Categoria: cinema

Batata Movies – Assassinato No Expresso Oriente. Kenneth Branagh Volta A Atacar!

Cartaz do Filme. Um detetive e um rosário de suspeitos

Um bom filme em nossas telonas. “Assassinato No Expresso Oriente” marca a volta de histórias da mestre Agatha Christie no cinema, sob a responsável chancela de ninguém mais, ninguém menos do que Kenneth Branagh. Um filme que tem como atrativo uma grande história, contada por um grande elenco. Além de Branagh, no óbvio papel de Hercule Poirot, com seu bigode de trinta quilômetros, tivemos nomes de peso como Judi Dench, Willem Dafoe, Johnny Depp, Penélope Cruz, Michelle Pfeiffer e a “Star Wars” Daisy Ridley. Mesmo que o filme tenha sido totalmente centrado em Branagh, somente a presença desse elenco é um belo cartão de visitas que já faz o filme ser ansiosamente aguardado.

                                   Poirot e seu bigodão. O cara!!!

A história não sai do lugar comum das tramas de Christie: um assassinato, onde Poirot precisa desvendar o mistério de quem é o assassino, dentre todo um rosário de suspeitos. No caso aqui, a vítima é um gângster magistralmente interpretado por Depp (sua face camaleônica novamente o torna irreconhecível e o fato dele ser o morto em questão torna a sua presença limitada na película, o que é uma pena). Poirot está cansado e já faz uma viagem para desvendar um caso. O detetive precisa de férias e recebe esse pepino para descascar em pleno trem, que fica preso numa avalanche. Assim, ele tem pouco tempo para descobrir o assassino, enquanto os funcionários da linha férrea desobstruem os trilhos cobertos pela neve. O filme dá a entender que esse é um dos casos mais difíceis que Poirot enfrentou, cujo desfecho é bem trágico, o que talvez tenha colocado essa história de Christie numa posição mais singular. Como eu somente li um livro da autora, não posso dar uma opinião segura quanto a isso, mas se agregarmos as histórias de “Morte Sobre o Nilo” e “Testemunha de Acusação”, ambas aproveitadas para o cinema, vemos que “Assassinato no Expresso Oriente” toma um caminho um tanto diferente dessas demais histórias no que se refere ao desfecho. De qualquer forma, o filme nos dá uma sensação de mortificação e aperto no coração em seu final, onde sentimos toda a dor de Poirot com o que ele presencia, o que dá margem para uma boa reflexão e discussão filosófica. Ou seja, é uma Agatha Christie que faz pensar não na forma da montagem de uma trama, mas sim faz pensar questões mais profundas. Até pelo fato de o filme terminar dessa forma mais inusitada, a atenção total que o espectador deve dar a uma história que reconstitui um assassinato como se fosse as peças de um quebra-cabeça não é tão necessária assim. E a cerebralidade policial da película é substituída por algo mais emotivo e que lança nossa alma numa lamentação incomensurável.

                                   Atores de peso…

Com relação aos atores? Branagh simplesmente arrebentou. Ele deixou bem clara a meticulosidade do personagem ao exigir dois ovos cozidos rigorosamente iguais e em ser um observador rigoroso, sendo possível identificar cada detalhe de seu interlocutor. Suas gargalhadas ao ler Dickens também foram dignas de atenção, já que o escritor é famoso por contar histórias não tão alegres assim. Todos esses detalhes atraíam o espectador que nada conhece sobre Poirot ou ajudavam a ressuscitar uma figura há muito tempo esquecida (o que foi o meu caso). Do elenco estelar, devo confessar que lamentei o pouco tempo de tela a alguns medalhões do naipe de Dafoe, Dench e Cruz. Michelle Pfeiffer estava magnífica no filme e, mesmo com os sinais da idade já despontando em sua face, ela não deixa de ser uma mulher charmosa. Ainda contribui para a atuação dela o fato de sua personagem ter uma certa centralidade na história. Só é de se lamentar que, com tantos craques de atuação aqui, Daisy Ridley tenha ficado tão ofuscada. Bom, se ela quer ser grande, ela precisa estar entre os grandes. E se ela foi chamada para isso, eu considero tal situação um bom sinal. Ela fez o que podia fazer de melhor ali. Mas teve um baixo tempo de tela, também, até por motivos óbvios.

