Categoria: cinema

Quando soube do filme “A Prece”, achei que ele seria um saco, já que o plot era sobre um rapaz viciado em heroína que ia para uma espécie de clínica de reabilitação onde os jovens trabalhavam duro e entoavam cânticos religiosos o tempo todo. Já ia desistindo do filme, ao ler a reportagem sobre ele no O Globo, quando descobri que Hanna Schygulla apareceria no filme, mesmo que por uns poucos momentos. Foi o suficiente para ir assisti-lo. Típico caso em que a gente vai ao cinema para ver o ator ou atriz que a gente gosta, seja o que for que ele ou ela façam no filme.

Bom, o filme, dirigido pelo ator Cédric Kahn, era mais ou menos o que eu pensava mesmo, ou seja, um caminhão de clichês. O protagonista, Thomas (interpretado por Anthony Bajon), viciado em heroína, chega à fazenda, recebe as instruções de que a disciplina para recuperação será rígida, vai tentar dar uma escapadinha com um cigarro, vai dar um chilique e fugir ao ser solicitado a pedir desculpas, se apaixona por uma mocinha de uma vila próxima que o convence a voltar ao centro, torna-se o paciente exemplar, mas ainda sem Deus no coração, tem a revelação quando passa por um sufoco e quer ser padre.

Mais clichê, impossível. E tome Ave Maria para cá e para lá, para sacramentar a crença dos fiéis. Então, por que ver esse filme? É que, em alguns momentos, a coisa sai do clichê, seja nas piadas com Jesus Cristo, seja no final do filme, onde um pequeno plot twist acaba mexendo mais uma vez com nosso personagem protagonista. Muito pouco, é verdade, em face dos volumosos cânticos religiosos que permeiam boa parte do filme. Mas eu fui ao cinema para, acima de tudo, ver Schygulla que, mesmo envelhecida pelo tempo (ela já está na casa dos seus 74 anos), ainda mostra aquele sorriso doce e irresistível, coroado pelo azul piscina de seus lindos olhos.

Eu tive a oportunidade de cortejar (e babar muito) a atriz quando ela esteve no Festival do Rio de 2003. Naquela oportunidade, ela musicou um filme de Louise Brooks com um piano, algumas cordas e sua voz, e quase fui fulminado pelo azul dos olhos dela, que tanto vi como luzes numa tela. Eu, que tanto admirei aqueles olhos, naquele fugaz momento de 2003 acontecia o contrário: eram aqueles olhos que me viam. Confesso que um frio elétrico percorreu meu corpo inteiro naquele momento.

Mas, findo o parênteses do fã histérico e voltando ao filme, Schygulla interpretou a irmã Myriam, que se tornou uma espécie de mentora relâmpago de Thomas, agindo de forma doce e, simultaneamente, muito severa, alertando-o para o fato de sua fé não ser totalmente sincera, depois que ele não conseguiu discursar para a plateia de dependentes sobre sua história de vida, esse o momento mais bonito do filme, não somente pela contrição de Thomas, mas também pelos depoimentos dos outros dependentes. De qualquer forma, Thomas faria o seu discurso no momento oportuno, o que também foi um momento bem comovente.

Dessa forma, apesar de “A Prece” ser um filme com muitos clichês, ele ainda traz alguns atrativos para o público, como um pequeno plot twist, mas também pela presença etérea de Hanna Schygulla, a eterna Lili Marlene e Maria Braun. Vale a pena dar uma conferida e adorar um pouco uma atriz que é uma verdadeira instituição cultural do pós-guerra.

Um filme brasileiro, que foi o nosso representante no Oscar 2019. “O Grande Circo Místico” é inspirado no disco de 1983, composto por Chico Buarque e Edu Lobo, sendo um ícone de nossa MPB. As músicas são interpretadas por antológicas figuras como Milton Nascimento, Gal Costa, Jane Duboc, Tim Maia, Simone, Gilberto Gil, Zizi Possi e os próprios Chico Buarque e Edu Lobo. Agora, Cacá Diegues traz para o cinema a saga desse circo centenário, surgido a partir de uma tradicional família austríaca (Knieps), onde tivemos um romance entre um aristocrata e uma acrobata, que dá início à trupe.

O filme transcorre ao longo de um século, onde vemos um rosário de bons atores: Bruna Linzmeyer, Mariana Ximenes, Juliano Cazarré, Antônio Fagundes. Mas os grandes destaque entre os atores são Vincent Cassel e Jesuíta Barbosa. Cassel interpreta Jean Paul, um homem que quer vender o circo e usar esse capital para investir em terrenos, sendo um marido cruel e violento. O ator, apesar de aparecer pouco, rouba a cena em seus momentos no filme e engrandece em muito a produção.

