Mês: julho 2020

Mais um filme da fase americana e “Noir” de Fritz Lang. “Os Corruptos” (“The Big Heat”, 1953), é um filme bem violento para os padrões da época, de um realismo agressivo e intenso, ao bom estilo de medidas extremas para situações extremas. Para podermos analisar essa película, vamos precisar liberar spoilers de sessenta e sete anos.

Qual é o plot? A película começa com um policial se suicidando. O sargento da polícia Dave Bannion (interpretado por Glenn Ford) investiga a situação e tudo leva a crer que o policial realmente se suicidou, sobretudo depois que ele conversa com a viúva do morto. Mas uma amante do policial levanta dúvidas sobre as reais causas do suicídio. Depois disso, a amante aparece morta. Bannion começa toda uma investigação que é seguidamente obstruída por seus colegas policiais e superiores, assim como ele não consegue ir para a frente quando interroga as pessoas. Logo, Bannion percebe que há um esquema de corrupção que envolve não somente a polícia como a máfia local, liderada por Mike Lagana (interpretado por Alexander Scourby). Bannion irá ameaçar Lagana dentro de sua própria casa, o que faz os capangas do mafioso instalarem uma bomba no carro do sargento. Sua esposa irá usar o carro, o que vai detonar a bomba e provocar a sua morte. Bannion, revoltado, acusa todos os seus colegas e se desliga da polícia, iniciando uma investigação por conta própria, onde vai lançar mão de muita violência para desbaratar todo o esquema de corrupção.

O leitor pode até lembrar que tal enredo é muito visto em filmes de cultura de violência, ao melhor estilo de porrada, bomba e tiro que vemos hoje. Mas na época, isso era uma novidade, pois o cinema não mostrava tais questões de violência cotidiana de uma forma tão crua, como, por exemplo, explodir a esposa do homem que luta por justiça, o que o torna extremamente violento contra os algozes. E aí, a gente tem que tirar o chapéu para Glenn Ford, que foi mau que nem um pica-pau nesse filme, a ponto dele tentar estrangular a viúva do policial que se suicidou, já que ela estava envolvida no esquema. Não podemos nos esquecer que estamos falando do “mocinho” do filme. Ele agiu como um rolo compressor que não parava, impondo um baita de um respeito contra seus inimigos. Entretanto, devemos mencionar outra personagem aqui. Trata-se de Debby (interpretada por Gloria Grahame), namorada de Vince Stone (interpretado por um jovial Lee Marvin, de cabelos pretos e tudo), um dos capangas de Lagana. Ela procura Bannion depois deste dar uma dura em Stone em um bar. Mas Bannion, duro como uma pedra, nada quis com a moça.

Entretanto, Stone colocou um de seus capangas para vigiar a moça e, quando ela retorna à casa do bandido, este age de forma extremamente agressiva com ela, jogando café fervendo em seu rosto e deformando-a. Posteriormente, será a vez de Debby fazer o mesmo, conseguindo sua vingança. Ou seja, uma violência explícita e crua que deve ter chocado bastante na época. Parecia que Lang tinha elencado Gloria Grahame para papel de Cristo em seus filmes, já que ela também interpretou a esposa espancada e morta pelo marido em “Desejo Humano”, que também era estrelado por Glenn Ford (e já analisado aqui na Batata Espacial). Grahame também será “sacrificada” aqui, morrendo ao final do filme. Mas ela vai ter uma importância sobre o protagonista, devolvendo um pouco da humanidade a ele, a ponto de Bannion não matar Stone quando tinha a faca e o queijo na mão para isso. Talvez o maior castigo para Stone fosse passar o resto de seus dias com o rosto deformado pelo café fervendo e preso na cadeia. No fim, optou-se pelo “happy end”, com Bannion (com a ajuda de alguns amigos, diga-se de passagem) conseguindo desbaratar todo o esquema de corrupção, prendendo os envolvidos e voltando ao seu emprego. Até defendo um “happy end” aqui, dada a crueza e violência explicita que vimos nesse filme.