                                … e uma diva…

Dessa forma, “Assassinato No Expresso Oriente” pode até ser mais uma adaptação de Agatha Christie para o cinema, mas não deixa de ser simpática e atraente, pois é conduzida por alguém muito competente como Branagh. Pela boa história, pelo elenco e, principalmente, pela reflexão gerada por um desfecho um tanto inusitado, vale a pena dar uma conferida.

Batata Movies – Vazante. Cenas De Um Passado Não Tão Distante.

                                  Cartaz do Filme

A competente cineasta brasileira Daniela Thomas nos brinda com mais um de seus bons filmes. “Vazante” é um filme inquietante por si só. Parecendo muito afastado no tempo e descolado de nossa realidade, a película consegue nos mostrar de que ela pode se aproximar mais de nosso tempo presente do que imaginamos. Um filme que consegue fazer refletir e fazer chocar.

                                   Um casamento…

Vemos aqui a história de Antônio (interpretado por Adriano Carvalho), um dono de fazenda que vive em Minas Gerais no início do século XIX. Ele perde tragicamente a esposa e filho quando a mulher estava em trabalho de parto. Desesperado, o homem se lança no mato e lá fica deitado, tentando de alguma forma aplacar a sua dor. Mas como não há nada melhor do que um dia após o outro, a família do irmão da falecida vai morar numa fazenda vizinha. Com a família virá Beatriz (interpretada por Luana Nastas), uma jovem praticamente na pré-adolescência, que acaba casando com Antônio, em virtude das rígidas condições sociais da época. O homem precisa passar uns dias fora de casa para tratar de seus negócios com gado. Enquanto isso, Beatriz passa os dias sozinha, interagindo com os escravos da fazenda. Paro com aqui com os spoilers, mas o leitor um pouco mais atento já está percebendo, ao ler estas linhas, para qual rumo a história irá, assim como o desfecho.

                       A escravidão retratada…

Bom, se a trama não é algo tão inédito assim, isso também não significa que o filme não tenha virtudes. Muito pelo contrário até, pois a película é cheia de lances muito atraentes. A começar pelo notório preto e branco que leva o público a um contraste em claro e escuro muito marcante. Tal contraste já ajuda a alimentar o ambiente opressor do filme, já que as relações sociais numa fazenda no interior de Minas Gerais na primeira metade do século XIX não será exatamente o melhor exemplo de candura e leveza.

Aliás, a grande vedete do filme está justamente na questão das relações sociais. Numa sociedade patriarcal e com muitas heranças de um Antigo Regime ainda próximo (onde as relações pessoais e de troca de favores suplantavam as práticas impessoais e competitivas da sociedade capitalista), atrelada ao fator complicador gerado pela escravidão, vemos aqui como a hierarquização se fazia de forma extremamente presente. Os homens brancos praticamente são os senhores de tudo, indo desde os escravos, tratados como objetos que satisfazem todas as suas necessidades (até sexuais), chegando até a figura da esposa branca Beatriz, que em sua inocência adolescente, acabava se juntando aos escravos e de uma certa forma se igualava a eles, se virmos isso do ponto de vista das propriedades que os patriarcas brancos têm. Essa visão de superioridade do homem branco sobre a mulher, branca ou não, e sobre o próprio negro, ainda se faz presente nos dias de hoje. É só verificarmos que estrato da sociedade compõe a casta de grandes executivos, quem são os empregados, como a mulher é vista no mercado de trabalho e como há a óbvia manutenção do racismo e da ideologia dominante de uma elite que faz de tudo para restringir os direitos sociais. Nesses pontos, podemos dizer que “Vazante” é até bem atual. A única coisa que incomodou um pouco foi o fato de, a uma certa altura do filme, as relações pessoais foram colocadas um pouco de lado em virtude de um maior destaque dado ao relacionamento do casal protagonista. O problema é que, cedo ou tarde, isso teria que acontecer, até para que o filme tivesse um quê maior de dramaticidade. Outro problema aqui foi a qualidade do som, creio também que um pouco por culpa do sistema de som da sala do Estação Botafogo 2, que não está lá essas coisas. Em alguns trechos, os atores pareciam sussurrar bem baixo, o que atrapalhava a compreensão.