Mas a grande figura, sem a menor sombra de dúvida, é Jesuíta Barbosa, que esteve simplesmente extraordinário em seu personagem Celavi (o leitor mais atento deve ter percebido que o nome do personagem é uma corruptela de “C’est la vie”, ou simplesmente, “É a vida”). Esse personagem está no circo por durante todos os seus cem anos, sem sequer envelhecer, acompanhando todas as gerações. Era divertido testemunhar como Celavi mudava de visual (vestuário, cabelos, etc.), com o passar do tempo, se adequando a todas as tendências da moda de cada época. Celavi era vívido, lúdico, brincalhão, amável e respeitoso, o verdadeiro guardião da tradição do circo. Jesuíta Barbosa deu tons altamente marcantes de carisma para seu personagem, surgindo uma empatia imediata entre ele e o espectador. Celavi era o verdadeiro condutor da película. O tempo passava, membros da nova geração chegavam e lá estávamos nós procurando onde Celavi estava.

Aqui precisamos dar um alerta de spoiler. Algumas pessoas talvez tenham se incomodado com as excessivas cenas de nudez e sexo. Pelo estilo do diretor, tinha horas que essas cenas nos remetiam ao cinema brasileiro da década de 70. Mas Diegues conseguiu dialogar com o aparente estereótipo e o fez de forma magnífica, principalmente na cena das irmãs gêmeas voando nuas sobre o picadeiro, o ponto alto do filme. A coisa ficou lúdica, inocente, esteticamente muito bonita, repelindo qualquer avaliação que qualificasse a sequência como imoral ou de mau gosto. Foi o ponto alto do filme e de todo o clima lúdico e infantil ao qual a coisa se propunha (a gente já sentia isso de forma muito forte no trailer, que somente confirmou esse quê poético do filme). Definitivamente, é uma justa homenagem em imagens a esse trabalho tão conhecido de Chico Buarque e Edu Lobo.

Só é de se lamentar que tudo tenha um fim. Mas como é dito por aí, “C’est la vie”. E o personagem principal do filme não nos deixa esquecer isso um segundo sequer. A vida pode trazer momentos de alegria, típicas dos espetáculos que vemos no picadeiro, mas também podem nos trazer momentos de trevas, melancolias e até de tragédias. Cem anos são muito tempo para experimentarmos uma série de situações felizes e tristes. E, ao final, o olhar sobre o passado nos revela um caleidoscópio de luzes e trevas.

Dessa forma, apesar de “O Grande Circo Místico” não chegar aos cinco finalistas para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, uma coisa é certa: esse filme já é em si um grande prêmio, uma pequena joia de nosso cinema que está guardada numa caixinha de música toda ornamentada, com trapezistas, leões, elefantes, domadores, palhaços, bailarinas, e um ícone de lúdico resistente ao tempo. É o tipo do filme para ver, ter e guardar.

Vamos hoje falar de um filme com dez indicações ao Oscar. “Roma”, de Alfonso Cuarón, concorreu a Melhor Filme Estrangeiro, Melhor Direção, Melhor Fotografia, Melhor Filme, Melhor Atriz para Yalitzia Aparicio, Melhor Atriz Coadjuvante para Marina de Tavira, Melhor Roteiro Original, Melhor Design de Produção, Melhor Edição de Som e Melhor Mixagem de Som. O filme acabou abiscoitando os prêmios de Melhor Filme Estrangeiro, Fotografia e Direção. Ainda, ganhou os Globos de Ouro de Melhor Diretor e Melhor Filme Estrangeiro, além de ganhar os Baftas de Melhor Filme, Melhor Fotografia e Melhor Filme em Língua Não Inglesa, recebendo também o prêmio David Lean por Direção. Lembrando que esse filme é uma produção da Netflix e se mostrou uma boa aposta do serviço de streaming para fazer um filme mais “cabeça” e digno de premiações. Vamos aqui lançar mão de spoilers para poder analisar o filme.

O plot é muito simples. No bairro Roma, de classe média alta da Cidade do México, temos a empregada doméstica Cleo (interpretada por Aparicio) que, junto com uma parente, serve a uma família abastada. De origem indígena, ela conversa com sua parente na sua língua nativa e em espanhol com a família, cheia de filhos. Tratada como se fosse “da família”, onde a ligação afetiva com as crianças é muito estreita, Cleo também é tratada com rispidez em alguns momentos por sua patroa Sofia (interpretada por Tavina), pois o patriarca da família está se separando e saindo de casa, o que faz a esposa cair numa pilha de nervos.

