Categoria: cinema

Mais um filme que concorre ao Oscar. “O Céu da Meia-Noite” concorre ao Oscar de Melhor Efeitos Visuais e conta com atores de peso como George Clooney (que também assina a direção), Felicity Jones (de “Rogue One”) e David Oyelowo (de “Selma”). Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

Vemos aqui a história de um cientista, Augustine (interpretado por Clooney), que descobriu uma que uma das luas de Júpiter podia sustentar vida, o que rendeu uma missão tripulada até lá. O grande problema é que, durante essa missão, o ser humano, que já maltrata o planeta Terra de longa data, conseguiu finalmente tornar o planeta inviável para a vida, obrigando as pessoas a viverem nos subterrâneos para terem uma sobrevida. Mas Augustine ficaria na superfície, esperando a missão à lua de Júpiter retornar, para alertar os astronautas a não voltarem para a Terra. Totalmente sozinho depois da evacuação da população, ele encontra uma garotinha sozinha e toma conta dela. Os dois vão precisar ir até uma estação de comunicação, onde há melhores condições de se comunicar com a missão, passando por muitos perigos e dificuldades. Paralelamente, vemos a volta da missão, onde tudo ia muito bem até o momento em que a nave saiu de sua trajetória e foi alvejada por detritos no espaço. No momento do conserto, mais detritos apareceram, causando a morte de uma astronauta. Próximos ao planeta, os astronautas finalmente falam com Augustine, que os alerta do perigo de retornarem à Terra, mas dois decidem retornar ao nosso planeta pelos laços afetivos e familiares, enquanto que um casal decide retornar à Júpiter e viver na lua.

O filme tem um ritmo extremamente lento, com duas histórias (a de Augustine e a da missão à lua de Júpiter) fluindo separadamente, somente se encontrando ao final, de uma forma até interessante que compensa a letargia da coisa. A indicação para os efeitos visuais valeu, a meu ver, muito mais pelas imagens das paisagens da lua de Júpiter do que pelas imagens da nave em si. Mas a grande atração da película sem a menor sombra de dúvida é a mensagem de alerta que ele traz sobre a forma mundana como estamos tratando o nosso planeta. Chega a ser uma ironia pesquisarmos exoplanetas a enormes distâncias, buscando condições semelhantes às da Terra quando tratamos tão mal o nosso planeta aqui bem pertinho. Podemos ver essa contradição bem expressa em cores vivas no personagem de Augustine. Quando jovem, ele era um pesquisador muito estimulado em fazer essa busca pelos exoplanetas com condições semelhantes à da Terra. Mas, em sua idade avançada, o desgosto e a doença o tomam, ao perceber que todo o seu esforço de uma vida parecia ter ido em vão, pois a Terra não mais comportava a vida. O seu esforço só não foi totalmente em vão, pois ao descobrir a lua de Júpiter que reunia condições para a vida, a humanidade poderia reaparecer a partir dali, com o casal de astronautas esperando uma filha como uma nova versão de Adão e Eva sendo expulsos do paraíso (ou indo para ele, depende do ponto de vista) para perpetuar a humanidade. Haverá uma relação entre Augustine e esse casal, mas vou parar com os spoilers por aqui.

Há uma pequena ligação com Jornada nas Estrelas nesse filme. O jovem Augustine foi interpretado por Ethan Peck, que interpretou Spock em Discovery, e Tim Russ (o vulcano Tuvok, de Voyager) aparece muito rapidamente e de relance (na verdade, a gente mais o escuta do que vê) ao início do filme, sendo um amigo de Augustine que se despede dele durante a evacuação das pessoas da superfície do planeta.

Dessa forma, se “O Céu da Meia-Noite” é um filme de ritmo muito lento, o espectador é premiado com a mensagem do filme de cuidado com a preservação de nosso planeta e pela forma como as duas histórias que corriam em paralelo se ligam ao final. O filme também tem uma forte ligação pessoal entre os personagens que vale a pena conferir e não direi aqui.