Dessa forma, “Os Corruptos” é um grande filme “Noir” de Fritz Lang, talvez um dos mais viscerais e agressivos ao público. Ele antecede os filmes de cultura de violência surgidos ali na década de 80, onde um herói sedento por vingança e muito violento detona todos os seus inimigos depois de ter sua família destruída por eles. Mas ainda ficou um traço de humanidade no protagonista graças à figura de Debby. Infelizmente, não temos o filme na íntegra. Fica aqui a cena em que Debby tem sua face desfigurada pelo café fervendo. Imaginem o impacto disso há sessenta e sete anos.

Mais um filme da fase americana de Fritz Lang. “O Tesouro do Barba Rubra” (“Moonfleet”, 1955) é um filme de época, o que garante algumas cenas de ação, mas que tem como escopo principal um drama de tons psicológicos. Para podermos falar desse filme, vamos liberar os spoilers de sessenta e cinco anos.

O plot fala de Jeremy Fox (interpretado por Stewart Granger), um cavalheiro que vive na Inglaterra do século XVIII numa cidadezinha chamada Moonfleet. Ele teve um caso com uma moça e esta teve um filho (não fica claro se de Fox ou não). O detalhe é que essa moça morre e, antes disso, ela envia seu filho para que Fox possa criar. O grande detalhe aqui é que Fox lidera um grupo de contrabandistas por trás de sua fachada de gentleman e viver com esse menininho não vai ser uma tarefa fácil. O garoto se chama John Mohune (interpretado por Jon Whiteley) e ele desenvolve uma afeição imediata por Fox. Irresistível, eu diria, o que vai deixar nosso rígido Fox bem melindrado. Há, ainda, uma lenda de que existe um fantasma de um pirata chamado Barba Rubra que anda pelo cemitério da cidade, assustando a todos e um diamante perdido. Enquanto o disfarce de Fox é preservado, ele até consegue manter a sua vida de gentleman e contrabandista cuidando de Mohune. Mas, quando é descoberto, ele vai precisar bolar uma estratégia para fugir e o menino passa a ser um problema para ele, ainda mais porque Mohune descobre a atividade ilícita de Fox e passa a ser perseguido pelo próprio bando do gentleman. Mas, por mais que Mohune seja um problema para Fox e ele queira se livrar do garoto, mais a consciência pesa para nosso protagonista quando ele tenta fazê-lo, sempre voltando para Mohune. Vai chegar uma hora em que a despedida será inevitável, mas ela soará como um “até breve”, onde Mohune tem a convicção de que Fox voltará para buscá-lo. Ficou para o espectador imaginar uma continuação para esse filme. Hoje em dia, talvez tivéssemos um “Tesouro do Barba Rubra II, a Volta de Jeremy Fox”, mas não foi o que aconteceu na época.

Esse é um filme que não estamos acostumados a ver Fritz Lang realizar. Um filme de época, o que exige uma preocupação com figurinos e cenários, bem cuidados, diga-se de passagem. Há um momento em que o Lang raiz retorna, exatamente nas cenas noturnas do cemitério, onde uma estátua sinistra e negra de um anjo aparece ameaçadora. Aliás, essa estátua aterroriza o nosso John Mohune bem ao início do filme, um menininho muito esperto e fofinho, com muita personalidade. Ou seja, muito carismático. Podemos dizer que ele tem as suas ambigüidades, em sua fofura e sua personalidade. Mas se há um personagem ambíguo nesse filme, ele é Jeremy Fo. Mulherengo, cavalheiro e um contrabandista que precisa controlar violentamente seus capangas que frequentemente querem se rebelar. Como se não bastasse, ele ainda precisou fazer o papel de pai postiço de Mohune. E, cá para nós, não fica muito claro se ele era apenas um pai postiço ou pai mesmo do menino. Outra coisa que fica para a imaginação do espectador. Logo, a personalidade de Fox nem pode ser considerada ambígua ao final das contas, mas sim multifacetada. O que mais chama a atenção é que ele vai ser uma boa pessoa com Mohune, o que vai um pouco na contramão da visão negativa do humano que vemos nos filmes de Lang. E a coisa se torna até comovente, quando vemos um Fox ferido ainda se preocupando com o menino para depois partir para uma fuga bem mais arriscada do que a solução que ele havia conseguido e que descartava Mohune de vez.

