Categoria: cinema

O cinema brasileiro conseguiu no fim do ano passado gestar uma grande obra. Uma verdadeira obra prima. Também pudera. “Rasga Coração” é baseado em obra homônima de Oduvaldo Vianna Filho, dirigido e adaptado por Jorge Furtado. Um filme que fala de conflito entre gerações, mas também um filme que mostra como em nosso país passado e presente podem ter a mesma cara.

O plot se volta em torno de Manguari (interpretado na sua maturidade por Marco Ricca), um funcionário público que faz relatórios para a Secretaria de Educação sobre as escolas públicas. Ele tem um casamento tradicional com Nena (interpretada por Drica Moraes) e tem um filho adolescente, Luca (interpretado por Chay Suede). Essa é uma típica família da Zona Sul carioca, com uma vida razoavelmente estável, mas com apertos financeiros aqui e ali. Manguari tem um passado de militância no movimento estudantil nos anos mais pesados da ditadura militar (nesse momento, Manguari será interpretado por João Pedro Zappa). E até hoje tem uma mentalidade na busca por justiça social. Entretanto, as necessidades da vida acabaram mergulhando Manguari num modo de ser mais comedido e burguês. Já o filho Luca, inspirado pela educação do pai, até se engaja politicamente (a sua escola tradicional proibiu algumas peças de vestuário, levando a questão de gênero de uma forma preconceituosa como parâmetro), mas tem outras visões de mundo que causam estranheza ao pai mais liberal e à mãe mais conservadora. Esse vai ser o ponto de partida para uma relação entre pai e filho com idas e vindas, calmarias e turbulências.

O que faz esse filme ser grandioso? Em primeiro lugar, o personagem protagonista, Manguari é focado em dois momentos no tempo: em sua fase madura, onde ele é um austero pai de família, mas ainda com as convicções do passado, e nos seus tempos de adolescência e movimento estudantil, onde ele terá sérios conflitos com o pai, que tem uma cabeça muito conservadora. O filme faz um jogo com esses dois recortes cronológicos, provocando um verdadeiro diálogo entre eles e buscando rupturas e permanências, sendo que isso foi feito de forma orgânica e magistral, sinal de que tivemos uma excelente montagem. A coisa é colocada no ponto de vista bem pictórico, principalmente quando o diretor quer marcar as permanências do passado no presente, colocando coladas as imagens dos tempos pretéritos com as dos tempos atuais para atestar a continuidade do racismo ou do comportamento do pai que expulsa o filho de casa tanto no passado quanto no presente. Mas o filme busca também por rupturas. Se o pai, por exemplo, tinha outras visões de mundo na luta pela justiça social, onde ele quer que as pessoas que pensam diferente de você tenham acesso à tua voz para estabelecer um diálogo e não ficar todo mundo isolado em suas bolhas (nada mais atual), o filho, por sua vez, não concorda com essa forma mais “diplomática” e prefere a ação direta. O filme também mostra as contradições dos indivíduos: o pai quer justiça social mas está num confortável modo de vida burguês; o filho critica o conformismo do pai, mas também fica largadão em seu quarto, tendo tudo na mão, também com um modo de vida burguês. A mãe, de pensamento conservador, acha que o pai tem um comportamento demasiadamente liberal com o filho e quer que uma atitude seja tomada. E aí, quando a atitude é tomada pelo pai e o circo pega fogo, a mãe quer colocar panos quentes. Ou seja. nenhum personagem é totalmente plano, aparecendo contradições que fazem parte da vida de qualquer ser humano.

Mais uma coisa chama a atenção: esse filme poderia cair facilmente no estereótipo de uma relação totalmente conflituosa entre pai e filho. É isso que o trailer aparenta. Entretanto, o roteiro do filme escapa disso e vemos momentos de bom entendimento e até de ternura e harmonia entre pai e filho, seja no passado, seja no presente. Isso tornou o filme muito mais delicioso, produzindo meandros que tornaram a história bem mais interessante.