Por outro lado, Cleo engravida de um namorado que nega a paternidade do bebê. Assim, vemos duas vidas entrando em parafuso: a de Sofia, a patroa, que tem que encarar uma separação com uma penca de filhos, e a de Cleo, que tem que levar uma gravidez sem a presença de um companheiro. Lembrando que essa película tem por base as memórias afetivas da infância do próprio Cuarón, que tinha uma empregada doméstica em sua casa.

Essa temática que Cuarón abordou em seu filme de realidade mexicana – a forma como as empregadas domésticas são tratadas pela elite – é muito familiar e conhecida para nós aqui no Brasil, com o agravante de uma tradição escravista que envenena ainda mais a relação patrão-empregado. Na película de Cuarón, a coisa foi até leve em boa parte do filme, com um cotidiano das empregadas sempre presentes no emprego e com uma relação até certo ponto idílica com os patrões e as crianças. Em alguns momentos, a hierarquia sobressaía, como na reclamação feita pelo pai da família da garagem cheia de sujeiras de cachorro, as grosserias que a mãe da família fazia com Cleo quando a matriarca estava estressada com sua crise conjugal, ou na necessidade de Cleo e sua parente fazerem seus exercícios no quartinho da empregada à luz de velas para não gastar energia elétrica.

Mas o clima um tanto suave do filme passa a ficar turbulento na segunda metade da película, onde as tensões políticas de um México do início da década de 70 começam a influenciar o microcosmos da empregada. É nesse momento que o filme vai adquirir um ritmo bem mais frenético e prender mais a atenção do espectador. Mas tocar nessa parte da película seria dar muitos spoilers. Para se dar apenas uma dica, o filme opta por um happy end galgado numa espécie de redenção, ou seja, uma opção mais hollywoodiana, quando um final mais realista talvez fosse mais adequado. De qualquer forma, com a denúncia de uma situação social concretizada, não podemos nos esquecer de que a película ainda é produzida numa mídia de entretenimento como a Netflix. E aí o happy end é mais aplicável aqui.

Vale falar apenas mais uma coisa que chama muito a atenção: a película foi rodada em preto e branco, ou seja, artística demais nesse ponto, em termos de Netflix. Lembrando sempre da preferência desse humilde escriba pelo preto e branco pelo fato dos contrastes ficarem bem mais destacados que no colorido, dando grande qualidade estética à imagem.

Dessa forma, “Roma” é uma grata surpresa da Netflix e de Alfonso Cuarón. Um filme “cabeça”, de arte, em preto e branco, feito pelo serviço de streaming, e que fala de uma realidade social da América Latina. Ainda que o tradicional happy end dos filmes hollywoodianos tenha sido usado como opção, temos que dar o braço a torcer que a Netflix assumiu um projeto muito ousado para o tipo de mídia e de público ao qual ela se propõe. E tal atitude deve ser reconhecida e muito celebrada, tanto que a película ganhou dois Globos de Ouro, quatro Baftas e recebeu dez indicações ao Oscar, levando três estatuetas.

Creio que isso é algo muito bom para estimular os serviços de streaming a melhorarem a qualidade das películas que produzem, aumentando a qualidade para o espectador. E seria legal, também possibilitarem o acesso aos cinemas dos filmes que são produzidos para o cinéfilo mais tradicional ter a experiência de ver esse tipo de filme (que tem uma qualidade fotográfica ótima) na telona.

https://www.youtube.com/watch?v=FkzidhAg45U

Um bom filme histórico. “Troca de Rainhas”, uma co-produção França/Bélgica, dirigida por Marc Dugain, aborda a cultura de Antigo Regime, onde o político institucional se mesclava fortemente com as relações pessoais. É o tipo de filme que busca ser fiel com a reconstituição histórica, apesar de um ou outro percalço.

No que consiste a história? O ano é 1721 e França e Espanha acabam de sair de uma sangrenta guerra e precisam sacramentar a paz de alguma forma. O regente francês, Felipe d’Orléans (interpretado por Olivier Gourmet) tem a ideia de “trocar princesas” com o reino espanhol para selar um acordo de paz. Ou seja, o herdeiro do trono, Luís XV (interpretado por Igor van Dessel), com ainda onze anos, recebe em casamento a mão de Maria Anna Vitória (interpretada por Juliane Lepoureau), uma infanta espanhola de apenas quatro anos (!!!), ao passo que o rei Felipe V da Espanha (interpretado por Lambert Wilson), casará seu filho, o príncipe das Astúrias (interpretado por Kacey Mottet Klein) com a filha de Felipe d’Orléans, Louise Elisabeth (interpretada por Anamaria Vartolomei).