Dessa forma, “O Tesouro do Barba Rubra” é um filme de Lang que chama a atenção por ser um pouco diferente dos demais. Uma criança fofa, mas com personalidade, um pai postiço multifacetado, tudo isso tendo a Inglaterra do século XVIII como pano de fundo. O filme não chega a um primor das películas “Noir” do diretor, mas é digno de atenção. Infelizmente, não foi achada uma versão completa no Youtube. Fica aqui um trecho da introdução do filme.

Mais um filme da fase americana de Fritz Lang. “Suplício de uma Alma” (“Beyond a Reasonable Doubt”, 1956) é um filme que aborda a questão da pena de morte, um assunto para lá de batido. Mas, dessa vez, a questão dá um grande nó na cabeça do espectador, pois o roteiro de Douglas Morrow foi bem capicioso. Para podermos falar do filme, vamos liberar os spoilers de sessenta e quatro anos.

O plot é o seguinte. Um renomado jornalista, Austin Spencer (interpretado por Sidney Blackmer) tem total aversão à pena de morte. Seu futuro genro, Tom Garrett (interpretado por Dana Andrews) largou o ofício de jornalista para se tornar um importante escritor e ficou bem interessado na questão de Spencer. Os dois discutem a seguinte situação: geralmente as condenações à pena capital possuem a característica de se basear apenas em provas circunstanciais. Spencer e Garrett acreditam que podem muito bem, num eventual homicídio, plantar provas falsas para incriminar uma pessoa e provocar uma condenação injusta. Assim, quando há o homicídio de uma dançarina, eles decidem plantar tais provas de forma que isso incrimine Garrett para, depois, tendo essa estratégia toda documentada, inocentar o acusado e das um duro golpe nas condenações à morte. Assim, Spencer e Garrett colocam seu plano em prática e Garrett é incriminado. O julgamento vai a um rumo em que há toda uma situação em que Garrett vai ser condenado. O grande problema é que Spencer morre num acidente de carro onde todas as fotografias que revelavam a farsa vão ser destruídas junto com ele, pois o carro pegou fogo. E, como ele usou uma câmara tipo polaróide (pois é, ela já existia nos Estados Unidos em 1956!!!), não há negativos. Caberá a futura esposa de Garrett, Susan (interpretada por Joan Fontaine) encontrar alguma prova que inocente Garrett. Será encontrada uma carta nos documentos de Spencer, inocentando Garrett e o governador irá lhe conceder o perdão. Entretanto, numa conversa entre Garrett e Susan, a moça descobre que Garrett conhecia o real nome da morta (ela era conhecida pelo nome artístico) e Garrett jurava de pés juntos que não a conhecia (Susan vai conhecer o nome real dela, pois foi feita toda uma investigação sobre a vida pregressa da morta, à qual Susan teve acesso). Garrett vai então confessar à Susan que ele conhecia a moça morta, que ela era um antigo caso dele e que ela começou a lhe pedir dinheiro quando Garrett se tornou um conhecido escritor. A ideia de Spencer de desqualificar a pena de morte pareceu a Garrett a oportunidade ideal de se livrar da moça. Susan ficou muito abalada com a situação e, criando muita coragem, comunicou a culpa de Garrett ao governador, que lhe negou o perdão, com a pena de morte triunfante ao final do filme.

