro por esse mesmo filme, nossa Viúva Negra está podendo muito ultimamente). Sua mãe Rosie, que faz de tudo para tirar o seu filho das garras da ideologia nazista, mostrando-lhe um mundo lúdico e buscando superar a perda do marido e da filha, está irretocável e deliciosa, mas foi uma disputa pesada com a vencedora Laura Dern em “História de um Casamento”. Ainda temos Rebel Wilson, na pele de Fraulein Rahm, fazendo um baita papel cômico e responsável, em boa parte, de mostrar como a ideologia nazista é estúpida. E, por fim, Sam Rockwell, que interpreta o Capitão Klezendorf, o responsável pelo acampamento da juventude nazista, e que deixa de forma bem clara que é homossexual, não compactuando em nada com a ideologia nazista, fazendo também uma boa participação cômica no filme (ele irá salvar Jojo e Elsa em mais de uma ocasião).

Dessa forma, “Jojo Rabbit” foi mais um grande filme que concorreu ao Oscar esse ano e merece toda a nossa atenção. Mais um filme de Segunda Guerra Mundial, mas que aborda um tema tão pesado quanto o nazismo e o genocídio, mas do leve ponto de vista da visão infantil, sem, entretanto, mascarar os horrores da guerra. Um filme imperdível.

Clint Eastwood está de volta à direção de mais um filme polêmico, como só ele gosta de fazer. “O Caso Richard Jewell” é baseado numa história real de terrorismo quando atentados não eram exatamente um trauma profundo nos Estados Unidos, ou seja, durante as Olimpíadas de Atlanta em 1996. Esse filme rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante para Kathy Bates Para podermos falar um pouco dessa película, vamos lançar mão de spoilers aqui.

O plot gira em torno do Richard Jewell em questão (interpretado por Paul Walter Hauser), que, no longínquo ano de 1986, era funcionário de almoxarifado de uma firma onde conhece o advogado Watson Bryant (interpretado pelo ótimo Sam Rockwell). Os dois começam uma amizade, mas Jewell logo deixa o emprego, pois quer trabalhar na área de segurança. Enquanto ele é o segurança de uma Universidade, quer levar o seu trabalho ao pé da letra e, por isso, entra em conflitos com o reitor da Universidade, sendo demitido por isso. Ele quer retomar a carreira de segurança para poder ser policial, o seu grande sonho, e faz um bico de segurança nos Jogos Olímpicos, onde descobre uma mochila com uma bomba durante um show de música. A bomba explode, faz muitos feridos e dois mortos, mas mesmo assim Jewell é considerado um herói, pois sua descoberta do artefato evitou as mortes de muitas pessoas. Entretanto, o FBI, responsável pela segurança, falhou em proteger as pessoas e precisava mostrar rapidez na elucidação do atentado. Assim, a polícia federal americana buscou incriminar Jewell pelo atentado, que pediu a ajuda de seu antigo amigo Bryant. A partir daí, vemos os dois lutando simplesmente contra o governo americano e com toda uma mídia, que já praticamente o tinha condenado pelo crime, crime esse passível de execução.

Esse é um filme que desperta sentimentos muito conflitantes. Nosso personagem protagonista é representado como uma pessoa de boa índole, cumpridora de seus deveres e que respeita a hierarquia mas, ao mesmo tempo, ele é o paradigma da sociedade belicista americana, sendo um segurança que, ao querer impor a ordem a todo custo, pode abusar de sua autoridade, como foi no caso da forma em que ele tratou os alunos da Universidade. Entretanto, esse ato mais truculento de Jewell é “justificado” no filme pela falta de respeito e bullying dos estudantes contra ele. De qualquer forma, nosso simpático protagonista tem atitudes pouco virtuosas, como manter um arsenal em casa para caçar veados, por exemplo. De qualquer forma, ele é o protagonista do filme, que também sucessivamente pisa na bola, tomando atitudes que em nada contribuem para sua defesa – muito pelo contrário até – para o desespero de Bryant, seu advogado.

O filme também chama a atenção para um problema que temos visto muito ultimamente por aí: o poder que a mídia possui para, simplesmente, destruir a vida de uma pessoa. Infelizmente, a mídia, volta e meia, acusa, julga e condena um “escolhido” num espaço de tempo de um telejornal ou a leitura de uma manchete nas bancas, isso sem o menor direito de defesa para o acusado. Foi o que vimos aqui e vemos muitas outras vezes no nosso dia-a-dia. Não é à toa que a mídia tem a pecha (negativa, diga-se de passagem) de “quarto poder”. É claro que a coisa ficou um pouco romantizada aqui, pois a personagem que representava toda a venalidade da mídia, a repórter Kathy Scruggs (interpretada por Olivia Wilde), se arrepende de seus atos em acusar Jewell, quando sabemos que na vida real algumas figuras da mídia podem ter um comportamento muito menos ético.

Tivemos um baita staff de atores. Nem é preciso falar muito de Sam Rockwell, que já foi laureado com um Oscar de Ator Coadjuvante. O homem rouba a cena e consegue fazer um par perfeito com Paul Walter Hauser, que surpreende, e muito, nesse filme. Jewell é um personagem bem complexo e deve ter sido bem difícil de fazê-lo. Também não podemos nos esquecer de Kathy Bates, que faz a mãe de Jewell, e teve um carisma todo especial, apesar de seu papel mais periférico na história, embora ela tenha tido um destaque todo especial num momento específico do filme. 

Dessa forma, “O Caso Richard Jewell” é mais um bom filme de Clint Eastwood, que desperta em nós vários sentimentos. Se as intenções de nosso protagonista podem ser sinceras, ele representa um estrato social problemático da sociedade americana. Entretanto, isso não justifica a posição de bode expiatório em que ele foi colocado nem o linchamento moral promovido pelo governo e pela imprensa, que inclusive poderia condená-lo à morte. Um programa imperdível.