Dando sequência às nossas análises de filmes que concorrem ao Oscar, vamos falar hoje de “Pieces Of A Woman”, mais uma produção da Netflix que concorre a estatueta de Melhor Atriz para Vanessa Kirby. Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

Vemos aqui a história de um casal, Martha (interpretada por Kirby) e Sean (interpretado por Shia LaBeouf). Eles estão prestes a ter uma filha e querem fazer o parto em casa. A parteira que acompanhou toda a gravidez estava ocupada no dia do nascimento da bebê e eles receberam a ajuda de uma parteira “reserva” por assim dizer. O problema é que o nascimento foi todo complicado e a menina acabou morrendo. Isso foi apenas o início de uma via crucis para Martha, que teve que lidar com os procedimentos que iria realizar com o corpo da criança (enterro ou doação do corpo para pesquisas), o processo em cima da parteira e a relação com o marido que ficou em frangalhos. Para piorar toda a situação, a mãe de Martha, Elisabeth (interpretada por Ellen Burstyn) se achava no direito de se intrometer na vida da filha e nas suas decisões, o que gerava ainda mais atritos. E, no meio dessa tempestade toda, as perdas ficam ainda maiores, com somente uma coisa principal a fazer: aguentar a maré brava passar. Mas não sem tomar algumas atitudes que serão decisivas para conseguir a paz de espírito e seguir em frente.

O filme tem um ritmo lento e, obviamente, é muito pesado, onde parece haver uma depressão coletiva na maioria dos os personagens, algo bastante comum nesse contexto. O ritmo lento o torna um pouco maçante, mas ele também desperta uma angústia muito forte quando vemos a vida das pessoas desmoronando. Vanessa Kirby, a indicada à Melhor Atriz, passou por várias fases ao longo do filme. A primeira, pouco tempo depois da morte da bebê, mostrava uma Martha tão letárgica que ela parecia indiferente à tudo, até à morte da filha. Nesse ponto, o personagem de LaBeouf foi bem mais enfático e mostrou um sofrimento bem pronunciado, assumindo um comportamento mais frio com o transcorrer do filme, até o afastamento total. Martha, por sua vez, tem uma explosão de paroxismo quando discute com a mãe num encontro familiar, com esta falando também de seus sofrimentos pregressos, quando era perseguida pelos nazistas e foi obrigada a fazer o parto sozinha em que nasceu Martha (foi uma bela atuação de Ellen Burstyn aqui). E sua grande participação no filme foi seu depoimento no julgamento da parteira, que não vou comentar aqui porque já dei spoilers demais.

O filme tem uma metáfora bem interessante. Martha, depois que perde o filho, come uma maçã no trem, cercada por pais junto de seus filhos. De repente, ela tira da boca uma sementinha de maçã. Ela irá cultivar sementes de maçã, colocando-as no algodão molhado (da mesma forma que fazíamos no ensino primário com os feijões) para que elas germinassem e fossem plantadas. Essa metáfora é responsável pela cena final do filme que, depois de maltratar bastante o espectador com uma história sofrida e pesada, nos fornece um happy end.

Dessa forma, “Pieces Of A Woman” é mais um candidato ao Oscar que merece a atenção. É um filme sofrido e difícil de assistir, mas tem uma boa atuação de Kirby, que foi em várias camadas. Sem dúvida, uma concorrente de peso ao posto de Melhor Atriz.  

Mais um filme que concorre ao Oscar 2021. “Destacamento Blood” (“Da 5 Bloods”), de Spike Lee, concorre à estatueta de Melhor Trilha Sonora Original. Esse era um filme em que eram esperadas mais indicações, mas a coisa ficou somente nessa única indicação mesmo. Esse é um outro filme que conta com a presença de Chadwick Boseman, que concorre ao Oscar de Melhor Ator em “A Voz Suprema do Blues”. Para podermos falar desse filme, vamos precisar dos spoilers de sempre.

O filme fala de quatro ex-combatentes do Vietnã que voltam ao país para procurar os restos mortais de seu superior, Stormin’ Norman (interpretado por Boseman). Mas essa viagem tinha outro motivo implícito, que será explicado num flashback da guerra. Os quatro ex-combatentes faziam parte do chamado “Destacamento Blood” e estavam numa missão num helicóptero que foi derrubado e caiu próximo de um avião americano também derrubado. Eles encontraram no avião uma espécie de baú cheio de barras de ouro, que seria enviado para uma comunidade vietnamita como pagamento para se apoiar os americanos. Os soldados enterraram esse baú e acordaram que um dia iriam juntos pegar esse ouro enterrado. Mas, para tirar o ouro do Vietnã, precisariam da ajuda de um atravessador francês, Desroche (interpretado por Jean Reno). Eles fazem um acordo com ele, mas obviamente serão traídos, o que vai provocar uma reedição da guerra, mas agora na disputa pelo ouro.