O filme começa com uma boa ideia: a condenação da pena de morte. E aí, é colocada toda uma situação, muito arriscada, diga-se de passagem, para se desmoralizar a pena de morte. É claro que alguma coisa teria que dar errado e Garrett ficaria numa situação muito complicada, tendo que provar sua inocência. Isso era mais do que óbvio quando vemos o plano sendo posto em ação. A gente só esperava quando a coisa fosse degringolar. Mas também ficava uma pulga atrás da orelha de até onde Garrett seria realmente culpado ou não, ou seja, um plot twist ao final. Esses eram os dois desfechos possíveis para o filme. Ou se usava um, ou se usava outro. Mas foram usados os dois, ao fim das contas. Fritz Lang sempre se disse realista e vemos um certo pessimismo em seus flmes quando ele aborda a questão humana. Esse pessimismo cai como uma luva quando vemos como a pena de morte é tratada. Se condenada ao início da película, ao final o espectador já não tem tanta razão dessa condenação devido à natureza sórdida de Garrett que é revelada nos momentos finais. Isso faz com que todo o esforço de Spencer caia por terra, e o mais cruel ainda, depois de morto o jornalista. Como se o acidente que provoca a sua morte funcionasse como uma espécie de punição pela tentativa de se questionar e atacar a pena de morte, que sai do filme totalmente soberana. Tirar a pena de morte da lei significa deixar um assassino impune. Ou seja, ela precisa existir, já que o ser humano é capaz das atitudes mais violentas. Essa acaba sendo a mensagem final do filme. A pena de morte é um mal necessário pela vilania humana e quem tentar mexer com ela acaba severamente punido. Nada mais agônico.

Assim, “Suplício de uma Alma” é mais um intrigante e inquietante filme de Fritz Lang. Se a película começa com uma tentativa louvável de se acabar com uma medida tão extrema, seu final pessimista mostra que tal medida é necessária, pois a humanidade nada tem de virtuosa. Infelizmente, não temos o filme na íntegra. Veja o trailer abaixo.

Vamos fazer aqui um pequeno parênteses nos filmes de Fritz Lang, mas nem tanto. Falemos de uma obra de Jean Luc Godard, “O Desprezo” (“Le Mépris”, 1963), onde o diretor alemão interpreta ele mesmo, sendo aqui mais uma curiosidade na carreira de Lang, embora ele não tenha, nesse filme, um protagonismo. Pareceu muito mais uma homenagem de Godard ao cineasta do que qualquer coisa. Para podermos falar desse filme, vamos liberar os spoilers de cinquenta e sete anos.

A trama se passa em volta de um casal, Camille (interpretada por Bardot) e Paul (interpretado por Michel Piccoli). Ela, uma datilógrafa que abandonou a profissão para se casar. Ele, um dramaturgo que está escrevendo um roteiro sob contrato. O filme é produzido por um americano, Jeremy Prokosch (interpretado por Jack Palance) e que vai ser dirigido por Fritz Lang. Tudo corre às mil maravilhas com o casal, até que eles vão ao set de filmagens e Prokosch quer levá-los para beber algo, mas não há vagas no carro dele para todos. Paul deixa sua esposa ir juntamente com Prokosch sozinha com ele e arruma outro jeito para ir ao local da tal bebida demorando cerca de meia hora para chegar. Quando Paul chega lá, sua esposa muda da água para o vinho no trato para com ele. Camille se torna arredia, grosseira e despreza o marido. Toda essa situação vai continuar no resto do relacionamento dos dois, que acaba ruindo de vez. O grande detalhe aqui é que o filme tem como tema a saga de Ulisses, que também tem o seu relacionamento com Penélope abalado, onde podemos ver paralelos da adaptação da História Grega no roteiro com a vida de Paul e Camile.

