Categoria: cinema

O Cine Joia de Copacabana promoveu, no mês de agosto, uma exibição gratuita do filme “Mangue Bangue”, com a presença de seu diretor, Neville D’Almeida. Considerado o cineasta mais interditado, boicotado e censurado do país, Neville, ao fazer “Mangue Bangue”, já tinha sofrido com a censura da ditadura militar e tomou uma decisão drástica: fez um filme do jeito que quis e não o submeteu à censura, levando-o para fora do país de forma clandestina para ser finalizado por lá. Nas idas e vindas da vida, o filme acabou no MoMA de Nova York, e ficou por lá muitos anos esquecido, até ser finalmente resgatado. Essa exibição recente promovida pelo Cine Joia tem um quê histórico, pois foi a primeira vez que o filme, produzido no início da década de 70, teve uma exibição pública no Rio de Janeiro.

E o que podemos falar desse filme? Neville, em suas próprias palavras, definiu o cinema como a arte da hipocrisia, onde visões de ordem mais moral, artística e estética ditam as regras. O cineasta, então, procurou fazer um filme mais ligado à realidade nua e crua cotidiana, vista com repulsa por parâmetros mais moralistas e autoritários. Assim, Neville retrata em seu filme a pobreza, a nudez, o consumo de drogas, a luta pela sobrevivência, a decadência humana, mas não com a intenção de agredir o espectador e sim naturalizar e humanizar a realidade cotidiana. O diretor tem a feliz escolha de fazer um filme mudo, onde a linguagem se ampara quase que totalmente na materialidade das imagens, sendo que não temos uma narrativa tradicional de uma história coesa com início, meio e fim, mas sim a explanação de várias situações e ideias, onde as associações entre as imagens dão as cartas.

Temos, por exemplo, cenas de consumo de drogas intercaladas com uma rinha de galos, esta última vista como uma alegoria da luta pela sobrevivência, ou a cena de uma mãe amamentando o filho. É impossível não se lembrar da repercussão, muito atual, e vista como negativa por parte de algumas mentes mais conservadoras, sobre as mães que amamentam seus filhos publicamente. Assim, essas imagens que são alegorias de ideias se aproximam muito, por exemplo de um Mário Peixoto, tal como vimos em sua obra “Limite”. Outro detalhe interessante foi a escolha da trilha sonora, com direito a suaves chorinhos ou até um Beethoven, usados, segundo o diretor, para humanizar imagens muito alvejadas por preconceitos impostos por visões mais conservadoras. Assim, a trilha sonora consegue a façanha de tornar idílicas as imagens de um grupo de travestis mergulhados na miséria, por exemplo.

O único arremedo mais coeso de narrativa estava na história de decadência de um personagem interpretado por Paulo Villaça. Corretor na Bolsa de Valores, ele começa a se sentir mal dentro do pregão (uma alegoria da venalidade do sistema capitalista) e sai de lá, expelindo pela boca jatos e jatos de vômito, terminando por se jogar na rua e numa poça de lama e esgoto, que nada tinha de cenográfica. Na rua, encontra a personagem interpretada por Maria Gladys, que rouba para sobreviver e se droga para ainda viver. É nesse momento que o sorriso volta à Villaça, como se o estilo de vida mais simples (e, por que não, prosaico?) dos menos favorecidos mostrasse a existência de um outro mundo diferente do que ele conhecia.

A jornada do personagem de Villaça prosseguiu até o estado mais anímico possível onde, com a ajuda dos dedos, ele sentia o cheiro de sua cavidade anal e genitália (nas palavras do próprio Neville, no documentário de Mario Abbade, “Quem nunca enfiou o dedo no cu e cheirou?”), terminando por vermos o personagem defecando no mato, se limpando no rio e sumindo no interior da floresta. Ou seja, o humano reprimido pelas convenções do capitalismo e do moralismo conservador se liberta, em todo o seu processo de decadência, tornando-se instinto puro.