O filme mistura dois gêneros. Por um lado temos uma película de ação e de guerra, com direito a todos os traumas passados, manifestos sobretudo num dos ex-combatentes, Paul (interpretado magistralmente por Delroy Lindo), que pirou na batatinha legal nas condições inóspitas da selva e na presença dos capangas de Desroche. Por outro lado, temos um filme bem Spike Lee mesmo, com muitas informações sobre  situação dos soldados negros durante a guerra do Vietnã, com direito a muitas imagens de arquivo, citações e falas de figuras importantes como Mohammad Ali ou Martin Luther King Jr., tendo uma cara mais documental. Esse aspecto mais militante do filme o torna mais didático e talvez os membros da Academia não tenham se sentido muito à vontade com tal característica dúbia, que provocava algumas descontinuidades no roteiro. Ou seja, temos aqui a mistura de informações bem verídicas com uma ópera do absurdo mais espetaculosa do que qualquer coisa, dando a impressão que a gente via dois filmes ao mesmo tempo, onde sentíamos uma conexão entre eles em alguns momentos, mas uma desconexão total em outros. Ainda assim, a película é cativante, seja pelo seu teor de informações, seja por uma história que é bem contada.

O grande ícone da história é, sem a menor sombra de dúvida, o personagem interpretado por Boseman, Stormin’ Norman que, além de ser o líder do destacamento, também abriu os olhos de seus comandados para a questão racial nos Estados Unidos e a posição do soldado negro na guerra. Ou seja, Norman era um misto de superior, professor, pai e mentor intelectual dos membros do destacamento. A morte dele foi um trauma para todos, mas especialmente para Paul, que era o amigo mais próximo e tinha pesadelos diariamente com seu amigo morto. Não é à toa que o homem surtou na floresta, mergulhando numa paranóia pura e se tornando uma figura muito perigosa para todos.

Dessa forma, é até uma pena que “Destacamento Blood” não tenha obtido mais indicações para o Oscar. Apesar de misturar um gênero um pouco mais documental com um filme de ação, a película prende a atenção do espectador do início ao fim, mesmo que o filme não seja tão cativante quanto um “Infiltrado na Klan”. Está lá no Netflix.

Dando sequência às nossas análises de filmes concorrentes ao Oscar 2021, vamos falar hoje de “A Voz Suprema do Blues” (“Ma Rainey’s Black Bottom”), que concorre a cinco estatuetas (Melhor Atriz para Viola Davis, Melhor Ator para Chadwick Boseman, Melhor Figurino, Melhor Design de Produção, Melhor Maquigem e Cabelo), além de ter ganho o Globo de Ouro para Melhor Ator de Drama, para Chadwick Boseman. Para que possamos analisar melhor o filme, vamos lançar mão de spoilers aqui.