                   Mulher negra. Duplo objeto…

A questão da escravidão é muito bem trabalhada na película. Vemos um capataz negro controlando os escravos africanos. Devemos nos lembrar de que havia muitos conflitos envolvidos entre os africanos recém-chegados ao Brasil (que haviam se tornado escravos há pouco tempo e que lutavam para sair dessa condição) e os chamados crioulos, que eram negros nascidos no Brasil já na condição de escravos, que encaravam com mais “naturalidade” a sua condição. O filme mostra muito bem a postura bem mais rebelde dos africanos e de como a barreira linguística podia complicar muito as coisas, pois até os próprios escravos não entendiam uns aos outros, dependendo de sua procedência. Ainda, foi apresentado na película o escravo liberto (ou forro), esse nem livre, nem escravo, que tinha a promessa de uma carta de alforria caso trabalhasse mais alguns anos para o senhor. O forro tinha então o projeto ambicioso de recuperar a propriedade falida em troca da liberdade. E a sua função de administrador que precisava fazer a propriedade funcionar direitinho acabava o aproximando de um capataz que tratava os escravos da mesma forma que um branco o faria. Quando vemos esses momentos polêmicos do filme, onde negros maltratam negros, devemos nos lembrar que a escravidão no Brasil foi um fenômeno altamente complexo onde muitas situações ocorreram. O filme buscou trilhar um pouco por esse caminho mais complexo, saindo do lugar comum da escravidão somente como uma manifestação de violência do branco opressor contra o negro.

       A senhora convivendo com os escravos…

Dessa forma, “Vazante” é um daqueles filmes fundamentais que aparecem por aí, pois não é todo dia que vemos uma película abordar questões históricas de grande complexidade com eficiência e maestria. É um programa imperdível como produto cinematográfico e de análise histórica.

Batata Jukebox – Respect the Wind (Van Halen)

O melhor crédito final de filme de todos os tempos!!!! Do filme “Twister”, recordemos Van Halen!!!

Batata Movies – Mãe. Parece, Mas Não É.

                Cartaz do Filme

Um filme inusitado passou em nossas telonas. “Mãe”, dirigido por Darren Aronofsky (o mesmo diretor de “Cisne Negro”) é uma daquelas películas que seguem uma linha narrativa que, de repente, se modifica completamente, bem ao estilo do “parece, mas não é”. Com isso, o espectador fatalmente tem a impressão de que vê um certo gênero quando, na verdade, acaba sendo outro. Um filme que gosta de brincar de gato e rato com o espectador.

                      Uma mulher atormentada

Mas, no que consiste a história? Vemos aqui um casal bem unido (interpretado por Jennifer Lawrence e Javier Bardem). O marido é escritor e tem um bloqueio criativo que o impede de seguir a sua carreira adiante. Já a esposa é devotada ao casamento e ajuda o cônjuge a reconstruir a sua vida depois de uma tragédia pregressa. Tudo parecia às mil maravilhas com aquele casal. Até que, um dia, o marido leva um homem estranho para sua casa (interpretado por Ed Harris) e o acolhe, para espanto da esposa, que não entende a atitude do esposo a princípio, mas a acata, pois vê que o seu companheiro tem uma postura altamente solidária. Entretanto, com o tempo, aquele acolhimento dado àquele homem revela-se uma tremenda furada. O cara é extremamente inconveniente, fuma dentro de casa, e tem uma doença que provoca nele tosses insuportáveis não somente para ele como também para quem presencia aquilo tudo. E, como se não bastasse, ele tem uma esposa (interpretada por Michelle Pfeiffer), que se revela muito cínica e ácida. Todo esse rosário de situações inusitadas vai transformando a vida da esposa da casa num inferno e o marido não toma qualquer atitude para reverter isso, já que os intrusos se declaram fãs incondicionais de sua produção literária.