Para quem ainda considera Neville, de uma forma bem reducionista, imoral, indecente e asqueroso, “Mangue Bangue” mostra justamente o contrário lá nas entrelinhas. Neville é visceral, sem hipocrisia, podendo ser até agressivo aos mais sensíveis. Mas ele humaniza os excluídos, naturaliza o que é rechaçado pelo conservadorismo moralista, mostrando tudo o que o cinema mais tradicional não tem coragem de mostrar. Sistematicamente atacado e silenciado, Neville não abaixou a cabeça e continuou acreditando em sua arte e visão de mundo. Um cineasta cruelmente relegado ao esquecimento pelo establishment. Esperemos que tal injustiça histórica seja corrigida no futuro e ainda em vida.  

Uma arrebatadora co-produção França/Bélgica/Geórgia. “Filhas do Sol” fala sobre mulheres. Mas não de forma simplória. Estamos aqui no contexto de uma guerra civil, no fragmentado conflito do Oriente Médio, onde populações inteiras matam e morrem por quinhões secos de terra que são seus países. Mas a luta vai a um nível mais profundo. Vemos também a busca pela reconstrução impossível em sua plenitude, de um passado perdido. Vamos precisar de spoilers aqui.

O cenário é o norte do Curdistão. As pessoas daquele país estão em guerra com o Estado Islâmico. Banhos de sangue e carnificinas fazem parte da rotina diária. Uma advogada, Bahar (interpretada pela belíssima e insuperável Golshifteh Farahani), é surpreendida numa festa de sua família pelos membros do Estado Islâmico, que executam todos os seus homens (inclusive o seu marido), sequestram o seu filho pequeno para a causa e ainda mantém a moça, juntamente com várias outras mulheres como escravas sexuais. Bahar vê na TV, enquanto está no cativeiro, que uma antiga professora universitária sua participa de um movimento que liberta essas mulheres e anota um número de telefone que sua professora passa pelo programa de TV. Ela consegue fugir com a ajuda de sua professora e entra na resistência curda contra o Estado Islâmico, liderando um batalhão feminino conhecido como “Filhas do Sol”, composto somente de mulheres que passaram por uma situação igual à dela, lutando na linha de frente. Bahar irá conhecer uma jornalista francesa, Mathilde (interpretada por Emmanuelle Bercot), que irá testemunhar e registrar a ação do grupo. Bahar também tem a esperança de, no meio de todas essas batalhas sangrentas, recuperar o filho sequestrado.

O filme mescla cenas de batalha das Filhas do Sol contra o Estado Islâmico e flash-backs que ajudam a gente a entender a trajetória pregressa de Bahar, desde os seus dias confortáveis de advogada com família estável, passando pelo pesadelo de ser capturada pelo Estado Islâmico, a fuga e a entrada no movimento guerrilheiro. O mais curioso aqui é que o Estado Islâmico considera a morte em batalha uma ida para o paraíso, mas isso não ocorre se o soldado for morto por uma mulher. Logo, a carga simbólica do movimento armado feminino já é uma luta contra o machismo e a misoginia desde o início. E as mulheres ainda têm a oportunidade de “largar o aço” nos seus estupradores e escravizadores. Mesmo lutando ferozmente e combativamente, as guerrilheiras não perdem a ternura, havendo uma forte ligação emocional entre elas, celebradas em cantorias à beira das fogueiras, ao bom estilo da cultura árabe e beduína. Elas também não rechaçam a sua origem muçulmana, apesar de todo o fanatismo do ISIS. E são mais impetuosas e corajosas que os homens. Bahar tem desentendimentos com o comandante do exército masculino que ajuda seu grupo e, muitas vezes, as mulheres combatem sem qualquer ajuda masculina, o que ajuda ainda mais a aumentar o mito em cima de seu heroísmo. E pensar que vemos aqui um filme baseado em fatos reais, com nomes sendo trocados para garantir a segurança das pessoas que ainda estão por lá, lutando no front. Só da gente pensar nisso, já é de arrepiar.