Vemos aqui a história de Ma (interpretada por Viola Davis), uma grande cantora de blues e um dia de gravação de um disco seu com sua banda. Ma, por ser uma estrela, sabe muito bem se impor numa sociedade altamente racista e é muito exigente com tudo, para desespero de seu empresário e do dono da gravadora, homens brancos que, segundo a cantora, querem aprisionar a sua música numa caixa para ganhar dinheiro. Ma tem muita consciência de que, se ela não dá mais dinheiro, será tratada com o racismo de sempre, que todos conhecemos. Assim, enquanto está na crista da onda, é ela quem dá as cartas, sendo bem agressiva, pois o fantasma do passado do racismo está bem ali. Esse fantasma também assombra Levee, o jovem trompetista da banda (interpretado magistralmente por Chadwick Boseman), que não aceita os conselhos dos músicos mais antigos da banda, querendo trilhar seu próprio caminho ao jeito que quiser. Seu grande fantasma foi, aos oito anos, ter visto a sua mãe ser estuprada por homens brancos, pois seu pai conseguiu juntar dinheiro e comprar uns terrenos que pertenciam aos brancos. Ele pegou uma faca e conseguiu, mesmo criança, ferir alguns deles antes de ser ferido seriamente, o que levou ao fim do estupro. Seu pai abandonou as terras e levou sua família para outro lugar, sumindo em seguida. Ele voltou e matou alguns brancos antes de ser enforcado. Tal vida pregressa fez com que ele se tornasse muito agressivo em alguns momentos, sendo violento com o membro religioso da banda, numa total descrença em Deus em virtude de sua infância violenta, e inclusive matando o pianista da banda por ter pisado em seu sapato sem querer, depois do empresário branco negar a gravação de suas composições. Ou seja, a agressividade de Levee e de Ma é usada como uma espécie de defesa contra a sociedade racista, com Ma canalizando isso numa direção produtiva e obtendo o que quer dos brancos, mas com Levee, por ser mais jovem, não sabendo fazer essa canalização com eficiência, respondendo à sua volta de uma forma muito desproporcional e agressiva. É claro que uma hora, Ma e Levee entrariam em conflito, o que provocou a demissão sumária deste, caindo em desgraça em seguida com a negação da gravação de suas músicas e com o homicídio.

O filme começa num tom descontraído e divertido, onde a interação entre os membros da banda cria esse clima. Mas, com o tempo, ele se torna tenso, tanto pela agressividade de Ma quanto pelo temperamento descontrolado de Levee, tendo um desfecho trágico e triste, manifesto no choro de Ma, que percebe que sua época e reinado estão acabando.

Davis e Boseman merecem demais o prêmio de melhor atriz e ator. Somente 25% dos atores de Hollywood são negros. Assim, quem alcança o estrelato acaba sendo muito competente no que faz como podemos ver aqui. Davis conseguia misturar agressividade com mortificação, esta última ao falar da condição do negro na sociedade americana e como os empresários brancos a viam, ou seja, como uma máquina de fazer dinheiro que poderia ser descartável a qualquer momento. Mortificação também ao perceber que seu sucesso teria um fim um dia. Já Boseman está muito magro e diferente, provavelmente por causa da doença que o vitimou. Ele conseguia fazer uma mistura de irreverência com explosões paroxistas de violência, tanto que o grande momento do filme foi Levee  falando do estupro da mãe e da morte do pai. A dor saltava de seus olhos, juntamente com as lágrimas.

Dessa forma, “A Voz Suprema do Blues” é mais um filmão que concorre ao Oscar e confesso que vou torcer muito por Davis e Boseman. Seria uma premiação muito merecida.

Vamos continuar aqui a falar dos filmes que concorrem ao Oscar. E hoje vamos pegar um peixe bem graúdo, pois “Mank” concorre a dez estatuetas (Melhor Filme, Melhor Ator para Gary Oldman, Melhor Diretor para David Fincher, Melhor Atriz Coadjuvante para Amanda Seyfried, Melhor Som, Melhor Design de Produção, Melhor Fotografia, Melhor Maquiagem e Cabelo, Melhor Figurino, Melhor Trilha Sonora). Para podermos falar desse filme, disponível no Netflix, vamos precisar de spoilers.

A película fala da vida de Herman Mankiewicz (interpretado por Gary Oldman), o roteirista do clássico “Cidadão Kane”, de Orson Welles. Para quem não conhece “Cidadão Kane”, esse é considerado um dos clássicos do cinema, pois trabalhou de forma magistral a técnica cinematográfica, além de trabalhar um tema muito polêmico na época em que foi produzido (1941), que foi, de uma certa forma, satirizar e criticar a trajetória do magnata da comunicação e entretenimento William Randolph Hearst.  Ou seja, era um projeto que, desde o seu início já estava fadado à perseguição e execração por parte do mainstream. Mank, como era conhecido Mankiewicz, era uma pessoa muito irreverente, possuidor de uma inteligente e fina ironia, além de ser acometido pelo alcoolismo. Roteirista da MGM, ele era contemporâneo de vários nomes conhecidos do cinema, como Louis B. Mayer, Irving Thalberg e Marion Davies, esposa de Hearst. E seu convívio com tais figuras seria a inspiração para escrever o roteiro de “Cidadão Kane”, que ganhou o Oscar de Melhor Roteiro.