                         Um marido sem noção…

Esse é o tipo de filme que incomoda muito o espectador, já que ele bate de frente com um valor primordial da sociedade liberal: a ideia de propriedade como sinônimo de liberdade. Desde os tempos da Revolução Inglesa e do pensador John Locke, que cunhou as bases do liberalismo político, a ideia de propriedade como liberdade, cunhada pelo mesmo pensador, impera na sociedade liberal capitalista contemporânea. E, de repente, vemos o direito à propriedade sendo sistematicamente violado na película, provocando um enorme desconforto e uma empatia cada vez maior entre o espectador e a esposa interpretada por Lawrence, que recebe a agressão direta do desrespeito a esse direito fundamental. E a coisa é feita numa torrente cada vez mais crescente em intensidade, com a nítida intenção de incomodar. Por ser tão agressivo, o espectador vê a película nesse momento como uma história de suspense que pode até descambar para o terror, achando que o filme irá cair no lugar comum de um clichê. O problema é que a coisa vai se tornando cada vez mais surreal com o andamento da história, e o inusitado fica tão agressivo que rompe até os limites da liberdade poética, deixando a pessoa que assiste um tanto perdida com o que vai acontecer com o desfecho. E aí, quando chega o clímax, há uma violenta virada, onde o filme assume outra cara, não fechando um ciclo, por mais paradoxal que isso possa parecer. Infelizmente, os spoilers não me permitem ir mais a fundo na análise, mas uma coisa é certa aqui: a violenta virada que esse filme sofre em sua estrutura narrativa não é algo que a gente vê todo o dia e acaba nos surpreendendo um pouco, como se a violação da propriedade prendesse tanto a nossa atenção que a gente não consegue perceber as pequenas pistas que essa virada nos deixa antes do clímax (a capa de surreal é outro fator que ajuda a omitir um pouco tal virada, embora as pistas residam justamente no surreal).

          Ed Harris, um homem inconveniente

Bom, apesar desse estado de confusão que o filme provoca no espectador, visto por uns como virtude e por outros como defeito, temos um grande atrativo que é o elenco. Foi muito bom rever Ed Harris e Michelle Pfeiffer, que andavam meio sumidos de nossas telonas. Só é uma pena que tenham aparecido pouco. Eles poderiam ter tido uma participação um pouco maior na história, sobretudo Pfeiffer, com uma personagem bem mais interessante e agressiva. Harris foi perfeito em sua inconveniência, embora o personagem exibisse uma fragilidade latente que não combinava muito, mas ajudava a aumentar a tensão. Bardem foi primoroso como o marido amável, que podia ser muito complacente em alguns momentos, mas extremamente agressivo em outros. Agora, a mais fraquinha ali talvez tenha sido justamente Jennifer Lawrence. Embora suas sequências de desespero explícito tenham sido bem convincentes, sua atuação meio que se apagou em meio a tantos craques ali envolvidos. Foi até uma covardia com a moça, ouso dizer, mesmo que ela tenha melhorado muito nos últimos anos. Talvez a personagem não ajudasse muito, sei lá, embora não devamos nos esquecer (alerta de spoiler) de que ela chegou a uma situação limite no filme, onde ela acabou saindo do lugar comum de vítima que constituía a sua personagem.

Michelle Pfeiffer, numa personagem ácida e cínica

Assim, “Mãe” é um filme que merece ser visto, primeiro porque ele incomoda e agride o espectador a um ponto de que o mesmo não sabe mais qual será o desfecho da história. E, em segundo lugar, porque o filme revela uma grande virada em seu desfecho, até certo ponto inesperada, pois a estrutura narrativa consegue camuflar bem as pistas de que essa virada irá acontecer. Além disso, temos um ótimo elenco que comprou a ideia do filme e topou destilar todo o seu talento. Vale a pena dar uma conferida. Uma coisa é certa: o filme despertou muita polêmica, sendo amado e odiado pelas pessoas por aí. Ninguém ficou indiferente a essa película.

 

Batata Movies – Festival Do Rio 2017. Sexy Durga. Road Movie À Madrugada.