Pois bem, a troca de princesas é feita, e logo podemos presenciar duas situações bem diferentes: Louise Elisabeth, por já estar na adolescência, repudia com veemência toda aquela situação de ser obrigada a se casar com uma pessoa que mal conhece, enquanto que o Príncipe das Astúrias se apaixona por ela. Por outro lado, Maria Anna Vitória vai, na sua pureza de criança, toda animada para se casar com Luís XV, pois vai se tornar a Rainha da França, mas aqui será o futuro monarca que não dará muita confiança para a menina. Em toda essa trama de casamentos arranjados, as coisas infelizmente não sairão muito como o planejado. Mas chega de spoilers por aqui.

O que chama muito a atenção nessa película? É o fato de se tentar explicar como funcionavam as dinastias europeias na sociedade de Antigo Regime. O mais desavisado pode até ficar chocado com todos esses casamentos arranjados, inclusive entre crianças. Mas isso era prática comum para selar acordos políticos entre nações, numa mistura radical do público com o privado, que o sistema capitalista conseguiu separar tão bem. Ou seja, não havia qualquer espaço para as historinhas de contos de fadas onde o príncipe e a princesa se casaram e foram felizes para sempre. Para se ter uma ideia, quando Napoleão Bonaparte dominava a Europa.,o príncipe regente de Portugal, D. João (futuro rei D. João VI) ofereceu D. Pedro (o mesmo do grito do Ipiranga), que tinha então apenas nove anos, para se casar com a sobrinha de Napoleão para convencer o Imperador francês a não atacar Portugal. Devo dizer aqui que essa ideia não colou muito e Napoleão não aceitou. Assim, não era de se chocar na época que o futuro rei e rainha da França já estivessem prometidos um ao outro com apenas onze e quatro anos, respectivamente. Outra coisa que chama muito a atenção é a enorme quantidade de doenças que esses membros de famílias reais europeias contraíam. Isso acontecia em parte não apenas por causa da medicina menos avançada da época, mas também porque havia um certo grau de parentesco entre esses membros de famílias reais dos países, com eles se reproduzindo entre eles, o que gerava pessoas com um sistema imunológico mais fraco (a própria expressão “sangue azul” vem do fato de que as pessoas, por serem muito debilitadas, ficavam pálidas com as veias azuis todas à mostra). Havia casos até de meninas hemofílicas que morriam na primeira menstruação. O filme toma muito cuidado de se mostrar como vários membros das famílias reais eram acometidos de doenças, algo que atormentava Luís XV, onde o menino dizia que todos os que estavam à sua volta morriam.

Se o filme mostra alguns aspectos relativamente fidedignos com relação à cultura de Antigo Regime, por outro lado há alguns elementos que parecem fugir um pouco disso como, por exemplo, a atitude muito empoderada de Louise Elisabeth em pleno século XVIII, que resistia bravamente a todas as imposições do sistema. Parece que foi algo exagerado e, pela posição de submissão da mulher na época, a impressão é de que a moça aceitaria com mais resignação tal situação. O choro de Felipe V ao se despedir da filhinha parece algo, por outro lado, mais aceitável, até porque o rei espanhol era muito instável emocionalmente. Aliás, Wilson mostrou um poder de atuação como poucas vezes foi visto. Ele foi excelente como o rei atormentado pela sombra de Luís XIV, seu antepassado e modelo de rei absolutista.

Agora, somente mais um pequeno spoiler. Maria Anna Vitória acabou não vivendo com Luís XV (ela foi singelamente “devolvida” para a Espanha) e, anos mais tarde, se casaria com D. José, que seria o rei de Portugal. Assim, Maria Anna Vitória é mãe de D. Maria I (a Louca), avó de D. João VI e bisavó de D. Pedro (o mesmo do grito do Ipiranga).

Assim, “Troca de Rainhas” é uma boa dica para quem gosta de Cinema e de História, pois é um filme que busca analisar com uma certa precisão as nuances da cultura de Antigo Regime e o faz numa linguagem fácil, sem que a narrativa seja muito elaborada, não se exigindo muito da atenção do espectador. É um filme de fácil compreensão que passa bem rápido, por sua qualidade. Isso sem falar no bom figurino e reconstituição de época. Vale a pena dar uma conferida.