O filme mostra duas histórias paralelas. A primeira delas mostra o processo turbulento de escrita do roteiro de “Cidadão Kane”, onde Mank padecia de um acidente automobilístico, acamado com uma perna quebrada. Ele teve todo um staff à disposição para escrever sua história, cujo cronograma se atrasava mais por suas bebedeiras, o que rendia pressões de Orson Welles em cima dele. À medida que o roteiro saía e as pessoas mais próximas iam tendo contato com o manuscrito, elas alertavam Mank de que isso acabaria de vez com sua carreira. A resposta era sempre dada com irreverência.

A segunda história é um flashback, passado em 1934, que mostra um Mank mais jovem e já bêbado como roteirista da MGM, convivendo com as pessoas do meio. Podemos ver figurinhas carimbadas do cinema e suas virtudes e defeitos. Um Louis B. Mayer (interpretado por Arliss Howard) muito falso, um Irving Thalberg (interpretado por Ferdinand Kingsley) sem escrúpulos, um William Hearst (interpretado por Charles Dance) aristocrático, uma Marion Davies (interpretada por Amanda Seyfried) muito simpática e doce. O filme mostra muito quem era quem naqueles tempos de crise provocados pela depressão, com toda essa elite cinematográfica apoiando o candidato republicano ao governo e nosso Mank, com sua irreverência e língua ferina remando contra essa maré, o que rendia olhares tortos por parte de uns, mas a simpatia de Hearst, que gostava de ter Mank em seus eventos sociais, muito mais pela sua retórica do que por qualquer outra coisa. Foi também notável o relacionamento de Mank com Davies, vista como uma espécie de bibelô de Hearst por aquela sociedade, mas sendo escutada por Mank em suas ideias e pensamentos. Mal saberia ela que seria retratada em “Cidadão Kane” de uma forma pouco positiva, pois Mank a colocou como uma peça de coleção do sombrio palácio de Hearst, metaforizado em Charles Foster Kane, e condenada a uma vida de ócio onde montava quebra-cabeças diariamente. Entretanto, Davies não ficou revoltada com Mank e isso não abalou a amizade dos dois.

O clímax do filme foi um jantar à fantasia de Hearst, onde Mank, totalmente bêbado, fala aos convidados um roteiro sobre um magnata das comunicações e inspirado em Don Quixote de La Mancha, claramente satirizando Hearst, atirando para todos os lados sem dó nem  piedade, será aí que Mayer deixará a sua falsidade de lado e irá dizer que metade do salário de Mank é pago por Hearst o único que sabe a parábola do macaco do realejo, que Mank perguntava a todos durante o filme: o macaco recebe tudo do dono do realejo, mas é manipulado por ele.

O filme tem atores com boas atuações. Charles Dance fez um ótimo Hearst, inabalável em seu comportamento aristocrático. Seyfried faz jus à indicação para Atriz Coadjuvante, pois as conversas de Davies com Mank foram um momento delicioso do filme, não se deixando abalar ao contracenar com o medalhão Oldman. Tom Burke fez um Orson Welles fantástico (parece que o homem ressuscitou nas telas). Mas o filme realmente é de Gary Oldman, que mais uma vez colocou todo mundo em seu bolso, fazendo um Mank com mais defeitos que virtudes, mas ainda assim despertando demais a simpatia por seu forte carisma. Se ganhar a estatueta de Melhor Ator, será merecido.

Dessa forma, “Mank” é mais um daqueles filmes sobre o cinema e sua história que se torna uma referência obrigatória para os cinéfilos. É uma película que necessita de muita atenção do espectador, por estar muito focada em seus diálogos, mas temos uma boa caracterização de época, figurinos e um delicioso preto e branco que a cor no cinema jamais enterrou de vez. E, melhor de tudo, tem no Netflix.

A seção Batata Movies, depois de um breve hiato, está de volta para falar dos indicados ao Oscar deste ano de 2021. Infelizmente, vivemos em tempos complicados e nem sempre vamos poder ter acesso a todos os filmes. Mas a ideia é poder falar do máximo de filmes possíveis aqui. E vamos começar com uma produção disponível na Netflix. “Relatos do Mundo” (“News Of The World”) traz o astro Tom Hanks e concorre a quatro estatuetas (Melhor Design de Produção, Melhor Som, Melhor Fotografia e Melhor Trilha Sonora Original). Para podermos falar sobre o filme aqui, vamos precisar lançar mão dos spoilers.