                                                Cartazes do Filme

Mais um filme que passou no Festival do Rio deste ano. A bola da vez é “Sexy Durga”, uma produção indiana de 2016. Podemos dizer aqui que esse é um filme em duas camadas. A primeira mostra um ritual de adoração a uma deusa local, onde vemos pessoas em transe penduradas por ganchos enfiados em sua própria carne. Tudo muito característico daquela região e bem exótico aos olhos ocidentais, não sem dar um nervoso muito grande ao ver as pessoas tendo os seus corpos furados por ganchos de metal e pendurados neles. Mas essa camada serve apenas como uma espécie de pano de fundo para a história principal. E que história é essa? Vemos aqui um casal, Kaber e Durga, que sofrem a discriminação do sistema de castas indiano. Durga, a moça, é do norte do país e eles parecem estar no sul, onde a relação do casal parece não ser aceita (infelizmente o filme não deixa claro o porquê dessas coisas). Os dois, então, traçam um plano de fuga, onde eles pegarão uma espécie de van clandestina para a estação de trem, onde rumarão para o norte do país.

                      Um casal amedrontado

O problema é que os homens da van são muito esquisitos e mal encarados, começando a fazer perguntas muito estranhas para o casal, que fica totalmente amedrontado e quer descer da van o tempo todo. O mais curioso é que os sujeitos da van garantem que não vão fazer mal aos dois, mesmo colocando o homem e a mulher sem querer nas situações mais escabrosas. O casal também foge da van e anda pela estrada escura (já são altas horas da noite) várias vezes, mas os perigos são muitos e os dois sempre acabam voltando à van original e nunca chegam à redentora estação de trem para sacramentar a tão esperada fuga.

                        Uma van cheia de doidões

O que podemos falar desse road movie à madrugada? Ele é uma verdadeira ópera do absurdo, pois o casal anda num território perigoso durante toda a noite, seja dentro de uma van de malucões, seja a pé, e nunca consegue chegar ao seu destino. E o mais inusitado é que o destino está ali ao seu lado, pois a estrada beira a linha do trem em boa parte do filme. Assim, fica o desespero do casal em andar, andar e andar, com os trens passando bem ali ao lado. Mas o problema também era que o próprio casal não se decidia, pois ele sempre voltava a van depois de sair dela e tomar a estrada no breu que mergulhava a noite. Prisioneiros do próprio medo, o homem e a mulher jamais tomavam uma decisão efetiva e a encaravam de frente, caindo numa armadilha armada por eles mesmos, produto de duas mentes angustiadas que acabavam angustiando também o espectador.

As filmagens devem ter dado muito trabalho por terem sido realizadas à noite. As longas caminhadas na estrada no escuro obrigavam a equipe de filmagem a colocar sempre a câmara em movimento. Igualmente complicadas devem ter sido as tomadas na van, onde víamos o carro parando e andando, com as filmagens se desenrolando. Filmar em tais condições adversas deve ter sido um desafio e tanto e a gente já bate palmas para esse detalhe do qual nem sempre o espectador se dá conta.

                    Andando pela madrugada

Assim, “Sexy Durga” é um filme onde nós podemos dizer que foi de difícil realização, nos contou uma história absurda, onde o preconceito do sistema de castas indiano foi o combustível para o inusitado e o climão de road movie regado a muito heavy metal foi uma curiosidade a mais nas tomadas claustrofóbicas de lugares ermos na escuridão da madrugada. Vale a pena procurar na internet por este, caso não dê o ar de sua graça nos cinemas daqui em circuito comercial.

Batata Movies – Festival do Rio 2017. Matar Jesus. Até Onde Vale A Pena A Vingança?

                                        Cartaz do Filme

Ainda dentro do Festival do Rio 2017, foi exibida a co-produção Argentina-Colômbia “Matar Jesus”. Essa excelente película lança uma questão mais do que ancestral: até onde vale a pena a vingança? Você só se sentirá verdadeiramente saciado se você retribuir todo o mal que sofreu de alguém ou é melhor esperar que a própria pessoa que te fez o mal se estrepe totalmente e assistir a tudo de camarote sem qualquer sensação de culpa ou de arrependimento? Muitos filmes já trabalharam essa questão, uns pendendo para uma resposta, outros pendendo para outra resposta. Agora, essa película revisita o tema, tomando como cenário o ambiente violento da Colômbia.