Agora, o desfecho é que pareceu falso, pois Bahar conseguiu encontrar o seu filho. E aí, eu me pergunto: será que isso aconteceu mesmo na vida real, com a vida imitando a arte? Espero que sim. Só deixaria as coisas mais espetaculares ainda.

Dessa forma, “Filhas do Sol” é um programa imperdível e obrigatório, pois fala de um batalhão de mulheres que não se deixou vitimizar num mundo extremamente misógino e machista, indo literalmente à luta. Um filme onde o senso de companheirismo e carinho não se deixa desvanecer nas agruras do campo de batalha. Um filme de Bercot, mas, principalmente, de Farahani essa atriz bela e adorável. Não deixe de ver.

Um curioso filme brasileiro. “Hebe, A Estrela do Brasil” traça a trajetória da apresentadora Hebe Camargo nos difíceis anos da redemocratização brasileira, quando a censura ainda dava o ar da sua (des) graça e a sociedade machista da época não engolia de jeito nenhum as atitudes altamente afrontosas e provocativas da celebridade televisiva, que não tinha papas na língua e fazia de tudo para se impor, custe o que custasse. Para podermos entender o filme, vamos precisar de spoilers aqui.

Em primeiro lugar, foi elencado um recorte temporal, que mostra os anos de Hebe na TV Bandeirantes e, posteriormente, os primeiros anos de seu programa no SBT. Assim, podemos esquecer, pelo menos por aqui, sua infância e velhice. O filme realmente se debruçou mais nas querelas que ela teve com a censura, onde os censores não engoliam a participação de performers ou transexuais em seu programa (a apresentadora já utilizava esses termos na época, numa prova de que ela estava realmente à frente de seu tempo). Hebe (magistralmente interpretada por Andréa Beltrão) tinha discussões fortes com Walter Clark, pois este último tinha que pisar em ovos com os censores enquanto que a apresentadora conduzia seu programa como queria na TV. A gota d’água foi um programa onde Dercy Gonçalves e Roberta Close apareceram juntas e a atriz veterana mostrou os seus seios ao vivo. Cansada de tantas pressões, Hebe pediu demissão em pleno programa, causando comoção geral. Mas, em pouco tempo, ela seria contratada por Silvio Santos (interpretado de forma surpreendente por Daniel Boaventura) e voltou aos holofotes, não sem provocar novos problemas, agora criticando “alguns” políticos do Congresso Nacional, o que quase lhe custou uma prisão.

Uma coisa tem que ser dita aqui com todas as letras. Esse talvez tenha sido o melhor trabalho da carreira de Andréa Beltrão. Nós, os velhos dinossauros, sempre tivemos um carinho enorme por essa atriz em virtude de sua personagem Zelda Scott em “Armação Ilimitada”. Mais recentemente, ela se destacou como a Marilda de “A Grande Família”. Mas seu talento explodiu todas as escalas em “Hebe”. Dá para perceber como a atriz estudou a fundo sua personagem. Tão a fundo que a gente via a Hebe na nossa frente em todos os seus trejeitos, mesmo com Andréa Beltrão não se parecendo em nada com ela fisicamente. Foi algo semelhante ao que aconteceu com Rami Malek em “Bohemian Rhapsody”, mas muito, muito melhor. Beltrão conseguiu mostrar com perfeição os dois lados de Hebe Camargo: aquele lado que a gente conhece, da mulher comunicativa, extremamente simpática e combativa, desafiando a tudo e a todos e se impondo em toda a sua plenitude; e um lado extremamente frágil, onde ela poderia ter crises de choro ao ver uma crítica negativa sua na televisão ou ser tratada com violência pelo seu marido em crise de ciúmes (também magistralmente interpretado por Marco Ricca, um ator que funciona enormemente bem no cinema). Ou seja, é um filme que foi além da celebridade, que abordou também a figura humana, com todas as suas fraquezas.