Com tantas qualidades, a gente precisa falar do elenco. Essa também é aquela película que nos leva ao cinema para ver os atores. E como esse elenco estava bom! Marco Ricca estava simplesmente impecável, transitando com eficiência entre o inconformismo e o conformismo, entre o liberalismo e o conservadorismo, entre a agressividade e a ternura. Drica Moraes teve um papel um pouco mais plano, com raros momentos de complexidade e contradição, mas ela imprimia um carisma a sua personagem tão notável que conseguia roubar a ação. Chay Suede, ao interpretar um adolescente (que já é visto como “chato” pela sociedade), não deixou seu papel cair num lugar comum e marcou pela boa alternância entre a rebeldia e a ternura para com o seu pai. Agora, um ator que muito surpreendeu foi o jovem George Sauma, que interpretou Bundinha, um amigo de adolescência de Manguari, que era um porra louca total e fazia todas as suas loucuras, sendo o alívio cômico do filme. O detalhe é que Sauma não ficou apenas nisso e teve ótimos momentos dramáticos com Zappa, o que mostrou toda a versatilidade do ator que a gente está acostumado a fazer papéis mais humorísticos no “Zorra” na TV. Essa película foi uma excelente oportunidade para ele destilar mais seu talento para o público. E Sauma a agarrou com unhas e dentes.

Dessa forma, “Rasga Coração” é um filme simplesmente imperdível. Uma joia de nosso cinema. Um filme que poderia cair em estereótipos e clichês, mas conseguiu driblar tudo isso com bastante maestria. Um filme que pode ser pessoal, mas que também pode dizer um pouco mais das rupturas e permanências em nossa sociedade. Ou seja, um filme fundamental. Um filme essencial. Para ver, ter e guardar.

Uma curiosa co-produção Portugal/França/Brasil. “Diamantino” é uma comédia cheia de lances inusitados e, por que não dizer, até surreais. O detalhe é que ele pega vários elementos da sociedade atual, sendo uma espécie de colcha de retalhos do que há por aí, o que deixa a história um tanto familiar para nós. O inusitado reside justamente no fato de como essas peças de realidade são coladas. Para a gente explicar melhor isso, precisamos de alguns spoilers.

Vamos dar o plot. Temos aqui a trajetória de Diamantino (interpretado por Carloto Cotta) é um grande ídolo do futebol português, mais parecendo um Cristiano Ronaldo genérico (é impressionante como o ator foi posto parecido com o verdadeiro craque do futebol no filme). O problema é que Diamantino perdeu o pênalti na final da Copa do Mundo, o que fez com que Portugal perdesse o título e todo o país culpasse o jogador por causa disso, como sempre acontece. O resultado é que Diamantino mergulhou num estado depressivo e tomou como meta de vida adotar um refugiado. Ele acabará fazendo isso e adotará um adolescente de origem muçulmana. Mal sabe ele que o adolescente é, na verdade, uma mulher disfarçada, Aisha (interpretada por Cléo Tavares), uma agente do governo que investiga crimes de corrupção e sonegação de impostos. Aisha tem sua cabeça mergulhada no senso comum com relação aos jogadores de futebol: ela acha que todos não prestam e que a adoção é uma espécie da autopromoção para se esquecer do fiasco da Copa. Mas, com o tempo, Aisha descobre que Diamantino tem um coração puro e infantil, e que o problema está nas irmãs gêmeas que gerenciam a carreira do jogador, querendo usá-lo para fazer muito dinheiro. Elas usam o jogador num programa do governo que clonará onze Diamantinos para fazer o time de futebol perfeito e tornar a seleção de Portugal uma grande campeã. Usando o futebol como “ópio do povo”, o governo então vai alavancar uma campanha xenófoba de votação pela saída da União Europeia. O problema é que a clonagem põe a vida de Diamantino em risco.