                   Paula. Vida feliz com o pai

Vemos aqui a história de Paula (interpretada por Natascha Jaramillo), uma bela estudante universitária, filha de um professor que leciona na mesma universidade a disciplina de ciência política. Preocupado com as questões sociais, esse professor fala de resistência dos menos favorecidos às injustiças. Um belo dia, Natascha volta com seu pai para casa de carro, mas a viagem termina numa emboscada onde dois homens numa moto assassinam seu pai. Natascha conseguiu ver o assassino do pai na garupa da moto. Mas percebeu na delegacia que a polícia agiria com morosidade nas investigações. Num desses acasos da vida, Natascha encontra o assassino numa danceteria, e ele não a reconhece. A moça aproveita a oportunidade para se aproximar do bandido, que atende pelo nome de Jesus. Mas essa aproximação em busca de uma vingança não será feita sem percalços, onde Paula passará por muitas situações altamente espinhosas, descortinando um submundo totalmente alheio à sua realidade de classe média.

   Mas sua vida toma um rumo muito perigoso

O filme mostra uma direção bem clara quando se refere à questão da vingança. Desde o início, os planos de Paula para matar Jesus são impedidos por vários obstáculos. O alto preço de uma arma ilegal, a dificuldade em manuseá-la, o ambiente altamente violento em que Paula se metia, parecendo uma ida a um caminho sem volta, o fato de Jesus andar permanentemente armado e ser amigo de policiais corruptos, etc., tudo contribuía para que os planos de vingança de Paula terminassem de forma extremamente trágica, bem ao estilo “A vingança é a arma do otário”. Chegava a ser doloroso ver Paula se enrolando cada vez mais naquelas situações escabrosas, onde sua vida passava por riscos cada vez maiores, e a moça não recuava, dando a impressão de que ela mergulhava de cabeça em uma autoimolação, indo a um matadouro. Entretanto, a alternativa a isso não era das melhores. A segurança de seu lar burguês vinha junto com um ar de tumba, pois a casa havia perdido toda a vida com a morte do pai e marido (quem já perdeu um ente querido de dentro de casa sabe muito bem do que estou falando). Uma das provas disso está na sequência em que Paula passa a noite de natal na casa da família de Jesus, onde há muita celebração e alegria, com as famosas luzinhas de natal piscando em todo o canto, enquanto que, na sua casa, a escuridão e o silêncio prevaleciam. Isso fez até que Paula, num ato de desespero, saísse à toda da casa de Jesus em pleno natal e adentrasse a sua casa em busca dos enfeites natalinos e das luzinhas que, mesmo que mal arrumadas, tiravam um pouco da morbidez de seu lar. Assim, só restava à Paula a sua busca cada vez mais insólita por vingança.

                           Aprendendo a atirar

O desfecho do filme, apesar de muito previsível, ainda assim nos deixa com uma sensação de indignação, pois ficou aquele sentimento de muito barulho por nada. Mas também pareceu um castigo muito adequado a Jesus, e creio que esta foi a mesma conclusão que Paula tomou. Então, o filme termina com uma sensação de que a justiça será feita, mas também não deixa de ter uma certa ideia de vazio.

            Matar ou não matar, eis a questão…

Dessa forma, “Matar Jesus”, apesar do tema já batido da vingança, veio como uma interessante curiosidade do Festival. Esperamos que saia comercialmente por aqui, pois é um filme relativamente inquietante que merece a atenção do espectador.

Batata Movies – Festival Do Rio 2017. Brawl In The Cell Block 99. Camadas E Camadas De Violência Gratuita.