Apesar da película mostrar uma Hebe combativa e perseguida pela censura, o filme não fugiu da polêmica e lembrou do apoio da apresentadora a Paulo Maluf, conhecido pelas acusações de corrupção. Nesse momento a gente não pode se esquecer de falar da ótima atuação de Caio Horowicz como Marcelo, o filho de Hebe, sempre uma companhia afetiva e próxima da mãe, que não concordou com esse apoio dela a Maluf e abandona o jantar em que a mãe estava com o político para passar o natal com os empregados da casa a quem tratava com muita amizade, amor e carinho, sendo esse um aspecto muito legal do filme, embora o filho de Hebe tenha dito que não fazia festa com os empregados, apesar de ser próximo deles. Não podemos nos esquecer também da boa atuação de Danton Mello, que fazia o sobrinho de Hebe, uma espécie de braço direito da apresentadora.

Assim, “Hebe, A Estrela do Brasil” é um programa imperdível que nos ajuda a desmistificar e entender um pouco mais parte da trajetória dessa grande celebridade da mídia que tivemos e que agora podemos conhecer um pouco mais. Vale muito a pena dar uma conferida, principalmente pelo trabalho majestoso de Andréa Beltrão.

Um importante documentário brasileiro para nossos tempos sombrios. “Torre das Donzelas”, de Susanna Lira, fala do cotidiano de um presídio feminino conhecido como “Torre das Donzelas” durante a época da Ditadura Militar. Quarenta anos depois, as ex-presas políticas se reencontram num cenário que reproduzia o cárcere tal como elas contaram para a produção do filme, o que causou muita emoção. Vale ressaltar aqui que uma das ex-presas políticas é a ex-presidente Dilma Rousseff, que também deu vários depoimentos.

E, como não podia deixar de ser, a primeira coisa a ser dita por elas depois do reencontro no “cárcere” foram as bárbaras torturas que sofreram além da forma extremamente machista e misógina com que os torturadores tratavam as presas. Havia, inclusive, filhos de presas que eram torturados para que as mães pudessem fornecer os nomes de quem eles procuravam, o que significava a morte certa dos delatados. Dilma, inclusive, relatava a semelhança dos porões das torturas com campos de concentração, num lugar ironicamente chamado de “Paraíso”. Ela também disse que o negócio não era pensar como um herói e aguentar a tortura por um dia, mas sempre em doses homeopáticas: posso aguentar cinco minutos, depois mais quatro, mais três, e por aí vai.

O relacionamento entre as prisioneiras também é relatado no filme. Elas limparam as celas que estavam num estado fétido, reorganizaram o espaço para ficar uma coisa mais humana e que pudesse aumentar mais a união entre elas, conseguiram um fogão para cozinhar, faziam crochê, exercícios físicos. Valia tudo para poder passar por todo o tormento de se estar na prisão. Um detalhe que chamou a atenção foi durante a Copa de 70, quando elas tiveram acesso a um aparelho de TV para ver os jogos da seleção brasileira, mas no noticiário, havia o tormento de saber que alguns companheiros da guerrilha haviam caído em combate, o que poderia ter sido resultado de delações de quem não aguentou a tortura, o que era algo muito difícil pois quem delatava ou não tinha forças para aguentar a tortura era rechaçado pelo movimento do qual fazia parte.

A prisão também foi um espaço de formação intelectual. Dilma, por exemplo, conseguiu ter acesso a muitos livros de forma clandestina e aproveitou o tempo na prisão para ler e se formar politicamente. Seu grupo, a Vanguarda Armada Revolucionária Palmares, exigia que seus integrantes estudassem, e foi o que ela fez na prisão, até para se esquecer um pouco de que estava lá. Mas uma vez chegou para as prisioneiras um baú cheio de vestidos de luxo vindos da mãe de uma prisioneira. Como resultado, elas começaram um desfile de moda dentro da cela e um dos responsáveis pela prisão, ao ver isso, decidiu dar a elas o direito a um banho de sol, pois, segundo as prisioneiras, ele já devia achar que as moças estavam pirando com tanto confinamento e torturas. Ou seja, se o documentário fala de temas altamente escabrosos como a tortura e a repressão, também há um espaço para pequenos momentos engraçados.