Ufa, que plot louco, não? Mas há elementos muito próximos de nossa realidade. O jogador de futebol megastar, o linchamento moral ao qual ele é submetido quando perde um gol decisivo, a questão dos refugiados que chegam à Europa sem eira nem beira, o sensacionalismo dos programas de TV, a onda de extrema-direita e de xenofobia na Europa. Esses são temas que não suscitam qualquer graça. A única forma de inseri-los numa comédia foi amalgamá-los com fortes doses de surreal e inusitado, sendo o personagem Diamantino o norte desse surreal. E aí, a gente precisa tirar o chapéu para Cotta, que consegue fazer um Diamantino muito caricato mas também extremamente simpático em sua ingenuidade e, por que não, jeito abobalhado. O fato do filme ser narrado por ele em primeira pessoa ajuda em muito nessa empatia entre o espectador e o personagem. Mas o roteiro também ajuda, pois o mais lúdico do filme está nos cachorrinhos gigantes que acompanham o jogador nos gramados dos estádios, sendo esse o mundo idílico particular de Diamantino. Entretanto, o inusitado não está apenas nos cachorrinhos. A tal experiência genética e os efeitos no corpo de Diamantino, dando seios femininos ao jogador, aliada ao relacionamento homoafetivo entre Aisha e sua colega de trabalho, que se disfarça de religiosa, mostra não somente algo um tanto surreal, mas até transgressor, com a intenção de agredir mentes mais conservadoras mesmo. Aqui a mensagem de romper com os padrões convencionais, moralistas e tradicionais da sociedade ficou muito nítida e clara.

Dessa forma, “Diamantino” é um filme que chama muito a atenção por trazer um humor inusitado, surreal e transgressor, trabalhando com temas cotidianos altamente polêmicos e sérios. É um filme que te tira de sua zona de conforto. E, além do humor ao qual se propõe, faz também pensar, o que sempre é muito bom.

Um filmaço francês. “Gauguin, Viagem ao Taiti”, não podia ter um título mais explicativo e sucinto. Quem tem um conhecimento mínimo em História da Arte sabe da saga do pintor Paul Gauguin em desbravar um Novo Mundo para encontrar inspiração para suas telas, que se tornaram ícones da Arte Universal e do Impressionismo. Pela força e pelo colorido de suas pinturas, sempre me pareceu que o pintor levava uma vida idílica e paradisíaca, cercado de belas mulheres, que alternavam com ele as telas de dia e a cama de noite. Só que o filme nos mostra que não foi bem assim.

Em primeiro lugar, Vincent Cassel foi escolhido para o papel principal. Não podia ter essa sido escolha mais feliz. O ator conseguiu imprimir toda uma intensidade e desespero ao personagem, que fugia da França, pois não conseguia encontrar mais nada que fosse digno de se retratar e rumou em direção à Polinésia Francesa. A despedida não foi sem dor. Em dificuldades financeiras, o artista deixou para trás mulher e filhos completamente desguarnecidos. As telas que ele enviava não eram vendidas e logo a separação veio. O pintor também passava por dificuldades financeiras no Taiti, mas mesmo assim se casou com uma moça local, Tehura (interpretada pela bela Tuheï Adams), que serviu em toda a sua beleza para inspiração de seus quadros. O problema é que a “cabeça de artista” de Gauguin não se adequava às necessidades materiais e à estrutura do capitalismo, fazend0 com que nosso protagonista passasse junto com sua amada muitas dificuldades. Problemas graves de saúde com o coração e a diabetes, mais algumas aventuras extraconjugais de Tehura somente pioraram o quadro do artista.

Na verdade, esse é um filme que desperta um duplo sentimento na gente. Em primeiro lugar, ficamos maravilhados com a força criativa do artista, que conseguia produzir lindas telas e esculturas. Mas, ao mesmo tempo, nos compadecemos muito das dificuldades pelas quais nosso protagonista passava, que vivia praticamente na mendicância, andando sempre mal vestido, sempre lutando com seus problemas de saúde, sempre se revirando contra a dor do adultério.

Tanta dor e sofrimento o levaram a tomar atitudes que podemos dizer que não eram muito éticas. Mas ficou a impressão que seus dias no Taiti foram mais de provação do que de alegria, onde essa última também aparece na película, mas em pouquíssimos momentos. Digamos, é um pouco trágico demais tudo aquilo que vemos. E Cassel consegue fazer com que a gente se identifique muito com o personagem, pois compartilhamos toda a dor e angústia de Gauguin, como se ela chicoteasse nossa própria pele.