Confesso que nunca morri de amores por Godard. E juro, de pés juntos, que faço um esforço desgraçado para me aprofundar mais em suas obras e recursivamente tento ver seus filmes. Mas parece que meu santo não bate com o dele mesmo, pois achei esse filme uma DR infindável e insuportável, a ponto de se odiar a Brigitte Bardot. Ponto para ela, pois se mostrou uma grande atriz. Mas foi cansativo e extremamente agônico esse embate entre Paul e Camille, sendo que esta última ficou irredutível quando Paul cedeu a ela um lugar no carro de Prokosch. Teria ele querido não mostrar ciúmes? E se ele fosse ciumento e possessivo, Camille gostaria? Ou então, Camille achou que ele a estava usando para conseguir favores de Prokosch? Bem neurótico, como podemos ver. E, por mais que Paul tentasse entender o que acontecia na cabeça de Camille, ela se mostrou totalmente irredutível, a ponto de acabar com o relacionamento de uma hora para outra, algo que não parece minimamente racional ou até crível. Aí fica por conta do romance escrito por Alberto Moravia. Agora, pior do que essa DR um tanto sádica e mal explicada, foi o desfecho. Camille escreve uma carta comunicando a Paul que está o deixando e seguindo com Prokosch para Roma. Na estrada, depois de passar por um posto de gasolina, o carro bate num caminhão provocando a morte dos dois, tal como se isso fosse um castigo, uma punição tanto para Camille por ter sido cruel com Paul quanto como para Prokosch por ter ficado de olho na mulher dos outros. Fina ironia de uma moral cristã? Sabe-se lá.

E Lang? Apesar de sua posição periférica na película, gostei muito dele, pois Lang representava o cinema puro, contra os interesses meramente econômicos de Prokosch. E, toda vez que pintava uma querela no filme, seja nas diferenças de ponto de vista de Lang e Prokosch ou até no dilema conjugal entre Paul e Camille, o diretor somente levantava os dois braços como se quisesse dizer: “fazer o que, né?”.

Mas o que mais marcou foram as palavras do diretor condenando o crime passional, afirmando que a morte não resolve nada nesse sentido, pois se o homem traído mata a mulher amada, ele fica sem ela, e, se mata o amante, a mulher passa a odiá-lo, e o homem traído fica sem ela também. Tal pensamento só aumenta a ironia do desfecho do filme, com a morte acidental de Prokosch e Camille, além do fato de que Paul desiste de escrever o roteiro, que o fazia por Camille e para dar um conforto financeiro maior para a mulher. Paul larga o set de filmagem depois de se despedir de Lang e vai voltar para a sua atividade de dramaturgo, onde ele realmente se realiza.  

Dessa forma, se “O Desprezo” mostra uma DR que beira o insuportável e está presente em grande parte do filme, pelo menos as discussões e embates do cinema como arte e como atividade econômica são bem pertinentes, além de termos a oportunidade ímpar de ver Lang atuando (confesso que, para mim, ele não foi mal; há um mito de que os diretores são péssimos atores, não vi isso aqui), onde sua reflexão sobre o crime passional teve um destaque no filme. É por isso que tal película está na minimostra de Fritz Lang que a Batata Espacial faz para o público cinéfilo. E você pode ver esse filme de Godard na íntegra abaixo.

Mais um filme da fase americana de Fritz Lang. “No Silêncio de uma Cidade” (“While the City Sleeps”, 1956) nos mostra uma verdadeira guerra pelos louros da liderança no quarto poder, ou seja, a imprensa. Um ambiente que mostra até onde a ética pode ser jogada para escanteio em nome da competição. Para podermos falar desse filme, vamos precisar liberar os spoilers de sessenta e quatro anos.