A história fala do capitão Kidd (interpretado por Hanks), um veterano da Guerra Civil Americana que era um tipógrafo e perdeu tudo com a guerra. Com isso, ele decide ganhar a vida viajando de cidade em cidade para ler as notícias de jornal para as pessoas. Um belo dia, ele encontra um homem negro enforcado e, com ele, uma menina lourinha que falava o idioma indígena Kiowa. Kidd analisa os documentos dela e percebe que a mocinha é de origem alemã, tendo tios a uma grande distância dali. O nome da garotinha é Johanna (interpretada por Helena Zengel) e Kidd decide fazer a longa viagem para levá-la para seus parentes. O grande problema é que ele vai passar por muitos perigos nessa viagem, o que vai fazer que os dois estreitem seus laços, à despeito da barreira linguística.

O filme aborda o estado de penúria dos Estados Unidos logo depois da Guerra Civil, enfocando especialmente o povo texano, que se sentia reprimido pelos yankees (ou azuis, como eram chamados no filme, em virtude do uniforme militar). As marcas da guerra ainda estavam muito recentes, e, se ainda há um ressentimento muito grande com relação a tudo isso hoje em pleno século vinte e um, imagine-se como não seria uns poucos anos depois de findada a guerra. Podemos ver todo esse ressentimento quando Dill lia notícias aos texanos de origem federal, onde a contestação era muito forte, e tudo isso sob os olhos de soldados yankees. Dill precisou ter um grande jogo de cintura, falando ao grande público prestes a explodir que a guerra realmente fez todos sofrerem bastante, sendo a voz que se solidarizava com o sofrimento coletivo.

Mas nem tudo é somente a dor do sofrimento. Por outro lado, vemos também todo um ódio contido nos mesmos texanos contra índios e negros e o surgimento de um comportamento muito autoritário, sobretudo num pequeno vilarejo controlado por uma espécie de ditador doméstico, que exigiu que Dill exaltasse seus grandes feitos perante a cidade. Mas nosso protagonista, acometido de um arroubo democrático com pouco espaço fértil para isso, decidiu colocar em votação as notícias que o público queria escutar, quase sendo morto por essa “provocação”. Aliás, esse é um filme que tem lá seus momentos de ação, mas somente como uma moldura para o relacionamento entre Dill e Johanna, a grande atração da película.  

Dill, apesar de ser um contador de histórias, fazia questão que a menina esquecesse seu passado traumático (ela teve sua família alemã massacrada pelos índios e depois sua família índia massacrada pelos brancos) e olhasse para a frente, sem olhar para trás. Entretanto, a menina diz que, para seguir adiante, precisa-se primeiro olhar para trás. São realmente duas formas de se lidar com um passado violento, onde talvez a segunda seja a mais coerente, pois é muito difícil a gente encarar a nossa vida sem as experiências pregressas.

Dill era solitário, pois perdeu tudo na guerra, até a esposa, morta pela cólera. Mas ele sente que foi mais a praga da guerra que se abateu sobre ele, ratificando a ideia já citada de como o conflito deixa marcas em todos, inclusive em nosso protagonista. Por fim, ele descobre que pode criar um verdadeiro núcleo familiar com a menina, e que deixá-la com os tios foi um erro. Ele volta a tempo para corrigir isso e garantir o happy end nesse western de fim de século que na verdade se passa no sul dos Estados Unidos.

Hanks está fenomenal como sempre, mas a surpresa é a menina Helena Zengel, que falava e cantava em idioma indígena. A química entre os dois personagens foi perfeita, pois eles se uniram nas adversidades que a viagem trouxe.

Dessa forma, só lamento que “Relatos do Mundo” não tenha tido mais indicações. Uma indicação de Melhor Ator e Atriz Coadjuvante não seria nenhum exagero. As indicações para os Oscars técnicos correspondem, mas ficou um gostinho de quero mais pela beleza e teor cativante do filme.