                                         Cartaz do Filme

Ainda recordando alguns dos filmes do Festival do Rio 2017, vamos hoje falar de uma película que retrata muito bem a violência da sociedade norte-americana estadunidense. “Brawl in the Cell Block 99” constrói seu protagonista em moldes altamente conservadores: skin head white power (só para começar) extremamente patriota e preconceituoso com imigrantes, homem muito violento mas bem resignado de si, que somente libera sua violência em momentos extremos. O grande problema é que o brucutu em questão é o mocinho da história, o que leva a entender que seus inimigos são muito piores que eles. E quem são seus inimigos? Isso mesmo, caro leitor! Traficantes mexicanos, a “escória imigrante”. Ou seja, dentro da visão estadunidense conservadora de direita, é o sujo falando do mais sujo ainda.

                    Bradley, uma vaca brava…

Mas, no que consiste a história? Bradley, nosso protagonista, (interpretado por Vince Vaughn) trabalha numa oficina, mas é demitido por conta da crise. Ao chegar à sua casa, encontra a mulher dentro do carro. Depois de uma rápida conversa com ela, descobre que a moça tem um amante. Bradley, então, manda a mulher ir para dentro de casa numa forma um tanto ríspida e depois destrói o carro dela com muita porrada. Mais calmo, ele conversa com a esposa e diz que pretende recomeçar o casamento e vai trabalhar temporariamente para Gil, um amigo traficante de drogas. O tempo passa, a esposa de Bradley engravida e ele passa a ter muito conforto. Mas Gil pede a ele para fazer um servicinho junto com traficantes mexicanos, Bradley toma uma posição até certo ponto hostil com os caras, mas aceita o trabalho depois do apelo de Gil.

      Tentando recomeçar a vida com a esposa

O problema é que, durante o tal trabalho, a polícia deu as caras e Bradley, meio que por raiva dos mexicanos, meio que por raiva de tudo dar errado, passa fogo nos próprios comparsas enquanto eles trocam tiros com a polícia. Isso resultou na prisão de todos, na morte de um dos mexicanos e num prejuízo de 3,2 milhões de dólares para o chefão mexicano do tráfico. Sentenciado a sete anos de prisão, Bradley vai para uma prisão de segurança média, mas recebe a visita de um capanga do traficante mexicano que diz que sua esposa foi sequestrada e ela e a filha somente serão libertadas se ele matar um detento que está numa prisão de segurança máxima. Assim, Bradley terá que fazer algo para se transferir de presídio, e a porradaria, com muitos lances de violência extrema, regada a fraturas expostas de braços e pernas, começa.

Fazendo o que não quer para ajudar o amigo Gil

Nessa via crucis de Bradley, é interessante perceber que, apesar dele construir todo o seu modo de ser pautado nessa sociedade conservadora de direita e preconceituosa, ele acaba se tornando uma vítima da mesma. Ao não denunciar seu amigo Gil para a polícia, sua pena, que poderia ser de cinco anos, aumenta para sete. Ao se transferir para a prisão de segurança máxima, é obrigado a se confrontar com um sistema prisional medieval, com direito até a torturas. Tal presídio é dirigido por um psicopata (interpretado magnificamente por Don Johnson, o Sonny de Miami Vice, o homem da Ferrari Branca) que deixa bem claro que tem poder de vida e morte sobre os detentos.

Don Johnson arrebenta como o diretor psicopata de presídio

Podemos dizer que o filme tem uma violência explícita dividida em várias camadas. A primeira, e mais interna, é a do protagonista que, contida no início, explode em direção às demais camadas de violência do filme, da metade da película para a frente. A segunda camada é a dos traficantes mexicanos, que ameaçam Bradley e sua esposa com um verdadeiro terrorismo psicológico. E a terceira camada é a violência do Estado, manifesta principalmente no presídio de segurança máxima e seu diretor. Se há um conflito entre as duas primeiras camadas e até uma disputa relativamente equilibrada entre elas, por sua vez a camada da violência de Estado é indestrutível e implacável, aplicando uma opressão extrema sobre as demais camadas. Assim, o filme não pode ser visto como uma violência homogênea, regada a muita porrada. O conservadorismo é latente na película, onde ele pode se virar justamente contra quem o cultiva, no caso Bradley. Essa é a principal mensagem do filme.