De qualquer forma, mesmo que esse filme nos desperte alguma dor e compadecimento, ainda assim é uma excelente película, pois dá a nós uma noção de como essas obras da Arte Universal foram forjadas e à qual cota de sacrifício do artista, o que nos deixa ainda mais admirado delas e que ainda nos faz lamentar mais que o reconhecimento dessas obras só venha depois da morte daqueles que a produziram. Como se a vida de provações fosse pré-requisito para que hoje elas tenham seu valor reconhecido em tão altas cifras. E, somente para concluir, sempre é bom ver Vincent Cassel em ação, um artista que melhora mais e mais a cada dia. Vale muito a pena dar uma conferida.

Um filme perturbador premiado em Cannes pelo roteiro e pela atuação de Joaquin Phoenix. “Você Nunca Esteve Aqui” traz uma mescla confusa de flash-backs e alucinações, regadas a muito sangue e violência. Um filme que faz de tudo para que o espectador sempre saia de sua zona de conforto, se é que há alguma.

Vemos aqui a trajetória de Joe (magistralmente interpretado por Phoenix), um veterano da Guerra do Golfo de mente totalmente perturbada. Seus traumas vêm em lembranças que não são somente inspirados nas situações que ele passou na guerra, mas também com uma infância traumática onde supostamente seu pai é o resultado de seus terrores. Tudo isso faz com que Joe seja instável emocionalmente, com explosões de violência repentinas. E como o nosso tresloucado protagonista ganha a vida? Ele é um assassino de aluguel especialista em caçar pedófilos e criminosos que exploram sexualmente as crianças, sempre agindo com um… martelo (!!!), golpeando violentamente a cabeça de quem ele precisa matar por contrato. Somente esses pequenos detalhes já são suficientes para tornar o filme altamente perturbador. Mas, como dizia aquele lendário anúncio de TV, “e não é só isso!”. Joe é contratado por um senador que tem a sua filha sendo explorada sexualmente. Ele faz o serviço, mata todo mundo e resgata a menina. O problema é que o senador se suicida e Joe fica sem saber o que fazer, ao mesmo tempo em que todos aqueles que ele conhece ou ama são assassinados. Dois homens conseguem sequestrar a menina novamente. E Joe precisa entender o que aconteceu para resgatar a garota novamente e se vingar.

Como essa é uma película onde o protagonista tem uma mente altamente perturbada, a gente não sabe o que é real, o que é alucinação, o que é onírico. Volta e meia, a narrativa fica altamente fragmentada e a gente precisa se dar ao trabalho de juntar as peças, pois o filme não se preocupa muito em explicar as coisas, sobretudo da vida pregressa de Joe, e a gente precisa deduzir muita coisa a partir dos cacos de sequência que aparecem soltos ao longo da exibição. Do jeito que é exposto aqui, parece ser essa uma tarefa muito difícil, mas até que não é tanto; dá para percebermos muitas coisas.

Outra coisa que chama muito a atenção e que está intimamente ligada a esse clima ilusório do filme é que ele foge um pouco do desfecho tradicional dos filmes violentos de vingança. E aí não sabemos realmente como o antagonista teve o seu destino selado ou até se não tivemos mais uma alucinação de Joe em curso. Mais uma vez o espectador tem que colocar sua cabeça para funcionar e ele mesmo criar seu próprio desfecho, fazendo a sua leitura do filme. Por ter a narrativa muito fragmentada e cheia de alucinações e ambientes oníricos, podemos dizer que a película tem a capacidade de assumir múltiplas interpretações, sendo diferente na cabeça de cada espectador.

E o que podemos falar de Joaquin Phoenix? Sua atuação foi simplesmente fantástica, mesmo que o personagem tenha a característica um tanto quanto plana de ser constantemente atormentado. O detalhe aqui é que Phoenix conseguiu dar nuances para isso, indo desde momentos de uma letárgica lucidez, chegando a paroxismos de tormento. Ou seja, ele conseguiu expressar com perfeição todas as matizes de seu personagem.

Assim, “Você Nunca Realmente Esteve Aqui” (cujo título é a tradução literal do original, algo meio raro por aqui) já canta a pedra em seu título. Será que o que vemos é realidade ou uma leitura da realidade de uma mente perturbada? Fica a dúvida e a leitura de cada espectador. De sólido mesmo, somente a atuação de Joaquin Phoenix, que arrasa quarteirões. Vale a pena você se angustiar com essa película.