O plot é o seguinte. Há um serial killer pela cidade de Nova York matando moças jovens e bonitas. Isso será noticiado na grande mídia, sobretudo no conglomerado de comunicações de Amos Kyne, que reúne jornais, canais de TV e outras mídias. Mas Amos está radicalmente doente e acaba morrendo, mesmo sob os cuidados de sua enfermeira Miss Dodd (interpretada por Celia Lovsky), a T’Pau de Jornada nas Estrelas, no episódio “Amok Time”). O filho de Amos, Walter Kyne (interpretado por um jovial Vincent Price sem bigode), assume o conglomerado. Walter não tem muita experiência no ramo mas decide criar um cargo de megadiretor executivo de todo o conglomerado e três funcionários em posições estratégicas do conglomerado, e que eram vistos com muito zelo por Amos terão que mostrar ao novo patrão todas as suas competências para serem escolhidos por Walter para o tal megacargo. Eles são: Mark Loving (interpretado por George Sanders), John Day Griffith (interpretado por Thomas Mitchell) e “Honest” Harry Kritzer (interpretado por James Craig). Essa será uma competição selvagem por esse alto posto, para o deleite de Walter e para a indignação de nosso protagonista, o âncora de telejornal Edward Mobley (interpretado por Dana Andrews). Nessa disputa, Mobley ficará mais ao lado de Griffith, embora, inicialmente, ele não escolhesse alguém especificamente. O mote da disputa entre os funcionários era solucionar o caso do serial killer. E quem tinha mais recursos para isso era justamente Mobley, pois ele tinha contatos bem sólidos na polícia. Para isso, nosso protagonista bonachão vai usar como isca a sua namorada, Nancy Liggett (interpretada por Sally Forrest), que é a secretária de Loving. Existem outros elementos que vão apimentar ainda mais essa história, como o caso entre Kritzer e Dorothy (interpretada pór Rhonda Fleming), que é a esposa de Walter Kyne, e a presença da sensual e voluptuosa Mildred Donner (interpretada pela irresistível Ida Lupino), que funciona como uma espécie de espiã para os funcionários que disputam o megacargo, lançando mão até de sedução e favores sexuais.

Esse é um filme que tem uma série de atores que despertam nossa atenção. Além dos nomes principais e de Celia Lovsky, o serial killer é interpretado pór ninguém mais, ninguém menos que John Barrymore Jr., filho de um ator da fase muda que dispensa apresentações e pai de Drew Barrymore. A mãe do serial killer é interpretada simplesmente por Mae Marsh, que trabalhou nos primórdios do cinema com o famoso diretor David Wark Griffith em filmes como “Intolerância”. Mas podemos dizer aqui que a grande vedete da película é realmente a história, baseada em mais um roteiro adaptado que, assim como o imortal “Cidadão Kane”, fala de um magnata das comunicações e seu conglomerado. Mas aqui o grande chefe brinca em sua jovialidade arrogante com funcionários que seu finado pai tinha em grande estima. E os meandros dessa disputa exibem as entranhas do conglomerado onde funcionários assustados com a perda de seus empregos competem de uma forma feroz pelo novo cargo, ao bom estilo da sociedade capitalista americana, com exceção de Kritzer, que já tinha preocupações suficientes em acobertar o caso com a esposa do chefão.

O personagem de Mobley aqui é um caso curioso, pois ele repudia a falta de ética de Walter ao criar essa disputa mas, ao mesmo tempo, lança mão de elementos pouco virtuosos como colocar sua namorada Nancy (a única personagem totalmente virtuosa da película) como uma isca para atrair o serial killer e, como se não bastasse, flertasse com Mildred, mesmo sabendo que ela era o fazia para lhe arrancar informações em benefício de Loving, chegando bem perto de ir para a cama com ela. Na verdade, só não o foi, pois bebeu que nem um condenado, ainda achando que não tinha feito nada demais quando Nancy ficou revoltada da vida com ele (ecos da sociedade ultramachista da década de 50). Ou seja, Mobley é o personagem ambíguo que já vimos em vários filmes “Noir” de Lang por aqui. Mildred, por sua vez, é a fêmea fatal também reaparecendo. O leitor sentiu falta das “culturas primitivas”? Dê então uma olhadinha na decoração da sala da casa de Walter, com motivos orientais. Adicione a trama policial pelos assassinatos e podemos dizer que esse filme realmente se aproxima do “Noir”, embora haja pouco claro/escuro por aqui.

Dessa forma, “No Silêncio de uma Cidade” é mais um filmaço de Lang, onde disputa capitalista é a personagem principal, que conta com um baita de um elenco, seja ele nos atores principais, seja ele nos atores coadjuvantes, e ainda temos novamente elementos do cinema “Noir”. Vale a pena procurar em DVD (infelizmente, não o achei completo no Youtube dessa vez, fique com o trailer abaixo).