Dessa forma, “Torre das Donzelas” é mais um programa obrigatório, pois relata um período sombrio de nossa história e é mais um relato que vai contra a opinião daqueles que acham que não houve crimes na ditadura e que um estado de exceção é a melhor resposta para tempos de crise. Um documento importantíssimo que deve ter muita voz.

Mais um bom documentário brasileiro. “Uruguai na Vanguarda”, de Marco Antônio Pereira, faz uma radiografia do país vizinho e nos mostra como a América do Sul conseguiu produzir uma pequena joia de democracia e tolerância, apesar das intempéries conservadoras e autoritárias que varrem o continente desde sempre. Um país que já tem uma agenda progressista desde o início do século passado e que nem mesmo os anos de ditadura militar conseguiram arrefecer.

O ápice dessa onda progressista no Uruguai parece, pelo menos até agora, ter sido no governo do presidente José “Pepe” Mujica, um ex-preso político que doava 90% do seu salário de presidente para a caridade, morava numa casinha bem modesta, e que, durante o seu governo, houve grandes avanços, como o direito ao consumo controlado de maconha, o casamento entre pessoas do mesmo sexo e o direito ao aborto. Temos as entrevistas de muitas personalidades, dentre eles ativistas, professores, políticos, artistas, etc. Vemos até a manifestação de uma cultura africana no Uruguai, expressa pelo candombe, algo que não é muito divulgado por aí e que esse documentário reserva um tempo considerável. Só é pena que “Pepe” Mujica não tenha sido entrevistado exclusivamente para o documentário, que se limitou a mostrar imagens de arquivo dele juntamente com áudios de algumas de suas falas. Seria um depoimento obrigatório e inestimável para a película.

A grande impressão que temos quando vemos esse filme é que lá a democracia conseguiu dar certo na América Latina. Mesmo que, em todos os lugares tenhamos problemas sociais (o que aparece no filme também), o Uruguai conseguiu se colocar numa posição realmente de vanguarda, sendo não somente um exemplo para a América Latina, mas para o mundo também, nadando completamente contra a maré do conservadorismo reinante no mundo hoje. A diferença fica ainda mais gritante quando comparamos o país vizinho ao nosso e, confesso, dá até uma invejinha (no bom sentido do termo, é claro) de nossos hermanos celestes. Mas esse filme tem uma grande vantagem. Ele mostra que, quando a sociedade se mobiliza e luta pelo que quer e seus direitos, não há governo que possa segurar a vontade do povo, caso contrário ele está fadado a ser retirado do poder. O nível de consciência e engajamento político do povo uruguaio é gritante na película e mostra que é altamente possível a mobilização e a conquista de direitos sociais, dando à gente, que tem vivido em trevas absolutas, um pequeno sopro de esperança.

Dessa forma, “Uruguai na Vanguarda” é um filme obrigatório e um documento importantíssimo, pois mostra como a democracia e o progressismo são frutos de uma vontade política de uma sociedade mobilizada. Vale como exemplo para a nossa sociedade retrógrada, conservadora e letárgica.

Uma co-produção Japão/Uzbequistão/Qatar dirigida por Kiyoshi Kurosawa. “O Fim da Viagem, O Começo de Tudo” é um filme, no mínimo sufocante. Uma história de dar dó. E uma história que espelha bem a situação de choque cultural. Vamos lançar mão de spoilers aqui.

O plot é muito simples. Uma equipe da tv japonesa está no Uzbequistão e faz uma série de reportagens sobre o país. Quem protagoniza tudo isso é a jornalista Yoko (interpretada por Atsuko Maeda), uma moça pequenininha e tão frágil que parece que vai quebrar na menor brisa. Mas ela é muito profissional e cai no seu trabalho de cabeça. A moça produz, junto com a equipe, vários temas exóticos: tentar pescar um peixe de dois metros, experimentar a exótica culinária local com direito a arroz cru, andar num violento brinquedo de um parque de diversões, se aventurar pelo bazar local e se perder numa estranha cidade, e por aí vai. O choque cultural é muito forte, pois a população local sempre toma atitudes muito duras e inflexíveis com relação a tudo. Se, na frente da câmara, Yoko tem que mostrar muita alegria e energia, por trás ela desaba, pois está longe do namorado, tem um cotidiano muito penoso na viagem e sente que se distancia de seu verdadeiro sonho que é se dedicar à carreira de cantora. E assim, nossa Yoko leva as suas tarefas com muita coragem e profissionalismo, mesmo que isso corresponda a, praticamente, uma espécie de autoimolação.

Se o diretor Kiyoshi Kurosawa queria que a gente se compadecesse e sentisse pena da pequena Yoko, ele conseguiu. A rotina massacrante que a pequena jornalista enfrentava era praticamente uma tortura para ela. E logo a gente se solidariza e estabelece um elo com a personagem. Definitivamente, o momento mais agônico do filme está no violento brinquedo do parque de diversões onde ela é obrigada a ir três vezes consecutivas, mesmo sob os alertas do dono do brinquedo, que achava que a repórter tinha uma estatura de criança e que não poderia sobreviver ao forte impacto no corpo que o brinquedo provocava. Os gritos de Yoko chegavam a dar desespero. Foi uma coisa um tanto bizarra e até meio doentia ver tudo aquilo. Ponto para a atriz Atsuko Maeda, que, podemos dizer com convicção, é a estrela central onde toda a história do filme orbita.

As situações de choque cultural também eram bem marcantes. O povo uzbeque, com sua língua e seus hábitos muito diferentes, chegavam a aterrorizar Yoko, que, volta e meia, saía correndo pela cidade e tinha o incrível talento de se enfiar nos lugares mais ermos e escuros. É sintomática a situação em que ela, tomando imagens da cidade, é cercada por guardas que falam um idioma totalmente estranho e querem lhe tomar a câmara. Nesse momento, seu profissionalismo fala mais alto e ela foge, sendo perseguida e presa pela polícia. Não fosse a ajuda do intérprete, ela não teria como sair sozinha daquela situação, até por estar totalmente amedrontada. Como se tudo isso ainda não bastasse, ela ainda soube de um incêndio numa refinaria em Tóquio onde seu namorado (que é bombeiro) poderia estar e ter morrido, deixando-a sozinha, pois ela não falava com sua família. É muita judiação para uma japonesinha só!!!

Mas o filme tem momentos lúdicos. Um grande momento é quando o intérprete da equipe de TV sugere que eles façam uma reportagem no teatro da capital, que foi erguido por prisioneiros japoneses da Segunda Guerra Mundial. Um teatro em que Yoko esteve e onde se imaginou cantando. Só é pena que o diretor da equipe não tenha aceitado a ideia pois não seria atraente para o público do programa. Mas o mais lúdico foi o desfecho. Vemos Yoko cantando no alto de uma montanha, com uma linda paisagem ao fundo. Apesar de ter sido muito piegas, é até compreensível, uma espécie de prêmio de consolação para a moça, que sofreu tanto no filme. Isso sem falar que Maeda é uma artista pop nipônica.

Assim, “O Fim da Viagem, O Começo de Tudo”, é uma película que, apesar da tortura, vale a pena ser vista, principalmente em função da doce personagem Yoko, martirizada toda a vida, mas com quem a gente rapidamente se simpatiza e se solidariza. Experiência agônica, mas reflexiva.